Художници и природа

Излязох само на разходка и накрая реших да остана навън до залез слънце, защото излизането, както открих, всъщност беше влизане . -- Джон Мюир

Природата ни привлича да изследваме, а след това нежно ни изпраща навътре, за да размишляваме. Най-често се чувстваме по-добре, когато се взираме в промените, които се случват всеки момент в океана, небето, планината, пустинята, гората, поляната или градината. Може да се страхуваме от най-малкото цвете, птица или насекомо, да се радваме на изобилие от цветове, да се заинтригуваме от същества, търсещи храна или партньор, да се приспиваме от приливите и отливите, ромола в езеро или ромола на ручей.

Залез над Тихия океан

Като творци, как улавяме това преживяване? Как го превеждаме визуално, акустично или тактилно? Опитваме ли се да го изобразим възможно най-реалистично?

Когато се приближих до следното произведение на изкуството в Института по изкуства „Кларк“ в Уилямстаун, Масачузетс, първоначално си помислих, че е фотография. Но това нямаше смисъл, защото бях в галерия, посветена на европейското изкуство от 19-ти век. Когато се приближих достатъчно, за да се вгледам внимателно, осъзнах, че всъщност е маслена картина. Преди фотографията да заеме поста цар на реализма, фините детайли на изображението, изобразени от швейцарския художник Александър Каламе (1810-1864), предават осезаемо усещане за пейзажа.

„Речно корито при Розенлауи сюр Майринген“ (ок. 1862 г.), от Александър Каламе. Институтът за изкуство Кларк, Уилямстаун, Масачузетс.

„Речно корито при Розенлауи сюр Майринген“ (ок. 1862 г.), от Александър Каламе. Институтът за изкуство Кларк, Уилямстаун, Масачузетс.

Ако не изберем точността на реализма, абстрахираме ли сцената, така че, макар и да не е разпознаваема, тя все пак да предава същността на пейзаж или морски пейзаж? Чрез различни видове щрихи импресионистите размиват детайлите и вместо това предлагат „впечатление“, както е в тази картина на френския художник Пиер-Огюст Рьоноар (1841-1919).

„Отлив, Ипор“ (1883), от Пиер-Огюст Реноар. Институтът Кларк, Уилямстаун, Масачузетс.

Детайл от „Отлив, Ипор“ (1883 г.) от Пиер-Огюст Реноар. Институтът Кларк, Уилямстаун, Масачузетс.

Тенденцията към абстракция продължава още по-силно през 20-ти век. Работейки със сцени от северната част на щата Ню Йорк, американският художник Артър Гарфийлд Доув (1880-1946) изследва как да изобрази движение. Както е описано на заглавната картичка в Музея за изящни изкуства в Бостън, „Сините, зелените и жълтите резонират и хармонизират в припокриващи се дъги, изпълвайки платно, прекъсвано от дървесни стволове, които сякаш скачат над хоризонта.“ Без заглавието и описанието, щяхме ли да знаем това?

„Танцуващи върби“ (ок. 1944 г.), от Артър Гарфийлд Доув. Музей на изящните изкуства, Бостън.

Американската художничка Джоан Браун (1938-1990) представя гъста, слепена маса от щрихи в центъра на своята картина от абстрактния експресионизъм „Къпини“. Няма дори и най-малък намек за представяне, но усещането е за почти непроницаема маса, по начина, по който се сблъскваме с истинските къпини.

„Къпини“ (1957), от Джоан Браун. Музей Оукланд, Калифорния.

По целия свят природата се изобразява с боя, дърво, глина, влакна, метал и други. Резултатите могат да бъдат стилизирани, традиционно местни, класически, авангардни, специфични за дадено място или епоха.

„Есенна гледка“ от Фиона Робъртсън. Машинна и ръчна бродерия. Източник: http://www.fionarobertsonartworks.co.uk/

Съществува дори японско каменно изкуство, известно като суисеки , повлияно от скалите, открити от китайски учени преди много векове. За разлика от скулптурата, те не са умишлено издълбани, за да отразяват пейзажи, а се намират непокътнати в реки, океани и карстови скали. Те са избрани заради тяхната изразителност чрез форма, цвят и текстура. Смятани за красиви обекти, които трябва да се съзерцават и да им се наслаждаваме по начина, по който човек би взаимодействал с картина, суисеки остават непроменени в естествената си форма, но поставени в дървена основа.

Подобно на простотата на суисеки, някои форми на източноазиатска природна живопис пропускат повече, отколкото включват; зрителят си представя останалото. Това е различен вид абстракция.

„Гъска и тръстика, върба и луна“. Чифт шестпанелен сгъваем параван; мастило, цвят и злато върху хартия, от Маруяма Окьо (японец, 1733–1795). Метрополитън музей на изкуствата, Ню Йорк.

Не всеки се опитва да илюстрира, независимо дали реалистично или абстрактно, това, което вижда в природата. За някои художници, директната работа със суровите ѝ материали е това, което води до различен вид изкуство. Веднага се сещам за британския скулптор, фотограф и еколог Анди Голдсуърти.

„Дървена линия“ (2011 г.) от Анди Голдсуърти . Изработена от евкалиптови клони, разположени в наклонена, извита извивка през евкалиптова горичка в Пресидио, Сан Франциско.
Източник: http://www.for-site.org/project/goldsworthy-in-the-presidio-wood-line/

Известен с ленд арта си, особено чрез документалния филм от 2001 г. „Реки и приливи“ , Голдсуърти създава специфични за мястото ефимерни скулптури с камъни, листа, цветя, шишарки, сняг, камъни, клонки, тръни и ледени висулки. Неговото намерение е да разбере природата, като участва директно в нея възможно най-интимно. Той обяснява:

Движението, промяната, светлината, растежът и разпадът са жизнената сила на природата, енергиите, които се опитвам да използвам чрез работата си. Имам нужда от шока на докосването, от съпротивлението на мястото, материалите и времето, от земята като мой източник. Природата е в състояние на промяна и тази промяна е ключът към разбирането. Искам изкуството ми да бъде чувствително и бдително към промените в материалите, сезоните и времето. Всяко произведение расте, остава, разпада се. Процесът и разпадът са имплицитни. Преходността в работата ми отразява това, което откривам в природата... Не бих могъл да се опитам да подобря Природата. Опитвам се само да я разбера чрез участие в някои от нейните процеси.

„Докосване на север “ (1989), от Анди Голдуърти. Източник: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

„Зелени до жълти листа“ (1980), от Анди Голдсуърти. Източник: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Ефимерна инсталация от Анди Голдуърти. Източник: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Наскоро попаднах на други художници, които използват природата като своя палитра и платно. Например, Иън Рос и Андрес Амадор манипулират пясък. Рос работи с гребло, за да създава гигантски рисунки по плажовете в Калифорния. Чрез „дълбаене“ в гладката повърхност, където приливът се е отдръпнал, се появява неговият собствен вид ефимерна и непостоянна форма на изкуство.

Източник: http://ianrossart.com/project/installation/

Източник: http://ianrossart.com/project/installation/

В района на Сан Франциско, Андрес Амадор също използва гребло, за да създава произведения на изкуството, които могат да бъдат по-големи от 100 000 кв. фута. След като прекарва часове в разработване на контраст чрез мокър и сух пясък, приливът отмива всичко. Остават само снимка и спомен.

Източник: http://www.viralnova.com/beach-art/

Източник: http://www.viralnova.com/beach-art/

Като се има предвид, че всичко е непостоянно, включително и ние самите – в края на краищата, ние също сме природа – има ли значение дали нашите художествени творения продължават да живеят или изчезват?

Въпроси и коментари:
Как престоят в естествена среда влияе на артистичната ви чувствителност?
Връщате ли преживяването обратно в студиото си и го оставяте ли да ви информира подсъзнателно? Опитвате ли се да пресъздадете сцената?
Работите ли на открито? Рисувате ли на открито? Работите ли по скици и/или снимки?
Предпочитате ли изобразително изкуство, изобразяващо природни сцени, или сте по-склонни към абстрактното?
Кои творци ви идват на ум заради връзката им с природата?

Залез над Тихия океан.