Советы художников о том, как преодолеть творческий кризис

«Вдохновение — для любителей, а все остальные просто приходят и начинают работать», — насмешливо заметил Чак Клоуз . «Уважающий себя художник не должен сидеть сложа руки под предлогом отсутствия настроения», — предостерегал Чайковский . «Приходите, приходите, приходите, и через некоторое время муза тоже придет», — призывала Исабель Альенде . Но, как бы ни было верно это общее утверждение, это не всегда простая или приемлемая истина — большинство творческих людей время от времени застревают на месте или, по крайней мере, достигают «нормального» уровня . Что же тогда?

Не так давно Алекс Корнелл собрал самых известных художников, писателей и дизайнеров нашего времени и попросил их поделиться стратегиями преодоления творческого кризиса . Теперь выходит книга «Творческий кризис: советы и проекты от 50 успешных художников » ( доступна в публичной библиотеке ) — богато иллюстрированный сборник, одновременно очень похожий по духу и достаточно отличающийся по исполнению, в котором Даниэль Крыса , более известная как «Завистливый куратор» , просит художников со всего мира, работающих в различных медиа, открыть хранилище своего подсознания и исследовать самые темные стороны творческого процесса, от преодоления застоя идей до борьбы как с самокритикой, так и с внешними скептиками. Помимо общих размышлений о демонах и наградах творчества, каждый художник также предлагает одно конкретное упражнение по преодолению творческого кризиса — «Проект по преодолению творческого блока» — которое можно попробовать в следующий раз, когда вы почувствуете себя в тупике.

Но что делает этот проект особенно примечательным, так это то, что, хотя в нем представлены размышления художников, большинство их идей в равной степени применимы и к другим творческим начинаниям, от писательства и предпринимательства до, даже, науки.

Одна из повторяющихся тем в работе с творческим кризисом, которую затрагивают многие художники, связана с поиском правильного баланса между свободой и ограничениями. Художник, работающий в смешанной технике, Трей Спигл прекрасно это сформулировал : «Вы должны установить узкие рамки, в которых будете работать, а затем в их рамках оставить себе достаточно места, чтобы быть свободным и играть».

Мультидисциплинарный художник Арис Мур отмечает: «Когда я захожу в тупик… я просто ищу острых ощущений, но не слишком усердно. Именно когда я начинаю больше играть, чем пытаться, я нахожу выход из тупика».

Художница Лиза Голайтли добавляет: «Я позволяю себе просто творить ради самого процесса творчества, не задумываясь о результате, что, как ни странно, бывает очень сложно… Вот что я бы сказала себе в молодости: нет «правильного» способа создавать искусство. Единственная ошибка — это не пытаться, не делать. Не ставьте барьеры там, где их нет — просто приступайте к работе и что-нибудь создавайте».

Замечательная Лиза Конгдон , с которой я сотрудничаю уже некоторое время, предлагает «Проект творческого освобождения», чтобы исследовать взаимодействие между структурой и игрой воображения: выберите что-то одно, что вы любите рисовать или писать красками (и в чем вам уже комфортно): животное, предмет, человек, что угодно. В течение тридцати дней рисуйте или пишите эту вещь тридцатью разными способами, каждый день по-новому. Вы можете использовать разные материалы, выражения, позы, цвета, что угодно. Каждый день заставляйте себя делать что-то совершенно отличное от предыдущего дня, но сохраняйте тему неизменной. Посмотрите, как сохранение одного элемента неизменным (в данном случае, «вещь», которую вы любите рисовать или писать красками) может позволить вам творчески проявиться другими способами.

Многие художники также подчеркивают важность отстранения от работы, когда чувствуют, что зашли в тупик — стратегия, которая имеет смысл, учитывая, насколько важна стадия бессознательной обработки в творческом процессе. Мультидисциплинарный художник Бен Скиннер это хорошо иллюстрирует: «Я знаю, что форсирование событий не приведет ни к чему, кроме посредственности, поэтому я отхожу в сторону и работаю над другим проектом, пока меня не осенит».

А ещё есть подход, похожий на буддийский, — просто позволить творческому кризису произойти, вместо того чтобы лихорадочно сопротивляться ему или гнаться за немедленным решением. Иллюстратор Эшли Голдберг размышляет: «Если это большой творческий кризис, я стараюсь пережить его и просто позволить ему произойти. Я всё равно буду рисовать, но большинство работ в итоге окажутся в мусорном ведре, и это нормально. Думаю, что некоторым из самых больших всплесков творчества и художественного роста мне обычно предшествовал большой творческий кризис».

Когда художников просят сравнить состояние творческого кризиса с его противоположностью, большинство описывают то, что психологи называют «потоком» . Художник-коллажист и мастер смешанных техник Энтони Зинонос описывает это оптимальное состояние так: «У меня полная ясность ума, и в голове возникают только замечательные идеи. Это как быть на пике творческого подъема; ты на вершине мира, и работа, кажется, просто льется из тебя».

Художница-каллиграф Мэри Кейт Макдевитт делится похожим опытом: «Я могу работать без наушников, когда кто-то рядом пытается привлечь мое внимание, и я совершенно не замечаю ничего, кроме выполняемой задачи… В одну минуту 8 вечера, в следующую минуту я закончила свой проект, и уже 3 часа ночи. Это просто волшебно».

Иллюстратор Эшли Персиваль вторит: «Я не хочу, чтобы день заканчивался, потому что мне нужно быть творческой всегда! Иногда я забываю поесть, а потом понимаю, что нужно встать из-за стола — поэтому я готовлю завтрак в два часа дня».

И все же это состояние «потока» — не то же самое, что мифическое божественное вдохновение. Иллюстратор Сидни Пинк прекрасно это передает: идея божественного вдохновения и момента озарения — это в значительной степени фантазия. Все ценное рождается благодаря упорному труду и непоколебимой преданности делу. Если вы хотите стать хорошим художником, вам нужно смотреть на других художников, создавать много плохих работ и просто продолжать работать.

Но самая сильная часть связана с самой темной стороной творческой жизни — критикой. Некоторые художники, как, например, художница Аманда Хаппе , игнорируют критику и сосредотачиваются на удовлетворении собственных потребностей: «Это одна из самых прекрасных сторон этого занятия — тебе не нужно ни о чем беспокоиться. Никто не имеет права высказывать свое мнение и добиваться своего. Никто не может вырвать карандаш из твоих рук. Ты можешь продолжать двигаться вперед, бросая вызов».

Эшли Персиваль объясняет это еще проще: невозможно угодить всем — у людей будут произведения искусства, которые им нравятся, и те, которые им не нравятся, — главное, чтобы вы как художник были довольны своей работой.

Художник-керамист Мел Робсон предлагает одно из самых мудрых размышлений на эту тему: «Я думаю, важно помнить, что создание искусства — это процесс. Он никогда не заканчивается. Само занятие — это процесс, исследование и экспериментирование. Это процесс задавания вопросов и изучения. Каждая созданная вами вещь — часть континуума, и вы постоянно развиваетесь. У вас не всегда всё получается идеально, но я считаю, что подход ко всему как к незавершенной работе позволяет принимать как хорошее, так и плохое. Вы никогда не угодите всем. Берите то, что можете из критики, и отпускайте остальное. Что касается конструктивной критики, я приветствую её и считаю важным иметь людей, с которыми можно обсудить свою работу и которые дадут честную и конструктивную обратную связь. Это не всегда то, что вы хотите услышать, но часто это именно то, что нужно. Это может быть очень неприятно, но очень полезно».

Это подводит нас к самому острому вопросу: как освободить свою работу, независимо от того, хвалят её или критикуют, от собственного чувства собственного достоинства. Художница, работающая в технике коллажа и смешанных медиа, Холли Частейн размышляет: «Я думаю, что художнику очень легко [приравнивать чувство собственного достоинства к художественному успеху] из-за самой природы своей работы. Если вы воспринимаете искусство как работу, то ваш продукт — это гораздо больше, чем просто потраченные часы. Продукт — это часть вас самих, поэтому, конечно, если реакция не самая лучшая, это может восприниматься как прямой удар по вашей личности. Думаю, это происходило гораздо чаще, когда я была моложе и ещё искала свой путь. Я сомневалась в правильности выбранного пути, когда зритель не был в восторге. Для меня секрет не в том, чтобы ещё больше отдалиться от своей работы, а в том, чтобы полностью закрыть этот разрыв. Я вижу себя в искусстве, которое создаю, и это возводит стену уверенности».

Иллюстратор Джулия Ротман , подарившая нам невероятно замечательные книги «Где, почему и как: 75 художников иллюстрируют удивительные тайны науки» и «Нарисовано: взгляд на вдохновляющие альбомы эскизов 44 художников, иллюстраторов, графических дизайнеров и карикатуристов », сводит эту мысль к ее самой сокровенной, уязвимой сути: когда ты вкладываешь так много себя и своего времени во что-то, трудно отделить это от того, кто ты есть.

Художница по вышивке и текстилю Эмили Барлетта напоминает нам, что для обретения душевного удовлетворения необходимо определять собственный успех : «Я создаю искусство, потому что сам процесс создания искусства приносит мне счастье. Достичь успеха в этом деле и заниматься им ради личного удовлетворения — это разные понятия».