Conseils d'artistes Pour Surmonter Le Syndrome De La Page Blanche

« L’inspiration, c’est pour les amateurs ; nous autres, on se pointe et on se met au travail », raillait Chuck Close . « Un artiste qui se respecte ne doit pas se dégonfler sous prétexte de manque d’inspiration », avertissait Tchaïkovski . « Il faut persévérer, persévérer, persévérer, et au bout d’un moment, la muse finira par arriver », encourageait Isabel Allende . Mais si ce sentiment général est souvent vrai, il n’est pas toujours facile à appliquer ni même réaliste : la plupart des créatifs connaissent des périodes de blocage, ou du moins atteignent un plateau . Que faire alors ?

Il y a peu, Alex Cornell a réuni certains des artistes, écrivains et designers les plus renommés de notre époque et leur a demandé de partager leurs stratégies pour surmonter le syndrome de la page blanche . Voici maintenant « Creative Block : Advice and Projects from 50 Successful Artists » ( disponible en bibliothèque publique ) – un recueil richement illustré, à la fois très proche dans l’esprit et suffisamment différent dans sa réalisation. Danielle Krysa , plus connue sous le nom de The Jealous Curator , y invite des artistes du monde entier, travaillant dans divers médias, à explorer les profondeurs de leur inconscient et les aspects les plus sombres du processus créatif, de la lutte contre la stagnation des idées à la gestion de l’autocritique et des critiques extérieures. Outre leurs réflexions sur les difficultés et les bienfaits de la créativité, chaque artiste propose un exercice concret pour débloquer la créativité – un « Projet de déblocage créatif » – à essayer lors de votre prochaine panne d’inspiration.

Mais ce qui rend ce projet particulièrement remarquable, c'est que, bien qu'il présente des réflexions d'artistes visuels, la plupart de leurs idées s'appliquent tout aussi utilement à d'autres activités créatives, de l'écriture à l'entrepreneuriat, voire même aux sciences.

Un thème récurrent dans la gestion du blocage créatif, évoqué par plusieurs artistes, concerne la recherche du juste équilibre entre liberté et contrainte. L'artiste multimédia Trey Speegle l'exprime parfaitement : « Il faut définir des paramètres précis dans lesquels on travaille, puis, à l'intérieur de ceux-ci, se ménager suffisamment de liberté pour expérimenter. »

L’artiste multidisciplinaire Aris Moore observe : « Quand je suis bloqué… je cherche simplement à me divertir, mais sans trop forcer. C’est en jouant plus qu’en essayant que je trouve la solution. »

La peintre Lisa Golightly ajoute : Je m’autorise à créer simplement pour le plaisir de créer, sans me soucier du résultat, ce qui peut être étonnamment difficile… Ce que je dirais à la jeune fille que j’étais : il n’y a pas de « bonne » façon de faire de l’art. La seule erreur, c’est de ne pas essayer, de ne rien faire. Ne te mets pas de barrières inutiles ; mets-toi au travail et crée quelque chose.

La formidable Lisa Congdon , avec qui je collabore depuis un certain temps, propose un « Projet de Déblocage Créatif » pour explorer l'interaction entre structure et jeu imaginatif : choisissez un sujet que vous aimez dessiner ou peindre (et avec lequel vous vous sentez déjà à l'aise) : un animal, un objet, une personne, peu importe. Pendant trente jours, dessinez ou peignez ce sujet de trente manières différentes, une manière différente chaque jour. Vous pouvez utiliser différents médiums, expressions, positions, couleurs, etc. Chaque jour, efforcez-vous de faire quelque chose de très différent de la veille, tout en conservant le même sujet. Observez comment le fait de garder un élément constant (dans ce cas, le sujet que vous aimez dessiner ou peindre) peut vous permettre de laisser libre cours à votre créativité.

De nombreux artistes insistent sur l'importance de prendre du recul par rapport à leur travail lorsqu'ils se sentent bloqués – une stratégie judicieuse, étant donné le rôle crucial de la phase de traitement inconscient dans le processus créatif. L'artiste multidisciplinaire Ben Skinner l'exprime ainsi : « Je sais que forcer les choses ne donnera rien de plus que médiocre, alors je me mets de côté et je travaille sur un autre projet jusqu'à ce que l'inspiration me vienne. »

Il y a aussi cette approche, presque bouddhiste, qui consiste à laisser le blocage se manifester plutôt que de lutter avec acharnement contre lui ou de chercher une solution immédiate. L'illustratrice Ashley Goldberg confie : « Face à un blocage créatif important, j'essaie de le traverser et de le laisser faire. Je continue à dessiner, mais la plupart de mes dessins finissent à la poubelle, et ce n'est pas grave. Je pense que mes plus grandes périodes de créativité et de développement artistique sont généralement précédées d'un blocage créatif majeur. »

Lorsqu'on leur demande de comparer le blocage créatif à son contraire, la plupart des artistes décrivent une forme ou une autre de ce que les psychologues appellent « l'état de flow » . Anthony Zinonos, artiste spécialisé dans le collage et les techniques mixtes, décrit cet état optimal : « J'ai une clarté totale et seules de superbes idées me viennent à l'esprit. C'est comme être en pleine euphorie créative ; on se sent invincible et le travail semble jaillir de soi. »

L'artiste de lettrage à la main Mary Kate McDevitt partage une expérience similaire : Je peux travailler sans écouteurs, avec quelqu'un juste à côté de moi qui essaie d'attirer mon attention, et je suis complètement absorbée par ma tâche… Une minute, il est 20 heures, la minute suivante, j'ai terminé mon projet et il est 3 heures du matin. C'est assez magique.

L'illustratrice Ashley Percival renchérit : « Je ne veux pas que la journée se termine, car j'ai besoin d'être créative sans cesse ! Parfois, j'oublie de manger, puis je réalise que je dois quitter mon bureau ; alors je prépare mon petit-déjeuner à 14 h. »

Pourtant, cet état de « flux » est bien différent de l'inspiration divine mythique. L'illustratrice Sydney Pink l'exprime parfaitement : l'idée d'inspiration divine et de révélation soudaine relève en grande partie du fantasme. Tout ce qui a de la valeur est le fruit d'un travail acharné et d'un dévouement sans faille. Si vous voulez devenir un bon artiste, vous devez observer le travail d'autres artistes, produire beaucoup d'œuvres médiocres, et persévérer.

Mais la partie la plus marquante aborde le côté le plus sombre de la vie créative : la critique. Certains artistes, comme la peintre Amanda Happé , font la sourde oreille aux détracteurs et se concentrent plutôt sur l’épanouissement de leur propre âme : c’est l’un des plus beaux aspects de ce métier — on n’a pas à s’en soucier. Personne ne peut imposer son point de vue. Personne ne peut vous arracher le crayon des mains. Vous pouvez continuer à créer en toute liberté.

Ashley Percival le formule encore plus simplement : on ne peut pas plaire à tout le monde — il y aura toujours des œuvres d'art que certains aiment et d'autres qu'ils n'aiment pas — l'essentiel, c'est que vous, en tant qu'artiste, soyez satisfait de votre travail.

L'artiste céramiste Mel Robson nous offre une réflexion des plus pertinentes sur le sujet : « Je pense qu'il est important de se rappeler que la création artistique est un processus. Elle n'est jamais achevée. L'activité artistique elle-même est un processus d'exploration et d'expérimentation. C'est un exercice de questionnement et d'examen. Chaque œuvre que l'on crée s'inscrit dans un continuum, et l'on est en constante évolution. On ne réussit pas toujours du premier coup, mais je trouve qu'aborder chaque chose comme une œuvre en devenir permet d'accepter le bon comme le moins bon. On ne peut jamais plaire à tout le monde. Il faut tirer profit des critiques et laisser tomber le reste. En ce qui concerne les critiques constructives, je les accueille favorablement et je pense qu'il est important d'avoir des personnes avec qui discuter de son travail et qui vous donneront un retour honnête et constructif. Ce n'est pas toujours ce que l'on a envie d'entendre, mais c'est souvent exactement ce dont on a besoin. Cela peut être très déstabilisant, mais très utile. »

Ceci nous amène à la question la plus poignante : comment dissocier son travail, qu’il soit loué ou critiqué, de son estime de soi ? Hollie Chastain, artiste de collage et de techniques mixtes, confie : « Je pense qu’en tant qu’artiste, il est très facile de [confondre estime de soi et succès artistique] de par la nature même de l’œuvre. Si l’on considère l’art comme un métier, alors le résultat est bien plus que de simples heures investies. Le résultat est une part de soi-même, et bien sûr, si l’accueil n’est pas favorable, cela peut être vécu comme une atteinte directe à son identité. Je crois que cela m’arrivait beaucoup plus souvent quand j’étais plus jeune et que je cherchais encore ma voie. Je doutais de ma direction artistique lorsqu’un spectateur n’était pas conquis. Mon secret, pour moi, n’est pas de prendre de la distance entre mon travail et moi, mais de la combler complètement. Je me reconnais dans l’art que je crée, et cela forge un rempart de confiance. »

L'illustratrice Julia Rothman — à qui l'on doit les ouvrages merveilleusement incommensurables *The Where, the Why, and the How: 75 Artists Illustrate Wondrous Mysteries of Science* et *Drawn In: A Peek into the Inspiring Sketchbooks of 44 Fine Artists, Illustrators, Graphic Designers, and Cartoonists * — réduit ce sentiment à son essence la plus brute et la plus vulnérable : lorsqu'on s'investit autant, en temps et en énergie, dans quelque chose, il est difficile de le dissocier de ce que l'on est.

L'artiste brodeuse et textile Emily Barletta nous rappelle que la satisfaction personnelle passe par la définition même du succès : « Je crée parce que le processus de création me rend heureuse. Réussir dans ce domaine et le faire pour un épanouissement personnel sont deux choses différentes. »