예술가와 자연

나는 단지 산책을 하러 나갔고, 결국 해가 질 때까지 밖에 머물기로 결심했습니다. 왜냐하면 나가는 것이 실제로는 안으로 들어가는 것과 같다는 것을 깨달았기 때문입니다 . -- 존 뮤어

자연은 우리를 밖으로 이끌어 탐험하게 하고, 부드럽게 내면으로 들어가 성찰하게 합니다. 바다, 하늘, 산, 사막, 숲, 초원, 정원의 순간순간의 변화를 바라보면서 우리는 대개 기분이 좋아집니다. 아주 작은 꽃, 새, 곤충에도 경외감을 느끼고, 다채로운 색깔에 설레고, 먹이나 짝을 찾는 생물들에 호기심을 느끼고, 밀려오고 밀려가는 조수, 호수에 일렁이는 물결, 졸졸 흐르는 시냇물에 마음이 편안해질 수도 있습니다.

태평양의 일몰

예술가로서 우리는 어떻게 그 경험을 포착할까요? 시각적, 청각적, 또는 촉각적으로 어떻게 해석할까요? 최대한 사실적으로 표현하려고 노력할까요?

매사추세츠주 윌리엄스타운에 있는 클라크 미술관에서 이 작품을 처음 봤을 때, 처음에는 사진인 줄 알았습니다. 하지만 19세기 유럽 미술을 전문으로 하는 미술관에 있었기에, 그 생각은 전혀 이해가 되지 않았습니다. 가까이 다가가 자세히 살펴보니 유화라는 것을 알게 되었습니다. 사진이 사실주의의 왕좌를 차지하기 전, 스위스 화가 알렉상드르 칼라메(1810-1864)가 표현한 섬세한 디테일은 풍경의 생생한 느낌을 전달합니다.

Alexandre Calame의 "Rosenlaui sur Meyringen의 강바닥"(c.1862). Clark Art Institute, 매사추세츠주 윌리엄스타운.

Alexandre Calame의 "Rosenlaui sur Meyringen의 강바닥"(c.1862). Clark Art Institute, 매사추세츠주 윌리엄스타운.

사실주의의 정확성을 택하지 않는다면, 우리는 장면을 추상화하여 알아볼 수는 없지만 풍경이나 바다 풍경의 본질을 전달하는 것일까요? 인상파 화가들은 다양한 붓놀림을 통해 세부 묘사를 흐릿하게 하고 대신 "인상"을 부여했습니다. 프랑스 화가 피에르 오귀스트 르누아르(1841-1919)의 이 그림에서처럼 말입니다.

피에르 오귀스트 르누아르의 "썰물, 이포르트"(1883). 매사추세츠주 윌리엄스타운, 클라크 연구소 소장.

피에르 오귀스트 르누아르의 "썰물, 이포르트"(1883) 세부. 매사추세츠주 윌리엄스타운, 클라크 연구소 소장.

추상화 경향은 20세기에 더욱 강해졌습니다. 미국 예술가 아서 가필드 도브(1880-1946)는 뉴욕 북부의 풍경을 다루며 움직임을 묘사하는 방법을 탐구했습니다. 보스턴 미술관의 제목 카드에 묘사되어 있듯이, "파란색, 녹색, 노란색이 겹쳐지는 호 안에서 공명하고 조화를 이루며, 지평선 위로 솟아오르는 듯한 나무줄기가 점철된 캔버스를 채웁니다." 제목과 설명이 없었다면 우리는 이 사실을 알 수 있었을까요?

"춤추는 버드나무"(1944년경), 아서 가필드 도브 작. 보스턴 미술관.

미국 화가 조앤 브라운(1938-1990)은 추상 표현주의 그림 "브램블즈(Brambles)"의 중심에 두껍고 뭉친 물감 덩어리를 그려 넣었습니다. 이 그림에는 재현의 흔적조차 없지만, 마치 우리가 실제 브램블즈를 마주하는 것처럼 마치 거의 뚫고 들어갈 수 없는 덩어리처럼 느껴집니다.

조안 브라운의 "브램블스"(1957). 캘리포니아 오클랜드 박물관.

전 세계적으로 자연은 물감, 나무, 점토, 섬유, 금속 등으로 묘사됩니다. 그 결과물은 양식화되거나, 전통적으로 토착적인 것, 고전적, 아방가르드적이거나, 특정 장소나 시대에 특화된 것일 수 있습니다.

피오나 로버트슨의 "가을 풍경". 기계 자수와 손 자수. 출처: http://www.fionarobertsonartworks.co.uk/

수세기 전 중국 학자의 석조물에서 영향을 받은 일본식 석조 예술인 스이세키(水石) 도 있습니다. 조각과는 달리, 스이세키는 풍경을 반영하도록 의도적으로 조각하지 않고 강, 바다, 카르스트 지형에서 온전하게 발견됩니다. 스이세키는 형태, 색상, 질감을 통한 표현력을 고려하여 선택됩니다. 그림과 교감하듯 바라보고 즐기는 아름다움의 대상으로 여겨지는 스이세키는 나무 받침대에 놓인 채 자연스러운 형태를 그대로 유지합니다.

스이세키의 단순함처럼, 동아시아 자연화의 일부 형태는 포함된 것보다 더 많은 것을 생략합니다. 관람객은 나머지를 상상합니다. 이는 다른 종류의 추상화입니다.

"거위와 갈대, 버드나무와 달." 6폭 병풍 한 쌍, 종이에 먹, 채색, 금박, 마루야마 오쿄(일본, 1733–1795). 뉴욕 메트로폴리탄 미술관 소장.

모든 사람이 자연에서 보는 것을 사실적으로든 추상적으로든 표현하려고 하는 것은 아닙니다. 어떤 예술가들에게는 자연을 구성하는 원재료를 직접 다루는 것이 다른 종류의 예술 작품을 탄생시킵니다. 영국의 조각가이자 사진작가, 그리고 환경운동가인 앤디 골즈워디가 바로 떠오릅니다.

앤디 골즈워디의 "우드 라인"(2011) . 샌프란시스코 프레시디오의 유칼립투스 숲을 따라 경사진 구불구불한 곡선을 그리며 배치된 유칼립투스 가지로 만들어졌습니다.
출처: http://www.for-site.org/project/goldsworthy-in-the-presidio-wood-line/

특히 2001년 다큐멘터리 영화 <강과 조류> 를 통해 대지 미술로 유명한 골즈워디는 바위, 잎, 꽃, 솔방울, 눈, 돌, 잔가지, 가시, 고드름 등을 활용하여 장소 특정적 순간의 조각품을 제작합니다. 그의 의도는 자연에 최대한 가까이 직접 참여하여 자연을 이해하는 것입니다. 그는 이렇게 설명합니다.

움직임, 변화, 빛, 성장, 그리고 쇠퇴는 자연의 생명력이며, 제가 작품을 통해 끌어내고자 하는 에너지입니다. 저는 촉각의 충격, 장소, 재료, 날씨의 저항, 그리고 제 근원인 지구가 필요합니다. 자연은 변화하는 상태이며, 그 변화가 이해의 열쇠입니다. 저는 제 예술이 재료, 계절, 날씨의 변화에 ​​민감하고 주의를 기울이기를 바랍니다. 모든 작품은 성장하고, 머물고, 쇠퇴합니다. 과정과 쇠퇴는 내재되어 있습니다. 제 작품 속 덧없음은 제가 자연에서 발견하는 것을 반영합니다. 제가 자연을 개선하려고 애쓸 수는 없습니다. 저는 단지 자연의 일부 과정에 참여함으로써 자연을 이해하려고 할 뿐입니다.

앤디 골드워디의 "터칭 노스 " (1989). 출처: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

앤디 골즈워디의 "녹색에서 노란색으로" (1980). 출처: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

앤디 골드워디의 일시적 설치 작품. 출처: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

최근 자연을 팔레트와 캔버스로 활용하는 다른 예술가들을 만났습니다. 예를 들어 이안 로스와 안드레스 아마도르는 모래를 다루죠. 로스는 갈퀴를 이용해 캘리포니아 해변에 거대한 무늬를 만듭니다. 썰물이 빠진 매끄러운 표면에 "조각"을 함으로써, 그만의 덧없고 비영구적인 예술 형태가 탄생합니다.

출처: http://ianrossart.com/project/installation/

출처: http://ianrossart.com/project/installation/

샌프란시스코 지역에서 안드레스 아마도르는 갈퀴를 사용하여 9,000제곱피트(약 10만 제곱미터)가 넘는 예술 작품을 만듭니다. 젖은 모래와 마른 모래를 오가며 몇 시간 동안 대조를 이루면, 조수가 모든 것을 씻어내고 사진 한 장과 기억만 남습니다.

출처: http://www.viralnova.com/beach-art/

출처: http://www.viralnova.com/beach-art/

어차피 모든 것은 무상하고, 우리 자신도 마찬가지인데, 결국 우리 역시 자연이기 때문에, 우리의 예술적 창작물이 살아남든 사라지든 상관없는가?

질문 및 의견:
자연환경 속에 있는 것이 당신의 예술적 감성에 어떤 영향을 미치나요?
그 경험을 스튜디오로 가져와 무의식적으로 받아들이시나요? 그 장면을 다시 포착하려고 노력하시나요?
야외에서 작업하시나요? 야외 그림을 그리시나요? 스케치나 사진을 보고 작업하시나요?
당신은 자연 풍경을 묘사한 예술을 선호하시나요, 아니면 추상적인 예술을 더 선호하시나요?
자연과의 관계를 생각할 때 어떤 예술가가 떠오르나요?

태평양의 일몰.