Umelci a príroda

Vyšiel som len na prechádzku a nakoniec som sa rozhodol, že zostanem vonku až do západu slnka, pretože som zistil, že ísť von bolo v skutočnosti ísť dnu . -- John Muir

Príroda nás láka k objavovaniu a potom nás jemne posiela dovnútra k zamysleniu. Najčastejšie sa cítime lepšie, keď hľadíme na okamihové zmeny v oceáne, oblohe, horách, púšti, lese, lúke alebo záhrade. Môžeme byť ohromení najmenším kvetom, vtákom alebo hmyzom, potešení hojnosťou farieb, zaujatí tvormi hľadajúcimi potravu alebo partnera, ukolísaní prílivom a odlivom, vlniacimi sa kruhmi v jazere alebo zurčiacim potokom.

Západ slnka nad Tichým oceánom

Ako umelci, ako zachytávame tento zážitok? Ako ho prekladáme vizuálne, akusticky alebo hmatovo? Snažíme sa ho vykresliť čo najrealistickejšie?

Keď som sa v Clarkovom umeleckom inštitúte vo Williamstowne v štáte Massachusetts priblížil k nasledujúcemu umeleckému dielu, najprv som si myslel, že je to fotografia. Ale nedávalo to zmysel, pretože som bol v galérii venovanej európskemu umeniu 19. storočia. Keď som sa priblížil dostatočne blízko, aby som sa naň pozorne pozrel, uvedomil som si, že je to v skutočnosti olejomaľba. Predtým, ako fotografia prevzala vládu realizmu, jemné detaily zobrazenia, ktoré vytvoril švajčiarsky umelec Alexandre Calame (1810 – 1864), vyjadrujú hmatateľný pocit z krajiny.

"Riečne koryto v Rosenlaui sur Meyringen" (okolo 1862), Alexandre Calame. Clark Art Institute, Williamstown, MA.

"Riečne koryto v Rosenlaui sur Meyringen" (okolo 1862), Alexandre Calame. Clark Art Institute, Williamstown, MA.

Ak si nevyberieme presnosť realizmu, abstrahujeme scénu tak, aby síce nebola rozpoznateľná, ale stále vyjadrovala podstatu krajiny alebo morskej scenérie? Impresionisti rôznymi druhmi ťahov rozmazali detaily a namiesto toho ponúkli „dojem“, ako na tomto obraze francúzskeho umelca Pierra-Augusta Renoira (1841 – 1919).

„Odliv, Yport“ (1883) od Pierra-Augusta Renoira. Clarkov inštitút, Williamstown, Massachusetts.

Detail diela „Odliv, Yport“ (1883) od Pierra-Augusta Renoira. Clarkov inštitút, Williamstown, Massachusetts.

Tendencia k abstrakcii pokračovala ešte silnejšie v 20. storočí. Americký umelec Arthur Garfield Dove (1880 – 1946) pracoval so scénami v severnej časti štátu New York a skúmal, ako zobraziť pohyb. Ako opisuje titulná karta v Múzeu výtvarných umení v Bostone: „Modrá, zelená a žltá rezonujú a harmonizujú v prekrývajúcich sa oblúkoch a vypĺňajú plátno prerušované kmeňmi stromov, ktoré akoby vyskakovali nad horizont.“ Vedeli by sme to bez názvu a popisu?

„Tancujúce vŕby“ (cca 1944), od Arthura Garfielda Dovea. Múzeum výtvarných umení, Boston.

Americká maliarka Joan Brownová (1938-1990) predstavuje hustú, zrazenú masu ťahov farby v strede svojho abstraktného expresionistického obrazu „Ostružiny“. Nie je tam ani náznak znázornenia, no napriek tomu je to pocit takmer nepreniknuteľnej masy, tak ako sa stretávame so skutočnými ostružinami.

„Ostružiny“ (1957), Joan Brownová. Múzeum Oakland v Kalifornii.

Príroda sa po celom svete zobrazuje farbami, drevom, hlinou, vláknami, kovom a ďalšími materiálmi. Výsledky môžu byť štylizované, tradične domorodé, klasické, avantgardné, špecifické pre určité miesto alebo éru.

„Jesenný pohľad“ od Fiony Robertsonovej. Strojová a ručná výšivka. Zdroj: http://www.fionarobertsonartworks.co.uk/

Existuje dokonca aj japonské kamenné umenie známe ako suiseki , ovplyvnené kameňmi čínskych učencov spred mnohých storočí. Na rozdiel od sôch nie sú zámerne vytesané tak, aby odrážali krajinu, ale nachádzajú sa neporušené v riekach, oceánoch a krase. Sú vyberané pre svoju expresivitu prostredníctvom tvaru, farby a textúry. Suiseki , považované za krásne objekty, na ktoré sa treba pozerať a užívať si ich tak, ako by sme interagovali s maľbou, zostávajú nezmenené vo svojej prirodzenej forme, ale umiestnené v drevenom podstavci.

Podobne ako jednoduchosť suiseki, aj niektoré formy východoázijskej maľby prírody vynechávajú viac, ako zahŕňajú; divák si zvyšok predstavuje. Je to iný druh abstrakcie.

„Hus a trstina, vŕba a mesiac.“ Dvojica šesťpanelových skladacích zásten; atrament, farba a zlato na papieri, od Marujama Œkyo (Japonec, 1733 – 1795). Metropolitné múzeum umenia, New York.

Nie každý sa snaží ilustrovať, či už realisticky alebo abstraktne, to, čo vidí v prírode. Pre niektorých umelcov je priama práca s jej surovými materiálmi výsledkom iného druhu umenia. Okamžite mi napadne britský sochár, fotograf a environmentalista Andy Goldsworthy.

„Drevená línia“ (2011) od Andyho Goldsworthyho . Vyrobené z eukalyptových konárov rozložených v šikmej, kľukatej krivke cez eukalyptový háj v Presidio v San Franciscu.
Zdroj: http://www.for-site.org/project/goldsworthy-in-the-presidio-wood-line/

Goldsworthy, známy svojím land artom, najmä vďaka dokumentárnemu filmu Rieky a prílivy z roku 2001, vytvára prchavé sochy špecifické pre dané miesto s kameňmi, listami, kvetmi, šiškami, snehom, kameňmi, vetvičkami, tŕňmi a cencúľmi. Jeho zámerom je pochopiť prírodu tým, že sa na nej čo najintímnejšie podieľa. Vysvetľuje:

Pohyb, zmena, svetlo, rast a rozklad sú životodarnou silou prírody, energiami, ktoré sa snažím čerpať zo svojej práce. Potrebujem šok dotyku, odpor miesta, materiálov a počasia, zem ako môj zdroj. Príroda je v stave zmien a táto zmena je kľúčom k pochopeniu. Chcem, aby moje umenie bolo citlivé a vnímavé voči zmenám materiálov, ročných období a počasia. Každé dielo rastie, pretrváva, rozpadá sa. Proces a rozklad sú implicitné. Pominuteľnosť v mojej práci odráža to, čo v prírode nachádzam... Nemohol by som sa snažiť prírodu vylepšiť. Snažím sa ju pochopiť len zapojením sa do niektorých jej procesov.

„Dotyk severu “ (1989) od Andyho Goldworthyho. Zdroj: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

„Zelené až žlté listy“ (1980) od Andyho Goldsworthyho. Zdroj: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Prchavá inštalácia od Andyho Goldworthyho. Zdroj: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Nedávno som narazil na iných umelcov, ktorí využívajú prírodu ako svoju paletu a plátno. Napríklad Ian Ross a Andrés Amador manipulujú s pieskom. Ross pracuje s hrablami na vytváraní obrovských vzorov na plážach v Kalifornii. „Vyrezávaním“ do hladkého povrchu, kde už opadol príliv, vzniká jeho vlastný druh prchavej a nestálej umeleckej formy.

Zdroj: http://ianrossart.com/project/installation/

Zdroj: http://ianrossart.com/project/installation/

V oblasti San Francisca Andrés Amador tiež používa hrable na vytváranie umeleckých diel, ktoré môžu mať rozlohu viac ako 9 300 metrov štvorcových. Po hodinách vytvárania kontrastu cez mokrý a suchý piesok príliv všetko zmyje. Zostane len fotografia a spomienka.

Zdroj: http://www.viralnova.com/beach-art/

Zdroj: http://www.viralnova.com/beach-art/

Vzhľadom na to, že všetko je aj tak pominuteľné, vrátane nás samých – koniec koncov, aj my sme príroda – záleží na tom, či naše umelecké výtvory žijú ďalej alebo zaniknú?

Otázky a komentáre:
Ako pobyt v prírodnom prostredí ovplyvňuje vaše umelecké cítenie?
Prinášate si tento zážitok späť do štúdia a nechávate ho podvedome ovplyvniť? Snažíte sa scénu znovu zachytiť?
Pracujete vonku? Maľujete v plenéri? Pracujete podľa náčrtov a/alebo fotografií?
Uprednostňujete znázornenie prírodných scenérií alebo inklinujete skôr k abstrakcii?
Ktorí umelci vám napadnú kvôli ich vzťahu k prírode?

Západ slnka nad Tichým oceánom.