Sanatçılar Ve Doğa

Sadece yürüyüşe çıktım ve sonunda gün batımına kadar dışarıda kalmaya karar verdim, çünkü dışarı çıkmanın aslında içeri girmek olduğunu keşfettim . -- John Muir

Doğa bizi keşfetmeye çeker, sonra da yavaşça içimize dönerek düşünmeye sevk eder. Çoğu zaman, okyanustaki, gökyüzündeki, dağdaki, çöldeki, ormandaki, çayırdaki veya bahçedeki anlık değişimlere baktığımızda kendimizi daha iyi hissederiz. En küçük çiçek, kuş veya böcek karşısında hayrete düşebilir, renk cümbüşüyle ​​neşelenebilir, yiyecek veya eş arayan canlılar ilgimizi çekebilir, gelen ve giden gelgitler, bir göldeki dalgalanan daireler veya şırıldayan bir dere bizi sakinleştirebilir.

Pasifik Okyanusu'nda gün batımı

Sanatçılar olarak bu deneyimi nasıl yakalarız? Görsel, işitsel veya dokunsal olarak nasıl aktarırız? Mümkün olduğunca gerçekçi bir şekilde aktarmaya çalışır mıyız?

Massachusetts, Williamstown'daki Clark Sanat Enstitüsü'ndeki aşağıdaki sanat eserine yaklaştığımda, ilk başta bunun bir fotoğraf olduğunu düşündüm. Ama bu mantıklı değildi, çünkü 19. yüzyıl Avrupa sanatına adanmış bir galerideydim. Dikkatlice bakacak kadar yaklaştığımda, aslında bir yağlıboya tablo olduğunu fark ettim. Fotoğraf gerçekçiliğin kralı olmadan önce, İsviçreli sanatçı Alexandre Calame'nin (1810-1864) resmettiği incelikli tasvirler, manzaranın elle tutulur bir hissini yansıtıyordu.

"Rosenlaui sur Meyringen'deki Nehir Yatağı" (c.1862), Alexandre Calame. Clark Sanat Enstitüsü, Williamstown, MA.

"Rosenlaui sur Meyringen'deki Nehir Yatağı" (c.1862), Alexandre Calame. Clark Sanat Enstitüsü, Williamstown, MA.

Gerçekçiliğin kesinliğini seçmezsek, sahneyi soyutlayarak, tanınmaz olsa da bir manzara veya deniz manzarasının özünü yansıtmasını mı sağlarız? Empresyonistler, farklı fırça darbeleriyle detayları bulanıklaştırıp, bunun yerine Fransız sanatçı Pierre-Auguste Renoir'ın (1841-1919) bu tablosunda olduğu gibi bir "izlenim" sunmuşlar.

Pierre-Auguste Renoir'ın "Cesur Gelgit, Yport" (1883) adlı eseri. Clark Enstitüsü, Williamstown, MA.

Pierre-Auguste Renoir'ın "Cesur Gelgit, Yport" (1883) tablosundan bir detay. Clark Enstitüsü, Williamstown, MA.

Soyutlama eğilimi 20. yüzyılda daha da güçlü bir şekilde devam etti. New York'un kuzey kesimlerindeki sahneler üzerinde çalışan Amerikalı sanatçı Arthur Garfield Dove (1880-1946), hareketin nasıl tasvir edileceğini araştırdı. Boston Güzel Sanatlar Müzesi'nin başlık kartında belirtildiği gibi, "Maviler, yeşiller ve sarılar, ufukta beliren ağaç gövdeleriyle noktalanmış bir tuvali dolduran, üst üste binen yaylar halinde yankılanıp uyum sağlıyor." Başlık ve açıklama olmasaydı bunu bilir miydik?

Arthur Garfield Dove'un "Dans Eden Söğütler" (yaklaşık 1944) adlı tablosu. Boston Güzel Sanatlar Müzesi.

Amerikalı ressam Joan Brown (1938-1990), Soyut Dışavurumcu "Böğürtlenler" adlı tablosunun merkezinde kalın, pıhtılaşmış bir boya darbesi kütlesi sunar. En ufak bir temsiliyet belirtisi bile yoktur, ancak gerçek böğürtlenlerle karşılaştığımızda hissettiğimiz şey, neredeyse aşılmaz bir kütledir.

Joan Brown'ın "Böğürtlenler" (1957) adlı eseri. Kaliforniya Oakland Müzesi.

Dünyanın dört bir yanında doğa, boya, ahşap, kil, lifler, metal ve daha fazlasıyla tasvir ediliyor. Sonuçlar stilize, geleneksel, yerel, klasik, avangart veya belirli bir yere veya döneme özgü olabilir.

Fiona Robertson'ın "Sonbahar Manzarası". Makine ve el işlemesi. Kaynak: http://www.fionarobertsonartworks.co.uk/

Yüzyıllar önce Çinli bilginlerin kayalarından esinlenen, suiseki olarak bilinen bir Japon taş sanatı bile vardır. Heykelin aksine, manzaraları yansıtmak için özel olarak oyulmazlar; nehirlerde, okyanuslarda ve karstlarda bozulmadan bulunurlar. Şekil, renk ve dokularıyla ifade gücü nedeniyle seçilmişlerdir. Bir resimle etkileşime girer gibi bakılıp keyif alınacak güzellik nesneleri olarak kabul edilen suisekiler , doğal halleriyle değişmeden kalırlar, ancak ahşap bir kaide üzerine yerleştirilirler.

Suiseki'nin sadeliği gibi, Doğu Asya doğa resminin bazı biçimleri de içerdiklerinden daha fazlasını dışarıda bırakır; gerisini izleyici hayal eder. Bu farklı bir soyutlama türüdür.

"Kaz ve Kamış, Söğüt ve Ay." Altı panelli paravan çifti; mürekkep, renk ve altınla kağıt üzerine, Maruyama ÅŒkyo (Japon, 1733–1795). Metropolitan Sanat Müzesi, NY.

Herkes doğada gördüklerini gerçekçi veya soyut olarak resmetmeye çalışmaz. Bazı sanatçılar için, doğrudan doğanın hammaddeleriyle çalışmak farklı bir sanat türüyle sonuçlanır. İngiliz heykeltıraş, fotoğrafçı ve çevreci Andy Goldsworthy hemen akla geliyor.

Andy Goldsworthy'nin "Wood Line" (2011) adlı eseri , San Francisco'nun Presidio semtindeki bir okaliptüs korusunda eğimli ve kıvrımlı bir eğri halinde uzanan okaliptüs dallarından yapılmıştır.
Kaynak: http://www.for-site.org/project/goldsworthy-in-the-presidio-wood-line/

Özellikle 2001 yapımı Rivers and Tides belgeseliyle arazi sanatıyla tanınan Goldsworthy, kayalar, yapraklar, çiçekler, çam kozalakları, kar, taş, dallar, dikenler ve buz sarkıtlarıyla mekana özgü geçici heykeller yaratıyor. Amacı, doğayı mümkün olduğunca doğrudan ve içten bir şekilde dahil olarak anlamak. Şöyle açıklıyor:

Hareket, değişim, ışık, büyüme ve çürüme, doğanın can damarlarıdır; çalışmalarım aracılığıyla açığa çıkarmaya çalıştığım enerjilerdir. Dokunmanın şokuna, mekanın, malzemelerin ve havanın direncine, kaynağım olarak toprağa ihtiyacım var. Doğa bir değişim halindedir ve bu değişim, anlamanın anahtarıdır. Sanatımın malzeme, mevsim ve hava koşullarındaki değişikliklere duyarlı ve tetikte olmasını istiyorum. Her çalışma büyür, kalır, çürür. Süreç ve çürüme örtüktür. Çalışmalarımdaki geçicilik, doğada bulduğum şeyi yansıtır... Doğayı geliştirmeye çalışmam mümkün değil. Onu yalnızca bazı süreçlerine dahil olarak anlamaya çalışıyorum.

Andy Goldworthy'nin "Kuzeye Dokunmak " (1989) adlı eseri. Kaynak: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

"Yeşilden Sarıya Yapraklar" (1980), Andy Goldsworthy. Kaynak: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Andy Goldworthy'nin geçici enstalasyonu. Kaynak: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Son zamanlarda, doğayı palet ve tuval olarak kullanan başka sanatçılarla karşılaştım. Örneğin, Ian Ross ve Andrés Amador kumu işliyor. Ross, Kaliforniya sahillerinde devasa desenler oluşturmak için tırmıkla çalışıyor. Gelgitin çekildiği pürüzsüz yüzeye "oyma" yaparak, kendine özgü geçici ve kalıcı bir sanat formu ortaya çıkarıyor.

Kaynak: http://ianrossart.com/project/installation/

Kaynak: http://ianrossart.com/project/installation/

San Francisco bölgesinde, Andrés Amador da 100.000 metrekareyi aşabilen sanat eserleri yaratmak için bir tırmık kullanıyor. Islak ve kuru kumda kontrast oluşturmak için saatler harcadıktan sonra, gelgit hepsini silip süpürüyor. Geriye sadece bir fotoğraf ve bir anı kalıyor.

Kaynak: http://www.viralnova.com/beach-art/

Kaynak: http://www.viralnova.com/beach-art/

Zaten her şeyin, kendimiz de dahil, geçici olduğu düşünüldüğünde -sonuçta biz de doğayız- sanatsal yaratımlarımızın yaşaması mı, yok olması mı önemli?

Sorular ve Yorumlar:
Doğal bir ortamda bulunmak sanatsal duyarlılığınızı nasıl etkiliyor?
Deneyimi stüdyonuza getirip bilinçaltınızda size iletmesine izin veriyor musunuz? Sahneyi yeniden yakalamaya mı çalışıyorsunuz?
Açık havada mı çalışıyorsunuz? Açık havada resim mi yapıyorsunuz? Eskizlerden ve/veya fotoğraflardan mı yararlanıyorsunuz?
Doğa manzaralarının betimsel sanatını mı tercih edersiniz yoksa soyut olana mı daha yatkınsınız?
Doğayla ilişkisi nedeniyle aklınıza hangi sanatçılar geliyor?

Pasifik Okyanusu'nda gün batımı.