Художники и природа

Я вышел только на прогулку и в конце концов решил остаться до заката, потому что выход на улицу, как я обнаружил, на самом деле был входом внутрь . -- Джон Мьюир

Природа тянет нас к исследованиям, а затем мягко отправляет нас к внутренним размышлениям. Чаще всего мы чувствуем себя лучше, наблюдая за ежесекундными изменениями в океане, небе, горах, пустыне, лесу, луге или саду. Нас может восхитить крошечный цветок, птица или насекомое, нас может радовать буйство красок, нас могут заинтриговать существа, ищущие пищу или пару, нас может убаюкивать шум приливов и отливов, рябь на поверхности озера или журчание ручья.

Закат на Тихом океане

Как мы, художники, можем передать этот опыт? Как мы передаем его визуально, акустически или тактильно? Стремимся ли мы передать его максимально реалистично?

Когда я подошёл к этой работе в Институте искусств Кларка в Уильямстауне, штат Массачусетс, я сначала подумал, что это фотография. Но это было не так, ведь я находился в галерее, посвящённой европейскому искусству XIX века. Подойдя достаточно близко, чтобы внимательно рассмотреть, я понял, что это на самом деле картина маслом. До того, как фотография стала царём реализма, тонкие детали изображения швейцарского художника Александра Калама (1810–1864) передавали осязаемое ощущение пейзажа.

«Русло реки в Розенлауи-сюр-Мейринген» (около 1862 г.) работы Александра Калама. Институт искусств Кларка, Уильямстаун, Массачусетс.

«Русло реки в Розенлауи-сюр-Мейринген» (около 1862 г.) работы Александра Калама. Институт искусств Кларка, Уильямстаун, Массачусетс.

Если мы не стремимся к точности реализма, то абстрагируем ли мы сцену, чтобы, оставаясь неузнаваемой, она всё же передавала суть пейзажа или морского пейзажа? С помощью различных мазков импрессионисты размывали детали и вместо этого создавали «впечатление», как на этой картине французского художника Пьера-Огюста Ренуара (1841–1919).

«Отлив в Ипоре» (1883) Пьера Огюста Ренуара. Институт Кларка, Уильямстаун, Массачусетс.

Фрагмент картины Пьера-Огюста Ренуара «Отлив в Ипоре» (1883). Институт Кларка, Уильямстаун, Массачусетс.

Тенденция к абстракции усилилась в XX веке. Работая с видами северной части штата Нью-Йорк, американский художник Артур Гарфилд Дав (1880–1946) исследовал способы изображения движения. Как гласит титульный лист Музея изящных искусств в Бостоне: «Синий, зелёный и жёлтый резонируют и гармонируют в перекрывающихся дугах, заполняя холст, украшенный стволами деревьев, которые словно возвышаются над горизонтом». Разве мы узнали бы это без названия и описания?

«Танцующие ивы» (ок. 1944 г.) Артура Гарфилда Дава. Музей изящных искусств, Бостон.

Американская художница Джоан Браун (1938–1990) представляет густую, сгустившуюся массу мазков краски в центре своей абстрактно-экспрессионистской картины «Ежевика». В ней нет ни малейшего намёка на репрезентативность, но создаётся ощущение почти непроницаемой массы, подобной той, что мы видим при встрече с настоящей ежевикой.

«Ежевика» (1957), Джоан Браун. Оклендский музей, Калифорния.

Во всем мире природу изображают с помощью краски, дерева, глины, волокон, металла и других материалов. Результаты могут быть стилизованными, традиционными, классическими, авангардными, соответствующими определённому месту или эпохе.

«Осенний вид» Фионы Робертсон. Машинная и ручная вышивка. Источник: http://www.fionarobertsonartworks.co.uk/

Существует даже японское искусство работы с камнем, известное как суйсэки , возникшее под влиянием китайских учёных, живших много веков назад. В отличие от скульптур, они не вырезаются намеренно, чтобы отражать ландшафты, а встречаются в реках, океанах и карстовых породах. Их выбирают за выразительность формы, цвета и текстуры. Считаясь произведениями искусства, которыми можно любоваться и наслаждаться, подобно тому, как мы прикасаемся к живописи, суйсэки остаются неизменными в своей естественной форме, но помещены на деревянную основу.

Подобно простоте суйсэки, некоторые формы восточноазиатской живописи природы оставляют больше, чем включают; зритель додумывает остальное. Это другой вид абстракции.

«Гусь и камыши, ива и луна». Пара шестипанельных складных ширм; тушь, краска и золото на бумаге, автор Маруяма Окё (японец, 1733–1795). Метрополитен-музей, Нью-Йорк.

Не все стремятся изобразить, будь то реалистично или абстрактно, то, что видят в природе. Для некоторых художников именно непосредственная работа с природными материалами рождает совершенно иной вид искусства. Сразу вспоминается британский скульптор, фотограф и защитник окружающей среды Энди Голдсуорси.

«Лесная линия» (2011) Энди Голдсуорси . Изготовлена ​​из ветвей эвкалипта, выложенных плавной, извилистой линией в эвкалиптовой роще в Пресидио, Сан-Франциско.
Источник: http://www.for-site.org/project/goldsworthy-in-the-presidio-wood-line/

Известный своим лэнд-артом, особенно документальным фильмом 2001 года «Реки и приливы» , Голдсуорси создаёт эфемерные скульптуры, привязанные к местности, из камней, листьев, цветов, шишек, снега, камней, веток, шипов и сосулек. Его цель — познать природу, непосредственно участвуя в её жизни как можно более глубоко. Он объясняет:

Движение, изменение, свет, рост и упадок – это жизненная сила природы, энергия, которую я пытаюсь использовать в своих работах. Мне нужны шок от прикосновения, сопротивление места, материалов и погоды, земля как мой источник. Природа находится в состоянии перемен, и эти перемены – ключ к пониманию. Я хочу, чтобы моё искусство было чувствительным и внимательным к изменениям в материале, времени года и погоде. Каждая работа растёт, остаётся, распадается. Процесс и упадок неявны. Мимолетность в моих работах отражает то, что я нахожу в природе... Я не могу пытаться улучшить природу. Я лишь пытаюсь понять её, участвуя в некоторых её процессах.

«Прикосновение к северу » (1989), Энди Голдворти. Источник: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

«От зелёных до жёлтых листьев» (1980), Энди Голдсуорси. Источник: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Эфемерная инсталляция Энди Голдворти. Источник: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Недавно я познакомился с другими художниками, которые используют природу как палитру и холст. Например, Иэн Росс и Андрес Амадор работают с песком. Росс граблями создаёт гигантские узоры на пляжах Калифорнии. «Высекая» гладкую поверхность после отлива, он создаёт свой собственный, эфемерный и недолговечный вид искусства.

Источник: http://ianrossart.com/project/installation/

Источник: http://ianrossart.com/project/installation/

В районе Сан-Франциско Андрес Амадор также использует грабли для создания произведений искусства площадью более 90 000 кв. м. После того, как он часами пытается добиться контраста, используя мокрый и сухой песок, прилив смывает всё. Остаются лишь фотография и воспоминание.

Источник: http://www.viralnova.com/beach-art/

Источник: http://www.viralnova.com/beach-art/

Учитывая, что все в любом случае непостоянно, включая нас самих (в конце концов, мы тоже являемся природой), имеет ли значение, будут ли наши художественные творения жить дальше или исчезнут?

Вопросы и комментарии:
Как пребывание в естественной среде влияет на ваше художественное восприятие?
Вы переносите этот опыт обратно в студию и позволяете ему влиять на ваше подсознание? Пытаетесь ли вы воссоздать сцену?
Работаете ли вы на открытом воздухе? ​​Пишете на пленэре? Работаете по эскизам и/или фотографиям?
Предпочитаете ли вы изобразительное искусство природных сцен или больше склоняетесь к абстракции?
Какие художники приходят вам на ум в связи с их отношением к природе?

Закат на Тихом океане.