Rue Harrison: Jenseits Des Bekannten

Das folgende Gespräch fand vor Publikum im Berkeley Art Center statt. Thema war „Kunst und das Unbewusste“. Rue Harrison, Künstlerin und praktizierende Psychotherapeutin, reflektiert das Thema aus der Perspektive ihrer eigenen Arbeit. Aus künstlerischer Sicht spricht sie über ihre Beziehung zu der mysteriösen Tierfigur, die vor fünfzehn Jahren erstmals in ihren Gemälden auftauchte und sich schließlich zu einer fortlaufenden Graphic Novel entwickelte, die Lesern dieser Zeitschrift als „Indigo Animal“ bekannt sein dürfte .

Richard Whittaker : Wie sollen wir dieses große Thema angehen?

Rue Harrison : Ich möchte einige Fragen zu diesem Thema erörtern. Ich arbeite seit meinem Erwachsenenalter als Künstlerin, doch in den letzten 15 Jahren habe ich mich intensiv mit einem Erzählstrang auseinandergesetzt, der mir viel gegeben hat. Ich kann ihn aus zwei Perspektiven betrachten: aus künstlerischer und aus psychologischer. Seit ich als Therapeutin tätig bin, interessiert mich das Thema aus beiden Blickwinkeln. Im Allgemeinen geht es darum, dass das Unbewusste der Teil von uns ist, der verborgen bleibt. Manchmal zeigt es sich in Bildern und Träumen, und diese können ein wichtiger Bestandteil des künstlerischen Schaffens werden.

RW: Glauben Sie, dass die Aufdeckung dieser verborgenen Teile von uns selbst ein transformierender Prozess sein könnte?

RH: Ja, und ich kann das aus eigener Erfahrung bestätigen. Die Auseinandersetzung mit einem künstlerischen Prozess kann einen an Orte führen, die man im Hinblick auf die Selbstfindung nie für möglich gehalten hätte.

RW: Ich bin mir nicht sicher, ob jeder die Idee akzeptiert, dass es so etwas wie das „Unbewusste“ wirklich gibt.

RH: Mir scheint, dass das Unbewusste sogar von Experimentatoren durch Methoden wie Assoziationstests bestätigt wurde.

RW: Würden Sie sagen, dass sich dies in Ihrer eigenen Erfahrung bestätigt hat?

RH: In meinen Zwanzigern habe ich mich einfach treiben lassen, und wenn mir ein Bild in den Sinn kam, habe ich es gemalt. Ich hatte ein Blatt Papier, und die Ideen kamen mir, und ich habe darauf reagiert und versucht, sie darzustellen. Zeichnen war nicht mein Hauptinteresse; ich interessierte mich hauptsächlich für Farben. Aber wenn das Bild fertig war und ich es mir vielleicht eine Woche oder einen Monat später ansah, offenbarte es mir etwas über Dinge, die in meinem Leben zu der Zeit vor sich gingen. Beziehungen, Kindheitserinnerungen; all das war da, aber während des Malens war mir das überhaupt nicht bewusst. Ich habe einfach nur das Bild gemalt.
Nach einiger Zeit freute ich mich auf den Moment eine Woche später, wenn ich das Gemälde betrachtete und es mir plötzlich etwas sehr Anschauliches zeigte. Für mich war das die Bestätigung des Unbewussten.

RW: Sie erwähnen Kindheitserinnerungen. Spielen diese eine wichtige Rolle in Ihrem künstlerischen Schaffen?

RH: Nun ja, zu meinen lebhaftesten Erinnerungen gehören die erste und zweite Klasse, das Erlebnis, ein sauberes Blatt Papier und Buntstifte zu bekommen und zu erkennen, dass ich eine Welt erschaffen konnte.
Rückblickend erkenne ich, dass dies eine besondere Gabe war. Doch dann kam das Leben dazwischen, und ich verlor für einige Zeit diese direkte Verbindung zur bildenden Kunst. Ich schrieb viel, aber erst im Studium begann ich wieder Kunstkurse zu besuchen, und plötzlich fühlte es sich wieder wie ein sehr wichtiger Teil meines Lebens an. Da war dieses vertraute Kribbeln, diese Begeisterung, mit etwas wirklich Lebendigem in Berührung zu sein. Ich glaube, das ist es, was Künstler dazu anspornt, diese Art der Erkundung fortzusetzen.

RW: Sie haben in New Mexico gemalt und dort einen Bachelor of Fine Arts (BFA) erworben. Anschließend kamen Sie nach San Francisco, wo Sie an der San Francisco State University einen Master of Arts (MA) in Kunst machten. Doch erst viele Jahre später tauchte das Indigo-Tier erstmals auf. Könnten wir einen Zeitsprung machen zu dem Zeitpunkt, als diese Figur in Ihren Gemälden erstmals auftauchte?

RH: Hier ist das erste Gemälde. [hält ein Foto hoch] Damals malte ich oft Landschaften aus der Nachbarschaft, ließ aber auch andere Dinge in die Bilder einfließen. Hier tauchte diese Tierfigur in der Landschaft auf. Ich habe sie einfach mit einfließen lassen. Das ist das erste Bild.

RW: Und da ist auch noch diese kleine Figur in der Mitte des Gemäldes. Können Sie etwas dazu sagen?

RH: Es sieht tatsächlich aus wie eine Schattengestalt. Dieses Gemälde erinnert mich an den Jungschen Psychoanalytiker Donald Kalsched, dessen Werke ich gerade lese. Ich möchte ein Zitat aus seinem Buch „Die innere Welt des Traumas“ vorlesen: „In Träumen wird der regressive Anteil der Persönlichkeit meist als verletzliches, unschuldiges Kind oder als Tier-Selbst dargestellt, das sich beschämt verbirgt. Gelegentlich erscheint es als besonderes Tier. In welcher Form auch immer es sich manifestiert, dieser unschuldige Rest des gesamten Selbst scheint den Kern des unvergänglichen persönlichen Geistes des Individuums zu repräsentieren, das, was die alten Ägypter die Ba-Seele nannten.“
Ich kann das im Hinblick auf „Indigo Animal“ gut nachvollziehen, denn sein Entstehen war nicht so einfach. Es wirkte wie eine so simple kleine Figur, aber sie in einem Gemälde wie diesem zum Vorschein zu bringen, war ein gewisses Risiko. Die Figur musste in diesen Bildern eine Zeitlang verborgen bleiben. Was die kleine Schattenfigur angeht, erinnere ich mich, dass sie beim Malen voller Energie war, und es lag ein Gefühl darin, in unbekanntes Terrain vorzudringen, was irgendwie aufregend war. Die Tierfigur wirkt verträumt und völlig geheimnisvoll, während die kleine Figur etwas fast Bedrohliches an sich hat. So entsteht in diesem Gemälde ein Kontrast zwischen diesen beiden Qualitäten.
Ein weiterer Aspekt ist das Gefühl, erfolgreich und bekannt sein zu müssen. Man kann sehr selbstkritisch werden, wenn man nicht erfolgreicher ist. Ich war davon definitiv betroffen und war zu diesem Zeitpunkt meiner Malerei ziemlich verzweifelt.

RW: Können Sie mehr über das Risiko sagen, das mit dem Erscheinen der Tierfigur einhergeht?

RH: Manche dieser Dinge lassen sich schwer beschreiben. Es hat Spaß gemacht, das Tier auftauchen zu lassen, aber ich habe versucht, den Kontext meines damaligen Gefühls der Unsicherheit – zum Beispiel in Bezug auf dieses Gemälde – zu vermitteln.

RW: Und hier ist nun das zweite Erscheinen dieser Tierfigur.

RH: Ja. Das Bild entstand wohl ein paar Gemälde nach dem ersten. Ich hatte mich für dieses Wesen interessiert und dann dieses Bild gemalt. Plötzlich wirkt das Tier hier sehr entschlossen. Es scheint, als wolle es in diesem Moment unbedingt hervortreten. Es hat einen starken, eigensinnigen Charakter, der mir beim Malen sehr viel bedeutete.

RW: Das Treppenhaus ist viel deutlicher zu erkennen, und die Gestalt scheint auch entschlossener zu sein, diese Treppe hinaufzusteigen.

RH: Auch das Tier hat in diesem Gemälde Augen, die später verschwinden. Es scheint, als ob beide Figuren des vorhergehenden Gemäldes nun in diesem einen Bild verschmelzen. Dies ist die vollständige Erscheinung des Wesens, das für mich zu einem sehr wichtigen Ausdrucksmittel geworden ist.

RW: Es gab noch ein anderes Gemälde, das leider nicht erhalten ist. Darauf stand das Tier vor einem Säulengang mit griechischen Säulen, als wolle es hineingehen. Ich mochte dieses Gemälde sehr, aber Sie haben es übermalt. Erinnern Sie sich an dieses Gemälde?

RH: Ich erinnere mich, dass ich mich selbst überfordert habe und über meine Grenzen hinausging, was mich ziemlich enttäuschte. Es war ein weiterer Aspekt meiner Selbstkritik, also habe ich es übermalt. Einige andere Bilder haben es auch nicht überstanden.

RW: Irgendwann fingen Sie an zu zeichnen, woraus sich dann die Comic-Erzählung entwickelte. Könnten Sie uns etwas darüber erzählen?

RH: Es ging alles sehr schnell. Ich arbeitete damals als Grafikdesignerin, aber eigentlich war das nicht das, was ich machen wollte. Ich saß im Bus und freute mich auf einen weiteren Arbeitstag, als mir plötzlich ein paar Worte einfielen. Auf der Arbeit angekommen, schrieb ich sie so gut wie möglich auf.
In den darauffolgenden Wochen begann ich dann, diesen Cartoon zu zeichnen. Die Kombination von Text und Bildern fesselte mich sofort viel mehr als das reine Malen zuvor. Ich fühlte mich viel freier und glücklicher.

RW: Ist Ihnen der Name „Indigo Animal“ im Bus eingefallen?

RH: Ja, zusammen mit den ersten Ideen für Zeichnungen und Texte. Der erste Comicstrip enthielt sieben Zeichnungen. Nach einigen Überarbeitungen lautete er: „Indigos Gefühle sind unstrukturiert, unverständlich, formlos. Indigo Animals Gedanken, wie Lichtsplitter, erhellen kurz die unerforschte innere Landschaft, nur um aus unerklärlichen Gründen wieder zu verschwinden. Indigo Animal schleppt sich weiter, ringt darum, Worte mit Bildern zu verbinden, scheitert aber meistens daran.“

RW: Es ist wie ein wörtlicher Bericht über den Beginn des Prozesses, in dem das Unbewusste ans Licht kommt.

RH: In gewisser Weise ist dieser Moment der wertvollste. Die Frage ist nur, was danach passiert. Ja, es ist ein sehr bewegender Moment. Es war ungemein aufregend, dass etwas Unbekanntes entstand. Als ich mit diesem Cartoon anfing, war ich so gefesselt, dass es mir egal war, was andere darüber dachten. Dadurch bekam meine Arbeit eine spielerische Leichtigkeit.
Ich war wohl so selbstkritisch, dass ich mich in meinem künstlerischen Ausdruck immer etwas gehemmt fühlte. Das hat mir wirklich etwas gegeben. Und auch als Therapeutin ist das ein sehr interessanter Prozess. Dass Indigo Animal nun auf die Welt kommt und durch die Straßen geht, war zumindest für mich ein bedeutsames Ereignis.

RW: Es tat sich ein neuer Raum auf, ein innerer Raum.

RH: Ja. Es fühlte sich immer sehr lebendig an. Es bot mir die Möglichkeit, diesen Teil von mir auszudrücken, der immer der verborgenste gewesen war. Das Magazin [ The Secret Alameda *] ermöglichte es mir, ihn mit der Welt zu teilen und erste Rückmeldungen zu erhalten, was für diesen Prozess ebenfalls sehr wichtig war.

RW: Können wir uns einige der ersten Zeichnungen ansehen? Ich weiß, Sie haben Fotos davon mitgebracht.

RH: Das hier ist eines der ersten. Es hat wirklich Spaß gemacht, es zu zeichnen. Es war, als ob man das Tier freigelassen hätte, und da es nun in eine Geschichte eingebunden war, gab es einen Grund, es weiter zu zeichnen. Das Tier läuft also durch die Nachbarschaft, und man sieht, dass es sich etwas unwohl fühlt. Auch die Bäume und die Schatten wirken ein wenig unheimlich und bedrohlich.

Frage: [Publikum] Hat das Tier ein Geschlecht?

RH: Nun ja, damit hatte ich so meine Schwierigkeiten. In den ersten Comics war Indigo weiblich. Dann gefiel mir die Idee, dass Indigos Geschlecht nicht eindeutig ist. Ich habe versucht, es so zu schreiben, dass Indigos Geschlecht nicht klar ist. Ich glaube, ich lasse mich auch beeinflussen – wenn ich zum Beispiel mit Männern spreche, wird es zu einem „er“. [lacht]

Frage: Fühlen Sie sich Chagall verbunden? Ich frage wegen der traumartigen Dissoziation einiger Ihrer Bilder.

RH: Ich glaube, das ist einer der Gründe, warum ich mich für die Umsetzung der Geschichte im Cartoon-Format entschieden habe. Ich fühlte mich in dieser cartoonhaften Erzählweise völlig frei. Es war befreiend, weil es, wie gesagt, nicht so ernst ist.
Ich möchte hier ein weiteres Zitat vorlesen. Sean McNiff, ein Kunsttherapeut, sagt in seinem Buch „ Kunst und Medizin “: „Die kommerzielle Kunstwelt ist mit einer bestimmten Reihe wirtschaftlicher Werte verbunden, und wir begehen einen Fehler, wenn wir diesen Kontext als den ausschließlichen oder den höchsten Bereich der Kunst betrachten.“
Das spricht etwas an, von dem ich mich sehr eingeschränkt fühlte. Die Marktseite der Kunst, Kunst als Ware, prägt die Erfahrung vieler Künstler. Ich denke, jeder Künstler muss lernen, außerhalb dieser Welt zu existieren, um weitermachen zu können.
Künstler, die es in diesem wettbewerbsorientierten Umfeld schaffen, haben oft ein starkes Ego, aber viele haben auch Verluste oder frühe Schwierigkeiten erlebt. Menschen wie ich, die zu dieser Gruppe gehören, müssen sich mit dieser selbstkritischen Seite auseinandersetzen.
Kunst kann also ein Vehikel für Wachstum sein, aber im Kontext der Kunstwelt können Menschen davon abgehalten werden und einen Prozess aufgeben, der letztendlich sehr heilsam sein kann.

RW: Sie sprechen da einen sehr wichtigen Punkt an, aber vielleicht sollten wir darauf zurückkommen, wie Indigo Animal entstanden ist.

RH: Ja. Hier trottet Indigo Animal also weiter, und hier sind noch ein paar weitere Bilder aus dem ersten Comicstrip. Das Tier beginnt, in dieser grauen Welt umherzulaufen, und hier schließt sich endlich ein Kreis. [Zeigt eine Zeichnung, auf der Indigo mit einem Baum zusammenstößt – Publikum lacht]
Von dort aus gab es eine Reihe von Comicstrips, die meiner Meinung nach eine Art psychologische Entwicklung aufzeigen, die sich abspielte.
Nun gibt es da noch einen anderen Aspekt, den ich ansprechen wollte: die Idee der imaginären Welten. Ich bin mir darüber noch nicht ganz im Klaren, und diese Erzählung wird für mich definitiv zu einer Art imaginärer Welt. Ich glaube, viele Menschen haben verschiedene Arten von imaginären Welten, und das führt mich zu dem Punkt, den ich an meiner Arbeit und auch an jedem, der eine imaginäre Welt erschafft, zu verstehen versuche. Ab wann schneidet einen eine solche Welt von der Beziehung zur Außenwelt ab?
Imaginäre Welten, als innerer Prozess, befinden sich gewissermaßen in einer Zwischenstellung zwischen völliger Abspaltung und Dissoziation und dem beginnenden Prozess der Selbstfindung durch künstlerische Auseinandersetzung. Jeder Mensch erlebt Dissoziation, doch traumatisierte Menschen nutzen sie deutlich häufiger als andere.
Wenn man sich also eine imaginäre Welt erschafft, gibt man seiner inneren Welt Form und konzentriert sich darauf, was möglicherweise zu einer Abkehr von der Dissoziation führen kann, aber das ist unklar. Man kann nicht hundertprozentig sagen, dass es etwas Positives ist. Manchmal verharren Menschen in ihren imaginären Welten.

RW: Man könnte vielleicht argumentieren, dass das künstlerische Schaffen selbst, dieses Eintauchen in eine private, persönliche Welt, eine Form der Dissoziation darstellt.

RH: Ich denke, das ist eine wirklich wichtige Frage. Ich möchte noch ein Zitat von Donald Kalsched vorlesen. Er fragt: „Durch welchen Prozess der normalen Entwicklung wird die Welt der transpersonalen, numinosen Erfahrung in eine dialektische Beziehung mit der profanen Realität gesetzt, sodass das Leben wirklich sinnvoll, vital und lebendig wird?“
Wenn man an einen Künstler denkt, der in seinem Atelier arbeitet, könnte man sagen, dass er sich nicht nur in einer Fantasiewelt befindet, sondern auch die alltägliche Realität mitgestaltet. Oftmals entspricht das Ergebnis nicht exakt der ursprünglichen Fantasie. So kommt der Künstler mit der Realität in Berührung. Es muss eine Verbindung zu dem bestehen, was tatsächlich geschaffen wurde.
Diese Verbindung zu einer dialektischen Beziehung – Selbst, Anderer – scheint für die Entwicklung unerlässlich zu sein. Das kann auf diesem Weg geschehen, oder auch, wenn ein Patient seine Träume mitbringt und mit einem Therapeuten arbeitet. Für den Künstler kommen all die zwischenmenschlichen Herausforderungen hinzu, die Teil des Problems sind, sein Werk in die Welt zu bringen.
Es muss also eine Art Verbindung entstehen. Eine Vertiefung muss stattfinden, die sich auf Körper und Gefühle ausdehnt, damit letztendlich ein Gefühl der Erdung eintreten kann. Dann kann Wachstum möglich werden. Aber wie genau geschieht das? All das bleibt eine offene Frage.

RW: Was ist mit der „numinosen Erfahrung“ in Ihrem Zitat und auch mit dem Bezug auf die „normale Entwicklung“? Wie sehen Sie das?

RH: Nun, was transpersonale, numinose Erfahrungen angeht, denke ich, dass Menschen, die imaginäre Welten erschaffen – und das ist eher mein Tätigkeitsfeld –, dadurch die Möglichkeit erhalten, dass diese Archetypen erscheinen. Ich meine, sie tauchen in Träumen auf oder können in Kunstwerken sichtbar werden.
Künstlerisches Schaffen kann diesen von mir erwähnten Spielraum schaffen, der es ermöglicht, dass Darstellungen von etwas Größerem als meinem Ego – also jenen mir bekannten Teilen meines Selbst – Eingang finden. Es vermittelt ein Gefühl von Sinn und Verbundenheit mit etwas Größerem. Das hat wenig mit der eigenen Persönlichkeit zu tun. Es ist etwas Tieferes. Genau das meine ich mit dem Begriff „transpersonale numinose Erfahrung“.
Was die „normale“ Entwicklung angeht, bin ich mir nicht ganz sicher, was Kalsched damit meint. Vielleicht meint er, dass sich Dinge normal entwickeln, wenn sie mit der alltäglichen Realität verbunden sind. Wenn man in einer Welt transpersonaler, numinoser Erfahrungen verharrt und nie einen Weg findet, diese auf die eine oder andere Weise in den Alltag einfließen zu lassen, mag das nicht hilfreich sein. Doch dieser Prozess ist geheimnisvoller, als wir annehmen.
Margaret Lowenfield, eine Sozialarbeiterin, die ein Heim für Waisen des Ersten Weltkriegs leitete, erforschte als Erste die später als „Sandkastentherapie“ bekannt gewordene Methode. Die Waisen erhielten einen Sandkasten und allerlei Spielfiguren – Pferde, Kühe, Häuser, Zäune und vieles mehr. Tag für Tag erschufen die Kinder „Welten“ im Sand. Anfangs spiegelten diese Welten ihre Ängste und das erlebte Chaos wider. Doch ohne weiteres Zutun von Lowenfield begannen die meisten Kinder schließlich, geordnetere und harmonischere Welten zu gestalten und wieder am Leben teilzunehmen.
Bei Menschen mit schweren psychischen Störungen entwickelt ihre innere magische Welt jedoch beängstigende Gestalten. Man möchte nicht, dass sich die innere Welt so weit abkapselt, dass sie von Dämonen bevölkert wird. Jung versuchte, diesen Gedanken mit dem alchemistischen Begriff der „kleinen Konjunktion“ auszudrücken. Dabei wird eine Verbindung hergestellt, jedoch nicht zur profanen Realität.

RW: Ich bin mir nicht sicher, ob ich das verstehe.

RH: Die kleinere Konjunktion ähnelt eher einem Suchtprozess, bei dem sich zwei Dinge verbinden, aber auf eine Weise, die nicht zu Wachstum führt. Es fehlt die Verankerung in der physischen Realität.

RW: Eine obsessive Verbindung? Etwas, das sich in einer Art Kokon entwickelt?

RH: Ich denke schon. Ich glaube, deshalb ist es so schwer, über diese Ideen zu sprechen. Wissen Sie, wenn Menschen sich imaginäre Welten ausdenken, wird das manchmal mit psychischer Krankheit gleichgesetzt. Kennen Sie den Aufkleber: „Ich mache, was meine Rice Krispies mir sagen“? Ich denke, deshalb sprach Jung von der größeren Konjunktion , die sich wirklich in Richtung Wachstum entwickeln kann, und der kleineren Konjunktion , bei der etwas nie den Durchbruch zur Realität schafft.
Deshalb birgt der künstlerische Prozess in gewisser Weise ein so großes Potenzial. Es besteht ein himmelweiter Unterschied zwischen jemandem, der in einer Fantasiewelt lebt – nicht von ihr getrennt, sondern für real hält – und jemandem, der diese Fantasiewelt nimmt, darüber schreibt, sie malt, sie mit nach draußen nimmt und sie betrachtet. Dann eröffnet sich ein neuer Raum. Es ist der Beginn einer umfassenderen Verbindung .

RW: Nun, kehren wir zu Indigo Animal zurück, das für Sie ein Weg zu einigen dieser Verbindungen mit den von Ihnen beschriebenen Welten war – sowohl der äußeren Welt als auch einer größeren inneren Welt.

RH: Ja, und im Grunde geht es in der Geschichte von Indigo Animal darum, von einem Zustand geringeren Selbstvertrauens, von psychischen Schwächen, zu dem Zustand zu gelangen, in dem diese Schwächen allmählich aufgefüllt werden.

RW: Können Sie das näher erläutern und wie sich die Geschichte weiterentwickelt hat?

RH: Nun ja, Indigo Animal hat zu viel ferngesehen, wusste aber irgendwie, dass es da draußen noch eine Welt gab. Indigo interessierte sich für Schönheit, aber „Indigo fehlt ein Ziel.“ [hält eine Zeichnung hoch]
In einem der Comics wird der Fernseher gestohlen, und Indigo verfällt in eine lange Depression. Doch dann erlebt Indigo einen Moment der Erleuchtung – den Moment, in dem die Titelmelodie von „Jeopardy!“ endlich aufhört, in seinem Kopf zu spielen. [Gelächter]
Nachdem der Fernseher weg ist, unternimmt Indigo viel mehr Spaziergänge und interessiert sich noch mehr für die Gartenfiguren, von denen es in der Nachbarschaft viele gibt. Das führt sie zum Lesen und schließlich zu einem Studium der „alten Gesetze der Proportion“.
Wie dem auch sei, im weiteren Verlauf der Geschichte gelingt es Indigo, einige innere Ressourcen zu mobilisieren und langsam eine Wandlung durchzumachen.

RW: Wir haben zwar keine Zeichnung dabei, aber Indigo Animal hat sich mit den alten Gesetzen der Proportion auseinandergesetzt, sorgfältige Messungen vorgenommen und festgestellt, dass seine eigenen Proportionen perfekt mit diesen alten Gesetzen übereinstimmen. [Gelächter aus dem Publikum]

RH: Es war eine Win-Win-Situation.

RW: Vielleicht gibt es etwas, worüber Sie gerne sprechen möchten, das aber noch nicht zur Sprache kam.

RH: Ich möchte dieses kurze Zitat vorlesen: „Wie bleibt die magische Welt der Kindheit bis ins Erwachsenenalter erhalten?“ Vielleicht müssen wir diese Frage gar nicht beantworten. Vielleicht können wir sie einfach so stehen lassen.
Und ich möchte euch nun die letzten Bilder zeigen. Hier entdeckt Indigo Animal das Rasenstatuen-Forschungsinstitut. [hält eine Zeichnung hoch] Dorthin geht Indigo am Ende des ersten Buches.
Darüber hinaus tauchen weitere Charaktere auf. [hält Bilder hoch] Diese beiden hier – das ist mir erst vor ein paar Tagen aufgefallen – sind so etwas wie Elternfiguren. Das ist ein Murmeltier, Dame Eleanor, und das ist Orange Bearcat. Sie besitzen Kräfte in dieser neuen Welt, die Indigo Animal betritt. Orange Bearcat ist die Direktorin des Instituts. Es handelt sich also um ein laufendes Projekt.

RW: Vielleicht könnten wir jetzt die Fragerunde eröffnen.

Frage: Ich bin Therapeutin und Künstlerin und habe eine ähnliche Ausbildung wie Sie. Ich bin mit dem Glauben aufgewachsen, meine Kunst würde ihren Weg in Galerien in New York und ins Museum of Modern Art finden. Mit dreißig Jahren wurde mir klar, dass das nicht passieren würde. Doch die heilsamsten Erfahrungen meines Lebens habe ich mit Kunst oder Meditation gemacht, nicht mit Gesprächstherapie, und ich habe während meiner gesamten Laufbahn darum gerungen, Kunst in den Therapieprozess zu integrieren. Ich sehe eine Parallele zwischen dem, was in der Kunstwelt als wichtig und „höher“ gilt, und dem, was in der Therapiewelt als wichtig und „höher“ angesehen wird. In der psychologischen Gemeinschaft gilt die psychoanalytische Therapie als „real“, während ein Abschluss in Kunsttherapie als eher fragwürdig gilt – es sei denn, er wird als Ergänzung zu einer medizinischen Einrichtung eingesetzt. Es kursieren also ähnliche Botschaften, die mich von dem entfremden, was ich zutiefst als heilsam empfinde: Botschaften, die suggerieren, dass etwas daran nicht „sauber“ sei, genau wie an Ihrem wunderbaren Gemälde in der Welt der Hochkunst vielleicht nichts „sauber“ sei. Ich sage nur, ich sehe da eine Parallele.

RH: Das ist ungemein hilfreich, denn diese Dinge sind sehr erdrückend und werden meist nicht wahrgenommen; sie geschehen unbewusst. Die Art und Weise, wie Dinge voneinander getrennt werden, kann einen am Handeln hindern. Ich denke, man muss das im Leben erfahren. Dieser Vortrag hilft mir, beispielsweise deutlicher zu erkennen, wo unnötige Einschränkungen auferlegt werden.

Frage: Sie haben dieses Zitat von Prinzhorn, einem surrealistischen Künstler, weitergegeben: „Wenn die Seele deprimiert, isoliert, verrückt und verzweifelt ist, entstehen künstlerische Bilder.“ Ich habe darüber nachgedacht, wie der Fernseher verschwindet und Indigo deprimiert ist, dann die Leere erscheint und schließlich eine Art Erleuchtung folgt. Glauben Sie, dass Depression dem kreativen Zustand innewohnt?

RH: Ich glaube nicht, dass es immer so ist. Dieses Zitat hat mich interessiert, weil mir in diesem Bus ganz unerwartet etwas in den Sinn kam, und ich fühlte mich wirklich ziemlich verloren. Aber ich bin sicher, man kann auch zu depressiv sein. Ich bin mir nicht ganz sicher, was genau nötig ist, um diese Erfahrung zu machen, aber der Surrealismus selbst ist sicherlich in gewisser Weise aus dem ungeheuren Leid des Ersten Weltkriegs entstanden.

Frage: Meine Frau ist Kunsttherapeutin und hat schon Kinder erlebt, die durch das Darstellen dieser Dinge auf Papier ihre Depressionen überwunden haben.

RW: In der Kunstwelt, insbesondere in der Welt der Hochkunst, genießt die Idee, dass Kunst therapeutisch wirken kann – also eine therapeutische Verbindung zum Künstler selbst – meines Erachtens kein hohes Ansehen. Ich finde das bedauerlich, denn soweit wir wissen, war in der Geschichte der Menschheit die Heilung stets einer der zentralen Zwecke der Kunst.

Frage: Indigo tauchte in einem ganz gewöhnlichen Umfeld auf und wirkte sehr geheimnisvoll. Das macht seinen Reiz aus. Das scheint Ihrer Beschreibung zu entsprechen, dass in diesem Umfeld, in dem alles zu bewusst und von Absichtlichkeit geprägt war – Grafikdesign –, etwas entstand.

RH: Absolut. Es lässt sich in keine Kategorie einordnen. Und das stimmt immer noch, denn ich weiß wirklich nicht, um welche Tierart es sich handelt. ★

Von 1991 bis 1997 erschienen acht Ausgaben von „The Secret Alameda“. Die Abenteuer von Indigo Animal werden in Werken und Gesprächen fortgesetzt.