Kunstnere Og Natur

Jeg gikk bare ut en tur, og bestemte meg til slutt for å bli ute til solnedgang, for jeg oppdaget at det å gå ut egentlig var å gå inn . -- John Muir

Naturen trekker oss ut for å utforske, og sender oss deretter forsiktig innover for å reflektere. Som oftest ender vi opp med å føle oss bedre når vi ser på de øyeblikkelige endringene i havet, himmelen, fjellet, ørkenen, skogen, engen eller hagen. Vi kan bli imponert av den minste blomst, fugl eller insekt, muntret opp av et overflod av farger, fascinert av skapninger som leter etter mat eller en make, lullet ned av innkommende og utgående tidevann, de krusende sirklene i en innsjø eller en rislende bekk.

Solnedgang ved Stillehavet

Hvordan fanger vi som kunstnere den opplevelsen? Hvordan oversetter vi den visuelt, akustisk eller taktilt? Prøver vi å gjengi den så realistisk som mulig?

Da jeg nærmet meg følgende kunstverk ved The Clark Art Institute i Williamstown, Massachusetts, trodde jeg først det var et fotografi. Men det ga ikke mening, for jeg var i et galleri viet til europeisk kunst fra 1800-tallet. Da jeg kom nær nok til å ta en nøye titt, innså jeg at det faktisk er et oljemaleri. Før fotografiet tok over som konge av realismen, formidler de fine detaljene i representasjonen av den sveitsiske kunstneren Alexandre Calame (1810-1864) en håndgripelig følelse av landskapet.

"Elveleiet ved Rosenlaui sur Meyringen" (ca. 1862), av Alexandre Calame. Clark Art Institute, Williamstown, MA.

"Elveleiet ved Rosenlaui sur Meyringen" (ca. 1862), av Alexandre Calame. Clark Art Institute, Williamstown, MA.

Hvis vi ikke velger realismens eksakthet, abstraherer vi da scenen slik at den, selv om den ikke er gjenkjennelig, fortsatt formidler essensen av et landskap eller sjølandskap? Gjennom forskjellige typer strøk uskarpte impresjonistene detaljene og ga i stedet et «inntrykk», som i dette maleriet av den franske kunstneren Pierre-Auguste Renoir (1841–1919)

«Lavvann, Yport» (1883), av Pierre-Auguste Renoir. Clark-instituttet, Williamstown, MA.

Detalj av «Lavvann, Yport» (1883), av Pierre-Auguste Renoir. Clark Institute, Williamstown, MA.

Tendensen mot abstraksjon fortsatte enda sterkere på 1900-tallet. Den amerikanske kunstneren Arthur Garfield Dove (1880–1946) arbeidet med scener i det nordlige New York og utforsket hvordan man kunne skildre bevegelse. Som tittelkortet på Museum of Fine Arts i Boston beskriver: «Blå, grønt og gult resonnerer og harmoniserer i overlappende buer, og fyller et lerret punktert av trestammer som ser ut til å hoppe over horisonten.» Ville vi visst dette uten tittelen og beskrivelsen?

«Dancing Willows» (ca. 1944), av Arthur Garfield Dove. Museum of Fine Arts, Boston.

Den amerikanske maleren Joan Brown (1938–1990) presenterer en tykk, klumpete masse av malingstrøk i midten av sitt abstrakt ekspresjonistiske maleri «Brambles». Det er ikke engang det minste snev av representasjon, men følelsen er en av en nesten ugjennomtrengelig masse, slik vi møter faktiske brambles.

«Brambles» (1957), av Joan Brown. Oakland Museum of California.

Rundt om i verden avbildes naturen med maling, tre, leire, fibre, metall og mer. Resultatene kan være stiliserte, tradisjonelt urfolksinspirerte, klassiske, avantgarde, spesielle for et sted eller en tidsepoke.

«Høstutsikt» av Fiona Robertson. Maskin- og håndbroderi. Kilde: http://www.fionarobertsonartworks.co.uk/

Det finnes til og med en japansk steinkunst kjent som suiseki , påvirket av kinesiske lærdes steiner for mange århundrer siden. I motsetning til skulpturer er de ikke bevisst hugget for å gjenspeile landskap, men finnes intakte i elver, hav og karst. De er valgt på grunn av deres uttrykksevne gjennom form, farge og tekstur. Suiseki betraktes som vakre gjenstander som skal betraktes og nytes slik man ville samhandle med et maleri, og forblir uendret i sin naturlige form, men plassert i en trebase.

I likhet med enkelheten i suiseki, utelater noen former for østasiatisk naturmaleri mer enn de inkluderer; betrakteren forestiller seg resten. Det er en annen type abstraksjon.

«Gås og siv, pil og måne.» Par sekspanels brettbare skjermer; blekk, farge og gull på papir, av Maruyama ÅŒkyo (japansk, 1733–1795). Metropolitan Museum of Art, NY.

Ikke alle prøver å illustrere, verken realistisk eller abstrakt, det de ser i naturen. For noen kunstnere er det å faktisk jobbe direkte med råmaterialene som resulterer i en annen type kunst. Den britiske skulptøren, fotografen og miljøforkjemperen Andy Goldsworthy kommer umiddelbart til tankene.

«Wood Line» (2011), av Andy Goldsworthy . Laget av eukalyptusgrener lagt ut i en skrånende, slyngete kurve gjennom en eukalyptuslund i San Franciscos Presidio.
Kilde: http://www.for-site.org/project/goldsworthy-in-the-presidio-wood-line/

Goldsworthy er kjent for sin land art, spesielt gjennom dokumentarfilmen Rivers and Tides fra 2001, og skaper stedsspesifikke, flyktige skulpturer med steiner, blader, blomster, kongler, snø, stein, kvister, torner og istapper. Hans intensjon er å forstå naturen ved å delta direkte i den så intimt som mulig. Han forklarer:

Bevegelse, forandring, lys, vekst og forfall er naturens livsnerve, energiene jeg prøver å tappe ut gjennom arbeidet mitt. Jeg trenger sjokket av berøring, motstanden fra sted, materialer og vær, jorden som min kilde. Naturen er i en tilstand av forandring, og den forandringen er nøkkelen til forståelse. Jeg ønsker at kunsten min skal være følsom og årvåken for endringer i materiale, årstid og vær. Hvert verk vokser, forblir, forfaller. Prosess og forfall er implisitt. Forgjengelighet i arbeidet mitt gjenspeiler det jeg finner i naturen ... Jeg kunne umulig prøve å forbedre naturen. Jeg prøver bare å forstå den gjennom en involvering i noen av dens prosesser.

"Touching North " (1989), av Andy Goldworthy. Kilde: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

«Grønne til gule blader» (1980), av Andy Goldsworthy. Kilde: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Flyktig installasjon av Andy Goldworthy. Kilde: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Nylig kom jeg over andre kunstnere som bruker naturen som palett og lerret. For eksempel manipulerer Ian Ross og Andrés Amador sand. Ross jobber med en rive for å lage gigantiske design på strender i California. Ved å "skjære" inn i den glatte overflaten der tidevannet har trukket seg tilbake, oppstår hans egen type flyktig og forgjengelig kunstform.

Kilde: http://ianrossart.com/project/installation/

Kilde: http://ianrossart.com/project/installation/

I San Francisco-området bruker Andrés Amador også en rive for å lage kunstverk som kan være større enn 9 000 kvadratmeter. Etter at han har brukt timer på å utvikle kontraster gjennom våt og tørr sand, vasker tidevannet alt bort. Bare et fotografi og et minne gjenstår.

Kilde: http://www.viralnova.com/beach-art/

Kilde: http://www.viralnova.com/beach-art/

Gitt at alt uansett er forgjengelig, inkludert oss selv – vi er tross alt også natur – spiller det da noen rolle om våre kunstneriske kreasjoner lever videre eller forsvinner?

Spørsmål og kommentarer:
Hvordan påvirker det å være i et naturlig miljø din kunstneriske følsomhet?
Tar du med deg opplevelsen tilbake til studioet ditt og lar den påvirke deg ubevisst? Prøver du å gjenskape scenen?
Jobber du utendørs? Maler du ute i det fri? Arbeider du ut fra skisser og/eller fotografier?
Foretrekker du representativ kunst av naturlige scener, eller er du mer tilbøyelig til det abstrakte?
Hvilke kunstnere tenker man på på grunn av sitt forhold til naturen?

Solnedgang ved Stillehavet.