Tipps Von Künstlern Zur Überwindung Kreativer Blockaden

„Inspiration ist was für Amateure – wir anderen tauchen einfach auf und legen los“, spottete Chuck Close . „Ein Künstler mit Selbstachtung darf nicht die Hände in den Schoß legen, nur weil er keine Lust hat“, mahnte Tschaikowsky . „Immer wieder da sein, und irgendwann kommt die Muse auch von selbst“, drängte Isabel Allende . So richtig diese allgemeine Ansicht auch sein mag, sie ist nicht immer einfach oder alltagstauglich – die meisten Kreativen stecken hin und wieder fest oder erreichen zumindest ein mittelmäßiges Plateau . Was dann?

Vor nicht allzu langer Zeit versammelte Alex Cornell einige der gefeiertsten Künstler, Schriftsteller und Designer unserer Zeit und bat sie, ihre Strategien gegen kreative Blockaden zu teilen. Nun erscheint „Kreative Blockade: Ratschläge und Projekte von 50 erfolgreichen Künstlern“ ( öffentliche Bibliothek ) – ein aufwendig illustriertes Kompendium, das zwar im Ansatz ähnlich, in der Umsetzung aber doch recht unterschiedlich ist. Darin lädt Danielle Krysa , besser bekannt als „The Jealous Curator“ , Künstler aus aller Welt, die in verschiedenen Medien arbeiten, dazu ein, die Geheimnisse ihres Unbewussten zu lüften und die dunkelsten Seiten des kreativen Prozesses zu erforschen – von der Überwindung von Ideenstillstand bis hin zum Umgang mit Selbstkritik und Kritik von außen. Neben ihren allgemeinen Gedanken zu den Schattenseiten und dem Lohn der Kreativität bietet jeder Künstler auch eine konkrete Übung zur Überwindung von Blockaden an – ein „Projekt zur kreativen Blockade“ –, das Sie ausprobieren können, wenn Sie das nächste Mal feststecken.

Das Projekt ist aber vor allem deshalb bemerkenswert, weil die darin enthaltenen Reflexionen von bildenden Künstlern größtenteils auch auf andere kreative Bereiche anwendbar sind, vom Schreiben über das Unternehmertum bis hin zur Wissenschaft.

Ein wiederkehrendes Thema im Umgang mit kreativen Blockaden, das viele Künstler ansprechen, ist die Frage nach dem richtigen Gleichgewicht zwischen Freiheit und Einschränkung. Der Mixed-Media-Künstler Trey Speegle bringt es perfekt auf den Punkt: „Man muss sich klare Rahmenbedingungen setzen, innerhalb derer man arbeitet, und sich dann innerhalb dieser Grenzen gerade genug Freiraum für Kreativität und Experimentierfreude lassen.“

Der multidisziplinäre Künstler Aris Moore bemerkt: Wenn ich feststecke … suche ich einfach nach Anregung, aber nicht zu verbissen. Erst wenn ich merke, dass ich mehr spiele als versuche, finde ich einen Ausweg aus der Blockade.

Die Malerin Lisa Golightly fügt hinzu: Ich erlaube mir, einfach nur um des Schaffens willen zu malen, ohne an das Ergebnis zu denken, was überraschend schwierig sein kann. … Meinem jüngeren Ich würde ich Folgendes sagen: Es gibt keinen „richtigen“ Weg, Kunst zu machen. Der einzige Fehler ist, es nicht zu versuchen, es nicht zu tun. Baue keine unnötigen Barrieren auf – leg einfach los und erschaffe etwas.

Die wunderbare Lisa Congdon – mit der ich schon länger zusammenarbeite – bietet ein „Kreatives Blockade-Projekt“ an, um das Zusammenspiel von Struktur und Fantasie zu erkunden: Wähle etwas, das du gerne zeichnest oder malst (und beim Zeichnen oder Malen fühlst): ein Tier, einen Gegenstand, eine Person, was auch immer. Zeichne oder male dieses Motiv dreißig Tage lang dreißig Mal auf dreißig verschiedene Arten, jeden Tag anders. Du kannst verschiedene Medien, Ausdrucksformen, Posen, Farben usw. verwenden. Fordere dich jeden Tag heraus, etwas ganz anderes zu machen als am Tag zuvor, aber behalte das Motiv bei. Beobachte, wie die Konstanz eines Elements (in diesem Fall das Motiv, das du gerne zeichnest oder malst) dir neue kreative Wege eröffnet.

Viele Künstler betonen, wie wichtig es ist, eine Pause einzulegen, wenn man nicht weiterkommt – eine sinnvolle Strategie, angesichts der entscheidenden Rolle der unbewussten Verarbeitungsphase im kreativen Prozess. Der multidisziplinäre Künstler Ben Skinner bringt es auf den Punkt: „Ich weiß, dass erzwungenes Arbeiten nichts über Mittelmäßigkeit hinausbringt, also lege ich es beiseite und arbeite an einem anderen Projekt, bis mich die zündende Idee packt.“

Und dann gibt es noch den buddhistisch anmutenden Ansatz, die Blockade einfach geschehen zu lassen, anstatt krampfhaft dagegen anzukämpfen oder nach einer sofortigen Lösung zu streben. Die Illustratorin Ashley Goldberg reflektiert: „Bei einer größeren kreativen Blockade versuche ich, sie auszusitzen und sie einfach geschehen zu lassen. Ich zeichne zwar weiterhin, aber die meisten Arbeiten landen im Papierkorb, und das ist in Ordnung. Ich glaube, einigen meiner größten Kreativitätsschübe und künstlerischen Entwicklungsphasen ging meist eine große kreative Blockade voraus.“

Auf die Frage nach dem Gegensatz zwischen einer kreativen Blockade und ihrem Gegenteil beschreiben die meisten Künstler eine Variante dessen, was Psychologen „Flow“ nennen. Der Collage- und Mixed-Media-Künstler Anthony Zinonos beschreibt diesen optimalen Zustand so: „Ich habe absolute Klarheit, und mir sprudeln nur großartige Ideen im Kopf herum. Es ist wie ein kreativer Rausch; man fühlt sich unbesiegbar, und die Arbeit scheint nur so aus einem herauszusprudeln.“

Die Handlettering-Künstlerin Mary Kate McDevitt teilt eine ähnliche Erfahrung: Ich könnte ohne Kopfhörer arbeiten, jemand direkt neben mir, der versucht, meine Aufmerksamkeit zu erregen, und ich wäre völlig unempfindlich für alles andere als die Aufgabe, die gerade ansteht… Eine Minute ist es 20 Uhr, die nächste Minute habe ich mein Projekt beendet und es ist 3 Uhr morgens. Das ist ziemlich magisch.

Die Illustratorin Ashley Percival stimmt dem zu: Ich möchte nicht, dass der Tag endet, denn ich muss für immer kreativ sein! Manchmal vergesse ich zu essen, dann merke ich, dass ich von meinem Schreibtisch aufstehen muss – also mache ich mir um zwei Uhr nachmittags Frühstück.

Dieser Zustand des „Flows“ ist jedoch nicht dasselbe wie die mythische göttliche Inspiration. Die Illustratorin Sydney Pink bringt es perfekt auf den Punkt: Die Vorstellung von göttlicher Inspiration und einem Aha-Erlebnis ist größtenteils eine Fantasie. Alles Wertvolle entsteht durch harte Arbeit und unerschütterliche Hingabe. Wer ein guter Künstler werden will, muss sich andere Künstler ansehen, viel mittelmäßige Kunst schaffen und einfach immer weiterarbeiten.

Doch der wirkungsvollste Aspekt befasst sich mit der dunkelsten Seite des kreativen Lebens – der Kritik. Manche Künstler, wie die Malerin Amanda Happé , ignorieren die Nörgler und konzentrieren sich stattdessen darauf, ihre eigene Seele zu befriedigen: „Das ist eines der Schönsten daran – es ist einem egal. Niemand hat das Recht, seine Meinung zu äußern und damit Recht zu behalten. Niemand kann einem den Stift aus der Hand reißen. Man kann ungeachtet aller Widrigkeiten weitermachen.“

Ashley Percival bringt es noch einfacher auf den Punkt: Man kann es nicht allen recht machen – es wird immer Menschen geben, die Kunst mögen und solche, die sie nicht mögen – Hauptsache ist, dass man als Künstler mit seiner Arbeit zufrieden ist.

Die Keramikkünstlerin Mel Robson liefert eine der weisesten Betrachtungen zu diesem Thema: „Ich denke, es ist wichtig, sich vor Augen zu halten, dass Kunstschaffen ein Prozess ist. Er ist nie abgeschlossen. Die Arbeit selbst ist ein Prozess des Erkundens und Experimentierens. Es geht um Hinterfragen und Untersuchen. Jedes Werk, das man erschafft, ist Teil eines Kontinuums, und man entwickelt sich ständig weiter. Man macht nicht immer alles richtig, aber ich finde, dass man, wenn man alles als fortlaufenden Prozess betrachtet, das Gute wie das Schlechte akzeptieren kann. Man kann es nie allen recht machen. Nimm aus Kritik mit, was du kannst, und lass den Rest los. Konstruktive Kritik begrüße ich und halte es für wichtig, Menschen zu haben, mit denen man über seine Arbeit sprechen kann und die einem ehrliches und konstruktives Feedback geben. Es ist nicht immer das, was man hören will, aber oft ist es genau das, was man braucht. Es kann sehr konfrontativ sein, aber sehr nützlich.“

Das führt uns zur entscheidendsten Frage: Wie kann man die eigene Arbeit, ob gelobt oder kritisiert, vom eigenen Selbstwertgefühl entkoppeln? Die Collage- und Mixed-Media-Künstlerin Hollie Chastain reflektiert: „Ich denke, als Künstlerin ist es aufgrund der Natur der Arbeit sehr leicht, [Selbstwert mit künstlerischem Erfolg gleichzusetzen]. Wenn man Kunst als Job betrachtet, ist das Ergebnis so viel mehr als nur investierte Stunden. Das Ergebnis ist ein Teil von einem selbst, und wenn die Resonanz nicht optimal ist, kann sich das natürlich wie ein direkter Schlag gegen die eigene Persönlichkeit anfühlen. Ich glaube, das ist mir besonders in jungen Jahren passiert, als ich noch meinen Weg suchte. Ich habe an meiner Richtung gezweifelt, wenn ein Betrachter nicht begeistert war. Der Trick für mich ist nicht, die Distanz zwischen meiner Arbeit und mir zu vergrößern, sondern diese Kluft vollständig zu überbrücken. Ich erkenne mich in meiner Kunst wieder, und das stärkt mein Selbstvertrauen.“

Die Illustratorin Julia Rothman – die uns die unermesslich wunderbaren Werke „The Where, the Why, and the How: 75 Artists Illustrate Wondrous Mysteries of Science“ und „Drawn In: A Peek into the Inspiring Sketchbooks of 44 Fine Artists, Illustrators, Graphic Designers, and Cartoonists“ geschenkt hat – bringt dieses Gefühl auf seinen nackten, verletzlichsten Kern zurück: Wenn man so viel von sich selbst und seiner Zeit in etwas investiert, ist es schwer, es von dem zu trennen, wer man ist.

Die Stick- und Textilkünstlerin Emily Barletta erinnert uns daran, dass seelische Zufriedenheit voraussetzt, dass wir unseren Erfolg selbst definieren : „Ich mache Kunst, weil mich der Prozess des Kunstschaffens glücklich macht. Erfolg damit zu haben und es zur persönlichen Erfüllung zu tun, sind zwei verschiedene Dinge.“