Rue Harrison : Au-delà Du Territoire Connu

La conversation suivante s'est déroulée devant un public au Berkeley Art Center. Le thème était « L'art et l'inconscient ». Rue Harrison, artiste et psychothérapeute, a abordé ce sujet à travers le prisme de son travail. Du point de vue artistique, elle a évoqué sa relation avec la mystérieuse figure animale apparue pour la première fois dans ses peintures il y a quinze ans, et qui a donné naissance à un récit graphique continu que les lecteurs de ce magazine reconnaîtront sous le nom d' Indigo Animal …

Richard Whittaker : Par où commencer avec ce vaste sujet ?

Rue Harrison : Mon intention est d'explorer certaines questions que je me pose en lien avec ce sujet. Je suis artiste depuis toujours, mais depuis quinze ans, je travaille sur un récit qui m'a beaucoup apporté et que j'aborde sous deux angles : artistique et psychologique. Depuis que je suis devenue thérapeute, je m'y intéresse de plus près. L'idée générale est que l'inconscient est la part de nous-mêmes qui demeure cachée. Il émerge parfois à travers des images et des rêves, qui peuvent devenir une source d'inspiration importante pour la création artistique.

RW : Pensez-vous que la découverte de ces parties cachées de nous-mêmes puisse être un processus transformateur ?

RH : Oui, et je pense pouvoir en témoigner personnellement. S’engager dans un processus artistique peut mener à des expériences insoupçonnées, à une véritable reconstruction de soi.

RW : Je ne suis pas sûr que tout le monde accepte l’idée qu’il existe réellement cette chose que nous appelons « l’inconscient ».

RH : Il me semble que l’inconscient a été vérifié, même par des expérimentateurs, grâce à des tests d’association.

RW : Diriez-vous que cela a été vérifié par votre propre expérience ?

RH : Quand j'avais une vingtaine d'années, je me laissais aller et, dès qu'une image surgissait, je la peignais. J'avais une feuille de papier, les idées me venaient, je réagissais à elles et j'essayais de les retranscrire. Le dessin n'était pas ma principale préoccupation ; je m'intéressais surtout à la couleur. Mais une fois le tableau terminé, en le regardant une semaine ou un mois plus tard, je découvrais des éléments liés à ma vie à ce moment-là. Des relations, des souvenirs d'enfance ; tout cela était là, mais je n'en avais absolument pas conscience lorsque je peignais. J'étais simplement absorbée par la création.
Au bout d'un moment, j'ai commencé à attendre avec impatience ce moment, une semaine plus tard, où j'irais voir le tableau et où, soudain, il me montrait quelque chose de façon très explicite. Pour moi, c'était la confirmation de l'inconscient.

RW : Vous évoquez des souvenirs d’enfance. Sont-ils un aspect important de votre démarche artistique ?

RH : Eh bien, pour commencer, certains de mes souvenirs les plus marquants remontent à la première et à la deuxième année du primaire, à l’expérience de recevoir cette feuille de papier vierge et les crayons de couleur, et de réaliser que je pouvais créer un monde.
Avec le recul, je réalise que c'était un don précieux. Mais la vie a fait que j'ai perdu ce lien direct avec les arts visuels pendant un certain temps. J'ai beaucoup écrit, mais ce n'est qu'à l'université que j'ai repris les cours d'art, et là encore, j'ai ressenti une profonde connexion avec l'art. J'ai éprouvé cette excitation familière, cette sensation d'être au contact de quelque chose de véritablement vivant. Je crois que c'est ce qui pousse les artistes à poursuivre cette exploration.

RW : Vous peigniez au Nouveau-Mexique, où vous avez obtenu un BFA, puis vous êtes venu à San Francisco pour y décrocher une maîtrise en art à l’Université d’État de San Francisco. Mais ce n’est que bien des années plus tard qu’Indigo Animal est apparu pour la première fois. Pourrions-nous aborder directement l’apparition de ce personnage dans vos peintures ?

RH : Voici le premier tableau. [Il montre la photo.] À cette époque, je peignais souvent des paysages du quartier, mais j’y intégrais aussi d’autres éléments. Ici, cette figure animale est apparue dans le paysage. Je l’ai laissée s’y glisser. Voilà le premier.

RW : Et il y a aussi ce petit personnage au milieu du tableau. Pouvez-vous nous en dire un peu plus ?

RH : On dirait littéralement une silhouette fantomatique. Ce tableau me fait penser à un psychanalyste jungien que je lis en ce moment, Donald Kalsched. Voici un extrait de son livre, « Le Monde intérieur du traumatisme » : « Dans les rêves, la partie régressée de la personnalité est généralement représentée par un jeune enfant innocent et vulnérable, ou par un animal intérieur honteusement caché. Parfois, elle apparaît sous la forme d’un animal particulier. Quelle que soit son incarnation, ce vestige innocent du moi semble représenter le noyau de l’esprit personnel impérissable de l’individu, ce que les anciens Égyptiens appelaient l’âme Ba. »
Je comprends cela concernant Indigo Animal, car son émergence n'a pas été facile. C'était une petite figure si simple, mais la faire apparaître dans une peinture comme celle-ci représentait un certain risque. La figure devait rester cachée un certain temps. Quant à la petite silhouette, je me souviens que lorsque je l'ai peinte, elle était pleine d'énergie, et il y avait cette impression de pénétrer dans un espace inconnu, quelque chose d'exaltant. La figure animale semble onirique et totalement mystérieuse, tandis que cette petite silhouette a quelque chose de presque dangereux. Il y a donc cette séparation entre ces deux qualités dans cette peinture.
Un autre élément qui entre en jeu, c'est ce besoin de réussir et d'être reconnu. On peut devenir très critique envers soi-même pour ne pas avoir plus de succès. J'y étais certainement sujet, et à ce stade de ma peinture, j'étais quelque peu découragé.

RW : Pouvez-vous nous en dire plus sur le risque lié à l’apparition de la figure animale ?

RH : C’est difficile de décrire certaines de ces choses. Faire apparaître l’animal était amusant, mais j’essayais de retranscrire le contexte de mon manque de confiance de l’époque, concernant ce tableau, par exemple.

RW : Voici la deuxième apparition de cette figurine animale.

RH : Oui. Celle-ci est probablement venue quelques toiles après la première. Je me suis intéressée à cette créature, et c’est ainsi que j’ai réalisé ce tableau. Soudain, l’animal est très déterminé. On dirait qu’il veut vraiment émerger. Il possède un esprit fort et obstiné, ce qui était très significatif pour moi lorsque je l’ai peint.

RW : L’escalier est beaucoup plus net et la silhouette semble également plus déterminée à gravir ces marches.

RH : L’animal a aussi des yeux dans ce tableau, qui disparaissent ensuite. Il semble que les deux figures du tableau précédent se soient fondues en une seule image. C’est l’émergence complète de la créature, qui est devenue un élément essentiel de mon expression.

RW : Il y avait un autre tableau, aujourd’hui disparu, où l’animal faisait face à un portique à colonnes grecques, comme s’il s’apprêtait à y entrer. Je me souviens l’avoir beaucoup aimé, mais vous l’avez recouvert. Vous souvenez-vous de ce tableau ?

RH : Je me souviens que je me poussais à dépasser mes limites, et j’ai été déçue par moi-même. C’était une autre manifestation de mon extrême autocritique, alors j’ai préféré la masquer. Il y en a eu d’autres qui n’ont pas survécu non plus.

RW : Finalement, vous avez commencé à faire des dessins, ce qui a mené à la narration sous forme de bande dessinée. Pourriez-vous nous en parler ?

RH : C’est arrivé très vite. À l’époque, j’étais graphiste, mais ce n’était pas vraiment ce que je voulais faire. J’étais dans le bus, me préparant à une nouvelle journée de travail, quand des mots ont commencé à me venir à l’esprit. Une fois au bureau, je les ai notés du mieux que j’ai pu.
Puis, au cours des semaines suivantes, j'ai commencé à dessiner cette BD. J'étais immédiatement beaucoup plus captivée par l'association des mots aux images que par la simple réalisation de peintures. Je me sentais beaucoup plus libre et heureuse.

RW : C’est dans le bus que le nom « Indigo Animal » vous est venu à l’esprit ?

RH : Oui, ainsi que les premières idées de dessins et de textes. Cette première planche comportait sept dessins. Après quelques retouches, elle donnait : « Les sentiments d’Indigo sont confus, incompréhensibles, sans forme. Les pensées d’Indigo Animal, telles des éclats de lumière, illuminent brièvement son paysage intérieur inexploré, avant de disparaître à nouveau pour des raisons inexplicables. Indigo Animal poursuit sa route, s’efforçant de relier les mots aux images, mais le plus souvent sans y parvenir. »

RW : C'est comme un récit littéral du début du processus de révélation de l'inconscient.

RH : D'une certaine manière, ce moment est le plus précieux. La question est de savoir ce qui se passera ensuite. Oui, c'est un moment fort. C'était passionnant de voir émerger quelque chose d'inconnu. Quand j'ai commencé à travailler sur ce dessin animé, il m'a tellement captivé que l'avis des autres m'importait peu ; cela a libéré un esprit ludique dans mon travail.
Je crois que j'étais tellement critique envers moi-même que j'avais toujours été quelque peu inhibée dans mon expression artistique. Ce projet m'a vraiment libérée. Et puis, en tant que thérapeute, c'est un processus fascinant. Pour moi, l'arrivée d'Indigo Animal dans le monde et ses premiers pas dans les rues ont été un événement marquant.

RW : Un nouvel espace s'est ouvert, un espace intérieur.

RH : Oui. J’ai toujours ressenti une grande vitalité. Cela m’a permis de libérer cette part de moi qui avait toujours été la plus cachée. Le magazine [ The Secret Alameda *] m’a permis de la partager avec le monde et de commencer à recevoir des retours, ce qui a été essentiel à ce processus.

RW : Pourrions-nous voir quelques-uns des premiers dessins ? Je sais que vous en avez apporté des photos.

RH : Celui-ci est l’un des premiers. C’était vraiment amusant à faire. C’était comme donner vie à l’animal, et comme il était désormais intégré à une histoire, j’avais une excuse pour continuer à le dessiner. On le voit donc se promener dans le quartier, et on voit bien qu’il a l’air un peu mal à l’aise. Les arbres et les ombres sont aussi un peu inquiétants et menaçants.

Question : [public] L'animal a-t-il un sexe ?

RH : Eh bien, j’ai eu du mal avec ça. Dans les premières planches, Indigo était une fille. Puis j’ai commencé à apprécier l’idée que le genre d’Indigo Animal soit ambigu. J’ai essayé d’écrire de façon à ce que son genre ne soit pas évident. Je pense aussi que je suis influencée par d’autres personnes ; par exemple, si je parle à des hommes, je dis « il ». [rires]

Question : Ressentez-vous une affinité avec Chagall ? Je vous pose cette question en raison de la dissociation onirique qui se dégage de certaines de vos images.

RH : Je crois que ce que vous voyez est l’une des raisons pour lesquelles j’ai opté pour un format de dessin animé. Je me sentais totalement libre dans ce récit. C’était libérateur car, comme je l’ai dit, ce n’est pas aussi sérieux.
Permettez-moi de citer un autre passage. Sean McNiff, art-thérapeute, affirme dans son ouvrage *Art et Médecine* : « Le monde de l’art commercial est lié à un ensemble particulier de valeurs économiques, et nous commettons une erreur lorsque nous considérons ce contexte comme le domaine exclusif, ou le plus élevé, de l’art. »
Cela illustre un aspect qui m'a beaucoup freiné. La dimension marchande de l'art, l'art comme marchandise, influence fortement le parcours de nombreux artistes. Je pense que chaque artiste doit apprendre à exister en dehors de ce monde pour pouvoir continuer à créer.
Les artistes qui réussissent à percer dans ce milieu concurrentiel ont généralement un ego surdimensionné, mais beaucoup ont connu des épreuves ou des difficultés à leurs débuts. Ceux qui, comme moi, font partie de cette catégorie, doivent composer avec cette tendance à l'autocritique.
Cela peut donc être un vecteur de croissance, mais dans le contexte du monde de l'art, les gens peuvent être dissuadés et abandonner un processus qui peut pourtant s'avérer très bénéfique.

RW : Vous abordez là un point très important, mais peut-être devrions-nous revenir sur la façon dont Indigo Animal s’est développé.

RH : Oui. Voici donc Indigo Animal qui poursuit son chemin, et voici quelques autres images de la première planche. L’animal commence à se promener dans ce monde gris, et là, enfin, quelque chose se produit. [Montre un dessin d’Indigo percutant un arbre – le public rit]
À partir de là, il y avait un certain nombre de bandes dessinées qui montraient, je pense, une sorte de développement psychologique qui était en cours.
Il y a un autre aspect que je voulais aborder : la notion de mondes imaginaires. C’est un sujet sur lequel je n’ai pas encore de réponse définitive, et ce récit devient assurément pour moi une sorte de monde imaginaire. Je pense que beaucoup de gens possèdent différents types de mondes imaginaires, et cela met en lumière ce que j’essaie de comprendre concernant mon travail, et également concernant toute personne qui crée un monde imaginaire. À quel moment un tel monde nous coupe-t-il du monde extérieur ?
Les mondes imaginaires, en tant que processus intérieur, se situent à mi-chemin entre la dissociation et la rupture totale, et la reconstruction de soi par le biais d'un processus artistique. La dissociation est une expérience universelle, mais elle est beaucoup plus fréquente chez les personnes ayant subi un traumatisme.
Ainsi, en créant un monde imaginaire, vous donnez forme à votre monde intérieur et vous vous concentrez dessus d'une manière qui peut potentiellement vous éloigner de la dissociation, mais cela reste incertain. On ne peut pas affirmer avec certitude que ce soit une bonne chose. Il arrive que certaines personnes restent prisonnières de leurs mondes imaginaires.

RW : On pourrait peut-être avancer que la création artistique elle-même, cette implication dans un monde privé et personnel, est une forme de dissociation.

RH : Je pense que c’est une question très importante. J’aimerais lire une autre citation de Donald Kalsched. Il demande : « Par quel processus de développement normal le monde de l’expérience transpersonnelle et numineuse est-il lié, dans une relation dialectique, à la réalité mondaine, de sorte que la vie devienne véritablement significative, vitale et vivante ? »
Si l'on imagine l'artiste au travail dans son atelier, on peut dire qu'il ne se contente pas de vivre dans un monde imaginaire ; il s'inscrit aussi dans la réalité concrète. Il arrive souvent que sa création ne corresponde pas exactement à son univers imaginaire. C'est ainsi que l'artiste entre en contact avec le monde réel. Il doit exister un lien quelconque avec son œuvre.
Il semble que ce lien avec une relation dialectique – soi, l’autre – soit essentiel à la croissance. Cela peut se produire ainsi, ou si un patient partage ses rêves et travaille avec un thérapeute. Pour l’artiste, s’ajoutent tous les défis interpersonnels inhérents à la diffusion de son œuvre.
Il faut donc qu'une connexion se crée. Un approfondissement doit s'opérer, touchant le corps et les sensations, pour qu'une expérience d'ancrage puisse se produire. Alors seulement, la croissance peut avoir lieu. Mais comment cela se produit-il exactement ? Tout cela reste une question.

RW : Qu’en est-il de « l’expérience numineuse » dans votre citation, et également de la référence au « développement normal » ? Comment voyez-vous cela ?

RH : Eh bien, en termes d’expérience transpersonnelle et numineuse, je pense que les personnes qui créent des mondes imaginaires — domaine dans lequel je m’intéresse davantage — peuvent faire apparaître ces archétypes. Ils apparaissent dans les rêves ou dans les œuvres d’art.
La création artistique peut créer cet espace de jeu dont je parlais, et qui permet à ces éléments d'entrer en nous : des représentations de quelque chose de plus grand que mon ego, c'est-à-dire les aspects de moi-même que je connais. Elle apporte avec elle un sentiment de sens et de connexion à quelque chose qui nous dépasse. Cela n'a pas grand-chose à voir avec notre propre personnalité. C'est quelque chose de plus profond. C'est ce que j'entends par « expérience numineuse transpersonnelle ».
Quant au développement « normal », je ne suis pas certain de comprendre ce que Kalsched entend par là. Peut-être veut-il dire que les choses se développent normalement si elles sont liées à la réalité matérielle. Si l'on reste plongé dans un monde d'expériences transpersonnelles et numineuses sans jamais trouver le moyen de les intégrer, d'une manière ou d'une autre, à son existence quotidienne, cela risque de ne pas être bénéfique. Mais ce processus est plus mystérieux qu'on ne le pense.
Margaret Lowenfield, assistante sociale responsable d'un foyer pour orphelins de la Première Guerre mondiale, fut la première à étudier ce qui allait devenir la « thérapie par le sable ». On fournissait aux orphelins un bac à sable et toutes sortes de figurines : chevaux, vaches, maisons, clôtures, etc. Jour après jour, les enfants créaient des « mondes » dans le sable. Au début, ces mondes reflétaient leurs peurs et le chaos qu'ils avaient vécu. Mais sans autre intervention de Lowenfield, la plupart des enfants finirent par créer des univers plus ordonnés et apaisants, et recommencèrent à s'ouvrir à la vie.
Cependant, chez les personnes atteintes de pathologies graves, leur monde intérieur magique commence à développer des personnages effrayants. Il faut éviter que ce monde intérieur ne devienne si hermétique qu'il soit peuplé de démons. Jung a tenté d'exprimer cette idée à travers le terme alchimique de la conjonction mineure. Il s'agit d'une connexion qui s'établit, mais qui n'est pas une connexion à la réalité profane.

RW : Je ne suis pas sûr de comprendre.

RH : La conjonction mineure s’apparente davantage à un processus addictif où deux choses se connectent, mais d’une manière qui ne favorise pas la croissance. Elle n’a aucun ancrage dans la réalité physique.

RW : Une connexion obsessionnelle ? Quelque chose qui se développe en quelque sorte dans un cocon ?

RH : Je le crois. C’est pourquoi il est difficile d’aborder ces idées. Vous savez, le fait d’avoir des mondes imaginaires est parfois assimilé à une maladie mentale. Vous connaissez ce slogan : « Je fais tout ce que mes Rice Krispies me disent de faire » ? C’est pourquoi Jung parlait de la grande conjonction, qui représente ce qui peut réellement favoriser la croissance, et de la petite conjonction , où quelque chose ne parvient jamais à établir de lien avec la réalité.
C’est pourquoi, d’une certaine manière, le processus artistique recèle un tel potentiel. Il y a une différence fondamentale entre celui qui vit dans un monde imaginaire – non pas détaché de lui, mais le prenant pour réel – et celui qui s’empare de ce monde imaginaire, l’écrit, le peint, le fait sortir de son contexte et l’observe. Alors, un autre espace se révèle. C’est le début d’une conjonction plus vaste qui commence à se mettre en place.

RW : Eh bien, revenons à Indigo Animal qui, pour vous, a été un moyen d’établir certains de ces liens avec les mondes que vous décrivez — le monde extérieur ainsi qu’un monde intérieur plus vaste.

RH : Oui, et en gros, l’histoire d’Indigo Animal, c’est un peu comme passer d’un état de manque de confiance, d’une situation de faiblesses psychologiques, à une situation où ces faiblesses commencent à se combler.

RW : Pouvez-vous nous en dire plus à ce sujet, et nous expliquer comment le récit a évolué ?

RH : Eh bien, Indigo Animal regardait trop la télévision, mais il savait plus ou moins qu’il existait un monde extérieur. Indigo s’intéressait à la beauté, mais « Indigo n’avait pas de but ». [Il montre un dessin.]
Dans une des planches, la télévision est volée et Indigo traverse une longue période de dépression. Mais à un certain moment, Indigo vit un moment de kensho, l'instant où le générique de « Jeopardy » cesse enfin de tourner en boucle dans sa tête. [rires]
Depuis qu'Indigo n'a plus la télévision, elle se promène beaucoup plus et s'intéresse encore davantage aux statues de jardin, car il y en a beaucoup dans le quartier. Cela l'amène à lire et finalement à étudier les « lois antiques des proportions ».
Quoi qu'il en soit, au fil du récit, Indigo parvient à rassembler des ressources intérieures et entame lentement une transformation.

RW : Il y a un dessin que nous n’avons pas sous la main, mais en étudiant les anciennes lois des proportions, Indigo Animal a pris des mesures précises et a constaté que ses propres proportions correspondaient parfaitement à ces anciennes lois. [Rires du public]

RH : C'était une situation gagnant-gagnant.

RW : Peut-être y a-t-il un point que vous aimeriez aborder et qui n’a pas encore été évoqué.

RH : J’aimerais lire cette courte citation : « Comment le monde magique de l’enfance se perpétue-t-il à l’âge adulte ? » Peut-être n’avons-nous pas besoin d’y répondre. Peut-être pouvons-nous simplement la laisser en suspens.
Et j'aimerais vous montrer ces dernières images. Ici, Indigo Animal découvre l'Institut de recherche sur les statues de pelouse. [Il montre un dessin.] C'est là qu'Indigo se rend à la fin du premier livre.
Ensuite, d'autres personnages apparaissent. [Montrant des photos] Ces deux-là, je ne m'en étais pas rendu compte jusqu'à il y a quelques jours, sont un peu comme des figures parentales. Voici une marmotte, Dame Eleanor, et voici Orange Bearcat. Ce sont des êtres puissants dans ce nouveau monde où Indigo Animal arrive. Orange Bearcat est le directeur de l'Institut. Donc, c'est un travail en cours.

RW : On pourrait peut-être ouvrir la séance aux questions maintenant.

Question : Je suis thérapeute et artiste, et j'ai suivi une formation similaire à la vôtre. J'ai grandi avec l'idée que mon art trouverait sa place dans les galeries new-yorkaises et au MoMA. À trente ans, je savais déjà que ce ne serait pas le cas. Pourtant, les expériences les plus réparatrices de ma vie ont été liées à l'art ou à la méditation, et non à la psychothérapie. Tout au long de ma carrière, je me suis efforcée d'intégrer l'art au processus thérapeutique. Je perçois un parallèle entre ce qui est considéré comme important et « supérieur » dans le monde de l'art et ce qui l'est dans le monde de la thérapie. Dans le milieu de la psychologie, la psychanalyse est considérée comme « sérieuse », tandis qu'un diplôme en art-thérapie est perçu comme un peu farfelu, sauf peut-être dans le cadre d'un traitement médical. On retrouve donc les mêmes messages qui m'éloignent de ce que je sais profondément être guérisseur, des messages qui laissent entendre qu'il y a quelque chose de « répréhensible », tout comme il pourrait y avoir quelque chose de « répréhensible » dans votre magnifique tableau pour le monde de l'art contemporain. Je vois là un parallèle.

RH : C’est tellement utile, car ces choses sont très oppressantes et généralement inconscientes ; elles passent inaperçues. La façon dont les choses sont cloisonnées peut empêcher d’agir. Je pense que c’est une expérience qu’il faut vivre. Par exemple, cette intervention me permet de mieux comprendre quelles limitations inutiles sont imposées.

Question : Vous avez partagé une citation de Prinzhorn, artiste surréaliste : « Quand l’âme est déprimée, isolée, folle et désespérée, des images artistiques apparaissent. » Je pensais à la disparition de la télévision, à la dépression d’Indigo, au Vide, puis à l’illumination qui suit. Pensez-vous que la dépression soit inhérente à l’état créatif ?

RH : Je ne crois pas que ce soit toujours le cas. Cette citation m’a interpellée car une idée m’est venue soudainement dans ce bus, alors que je me sentais vraiment perdue. Mais on peut sans doute être trop déprimé. Je ne sais pas exactement ce qu’il faut pour vivre une telle expérience, mais il est certain que, d’une certaine manière, le surréalisme lui-même est né de l’immense souffrance de la Première Guerre mondiale.

Question : Ma femme est art-thérapeute et a vu des enfants sortir de la dépression en couchant leurs pensées sur le papier.

RW : Dans le monde de l’art, et plus particulièrement dans le milieu du grand art, l’idée que l’art puisse être thérapeutique – c’est-à-dire qu’il puisse avoir un lien thérapeutique avec l’artiste lui-même – ne me semble pas être une notion respectée. Je trouve cela regrettable car, dans l’histoire de l’humanité, autant que nous puissions en juger, l’une des principales fonctions de l’art a toujours été la guérison.

Question : Indigo est apparu dans un cadre très ordinaire, et pourtant il était très mystérieux. C’est ce qui fait son charme. Cela semble faire écho à ce que vous décriviez : quelque chose émergeait dans ce contexte où tout était trop conscient et chargé d’intentionnalité – le graphisme, par exemple.

RH : Absolument. C’est quelque chose qui ne rentre dans aucune catégorie. Et c’est toujours vrai, car je ne sais pas vraiment de quel genre d’animal il s’agit. →

*Huit numéros de The Secret Alameda ont été publiés entre 1991 et 1997. Les aventures d'Indigo Animal se poursuivent dans des œuvres et des conversations.