Consejos De Artistas Sobre cómo Superar El Bloqueo Creativo

«La inspiración es para aficionados; el resto simplemente nos presentamos y nos ponemos a trabajar», se burló Chuck Close . «Un artista que se precie no debe cruzarse de brazos con el pretexto de que no está de humor», advirtió Chaikovski . «Preséntate, preséntate, preséntate, y al cabo de un rato la musa también aparecerá», instó Isabel Allende . Pero por muy cierto que sea este sentimiento general, no siempre es una verdad fácil ni viable: la mayoría de las personas creativas se estancan de vez en cuando, o al menos llegan a un punto de mediocridad . ¿Y entonces qué?

No hace mucho, Alex Cornell reunió a algunos de los artistas, escritores y diseñadores más célebres de nuestro tiempo y les pidió que compartieran sus estrategias para superar el bloqueo creativo . Ahora llega Creative Block: Advice and Projects from 50 Successful Artists ( biblioteca pública ), un compendio profusamente ilustrado, a la vez muy similar en espíritu y suficientemente diferente en ejecución, en el que Danielle Krysa , más conocida como The Jealous Curator , invita a artistas de todo el mundo que trabajan en diversos medios a abrir la bóveda de su inconsciente y explorar los aspectos más oscuros del proceso creativo, desde superar el estancamiento de ideas hasta lidiar con la autocrítica y los detractores externos. Además de compartir sus reflexiones más amplias sobre los demonios y las recompensas de la creatividad, cada artista también ofrece un ejercicio específico para superar el bloqueo —un «Proyecto de Desbloqueo Creativo»— para probar la próxima vez que te sientas bloqueado.

Pero lo que hace que el proyecto sea particularmente destacable es que, si bien incluye reflexiones de artistas visuales, la mayoría de sus ideas se aplican con la misma utilidad a otras actividades creativas, desde la escritura y el emprendimiento hasta la ciencia.

Uno de los temas recurrentes al lidiar con el bloqueo creativo, que varios artistas mencionan, tiene que ver con dominar el equilibrio adecuado entre libertad y restricción. El artista de técnicas mixtas Trey Speegle lo expresa a la perfección : «Tienes que establecer los parámetros estrictos dentro de los cuales trabajas y, dentro de ellos, darte el espacio suficiente para ser libre y jugar».

El artista multidisciplinar Aris Moore comenta: Cuando me bloqueo… simplemente busco algo que me motive, pero sin esforzarme demasiado. Es cuando juego más que cuando me esfuerzo que cuando logro superar el bloqueo.

La pintora Lisa Golightly añade: Me permito crear por el simple placer de crear, sin pensar en el resultado, lo cual puede ser sorprendentemente difícil. … Lo que le diría a mi yo más joven es esto: No hay una forma “correcta” de hacer arte. Lo único que está mal es no intentarlo, no hacerlo. No te pongas barreras que no existen; simplemente ponte a trabajar y crea algo.

La maravillosa Lisa Congdon —con quien he colaborado durante algún tiempo— propone un «Proyecto para desbloquear la creatividad» que explora la interacción entre la estructura y el juego imaginativo: elige algo que te guste dibujar o pintar (y con lo que te sientas cómodo): un animal, un objeto, una persona, lo que sea. Durante treinta días, dibuja o pinta esa cosa de treinta maneras diferentes, una manera distinta cada día. Puedes usar diferentes técnicas, expresiones, posiciones, colores, lo que quieras. Cada día, esfuérzate por hacer algo muy diferente al día anterior, pero mantén el mismo tema. Observa cómo mantener un elemento constante (en este caso, la «cosa» que te gusta dibujar o pintar) puede permitirte liberar tu creatividad de otras maneras.

Muchos artistas también destacan la importancia de alejarse del trabajo cuando se sienten bloqueados, una estrategia lógica, dada la importancia crucial de la etapa de procesamiento inconsciente en el proceso creativo. El artista multidisciplinar Ben Skinner lo resume así: «Sé que forzar algo no va a dar como resultado nada más allá de la mediocridad, así que me aparto y trabajo en otro proyecto hasta que me llega la inspiración».

Y luego está el enfoque budista de simplemente dejar que el bloqueo ocurra en lugar de resistirse con vehemencia o buscar una solución inmediata. La ilustradora Ashley Goldberg reflexiona: Si se trata de un bloqueo creativo importante, intento sobrellevarlo y simplemente dejar que suceda. Seguiré dibujando, pero la mayoría de las piezas terminarán en la basura, y no pasa nada. Creo que algunos de los mayores estallidos de creatividad y crecimiento artístico que he tenido suelen estar precedidos por un gran bloqueo creativo.

Cuando se les pide que contrasten el bloqueo creativo con su opuesto, la mayoría de los artistas describen alguna versión de lo que los psicólogos llaman "estado de flujo" . El artista de collage y técnicas mixtas Anthony Zinonos describe ese estado óptimo: Tengo total claridad y solo me surgen ideas geniales. Es como estar en un éxtasis creativo; te sientes en la cima del mundo y el trabajo parece fluir sin parar.

La artista de caligrafía Mary Kate McDevitt comparte una experiencia similar: Podría estar trabajando sin auriculares, con alguien justo al lado intentando llamar mi atención, y estoy completamente ajena a todo lo demás que no sea la tarea que tengo entre manos... Un minuto son las 8 de la noche, al siguiente he terminado mi proyecto y son las 3 de la mañana. Eso es bastante mágico.

La ilustradora Ashley Percival coincide: ¡No quiero que termine el día, porque necesito ser creativa para siempre! A veces se me olvida comer, y entonces me doy cuenta de que tengo que levantarme del escritorio, así que me preparo el desayuno a las dos de la tarde.

Sin embargo, este estado de «fluidez» no es lo mismo que la mítica inspiración divina. La ilustradora Sydney Pink lo capta a la perfección: la idea de la inspiración divina y el momento de revelación es, en gran medida, una fantasía. Todo lo valioso proviene del trabajo duro y la dedicación inquebrantable. Si quieres ser un buen artista, necesitas observar a otros artistas, crear mucho arte mediocre y, simplemente, seguir trabajando.

Pero la parte más poderosa aborda el lado más oscuro de la vida creativa: la crítica. Algunos artistas, como la pintora Amanda Happé , hacen caso omiso de los detractores y se centran en satisfacer su propia alma: «Es una de las cosas más hermosas de esto: no tienes que preocuparte. Nadie puede imponer su opinión. Nadie puede arrebatarte el lápiz de la mano. Puedes seguir adelante con absoluta rebeldía».

Ashley Percival lo expresa de forma aún más sencilla: no se puede complacer a todo el mundo; a la gente le gustará y a otros no; lo principal es que tú, como artista, estés contento con tu trabajo.

El artista de cerámica Mel Robson ofrece una de las reflexiones más sabias sobre el tema: Creo que es importante recordar que hacer arte es un proceso. Nunca está terminado. La actividad en sí misma es un proceso de exploración y experimentación. Es un proceso de cuestionamiento y análisis. Cada cosa que creas es parte de un continuo, y siempre estás en desarrollo. No siempre lo haces bien, pero creo que abordar todo como un trabajo en progreso te permite aceptar tanto lo bueno como lo malo. Nunca vas a complacer a todo el mundo. Toma lo que puedas de la crítica y deja ir el resto. Cuando se trata de críticas constructivas, las agradezco y creo que es importante tener personas con quienes puedas discutir tu trabajo y que te den una retroalimentación honesta y constructiva. No siempre es lo que quieres oír, pero a menudo es exactamente lo que necesitas. Puede ser muy confrontativo, pero muy útil.

Esto nos lleva a la pregunta más conmovedora: ¿Cómo desvincular el propio trabajo, ya sea elogiado o criticado, de la autoestima? La artista de collage y técnicas mixtas Hollie Chastain reflexiona: Creo que, como artista, es muy fácil [equiparar la autoestima con el éxito artístico] debido a la naturaleza del trabajo. Si piensas en el arte como un trabajo, entonces tu producto es mucho más que las horas invertidas. El producto es una parte de ti mismo, así que, por supuesto, si la recepción no es la mejor, puede sentirse como un golpe directo a quién eres como persona. Creo que esto sucedía mucho más cuando era más joven y aún estaba buscando mi camino. Dudaba de mi dirección cuando un espectador no estaba entusiasmado. El truco para mí no es poner más distancia entre mi trabajo y yo, sino cerrar esa brecha por completo. Puedo verme reflejada en el arte que creo, y eso construye un muro de confianza.

La ilustradora Julia Rothman , autora de los maravillosos libros The Where, the Why, and the How: 75 Artists Illustrate Wondrous Mysteries of Science y Drawn In: A Peek into the Inspiring Sketchbooks of 44 Fine Artists, Illustrators, Graphic Designers, and Cartoonists , reduce este sentimiento a su esencia más pura y vulnerable: cuando uno invierte tanto de sí mismo y de su tiempo en algo, es difícil separarlo de quien uno es.

La artista textil y del bordado Emily Barletta nos recuerda que la satisfacción personal requiere definir nuestro propio éxito : «Hago arte porque el proceso de crearlo me hace feliz. Tener éxito con él y hacerlo para la realización personal son ideas distintas».