Artistas E Natureza

Saí apenas para dar uma caminhada e, por fim, decidi ficar fora até o pôr do sol, pois sair, descobri, era na verdade entrar . -- John Muir

A natureza nos convida a explorar e, em seguida, gentilmente nos conduz à reflexão interior. Muitas vezes, nos sentimos melhor ao contemplarmos as mudanças constantes no oceano, no céu, na montanha, no deserto, na floresta, no prado ou no jardim. Podemos nos maravilhar com a menor flor, pássaro ou inseto, nos alegrar com a profusão de cores, nos intrigar com criaturas em busca de alimento ou de um parceiro, nos embalar pelo fluxo e refluxo das marés, pelas ondulações em um lago ou pelo murmúrio de um riacho.

Pôr do sol no Oceano Pacífico

Como artistas, como capturamos essa experiência? Como a traduzimos visualmente, acusticamente ou tátilmente? Tentamos representá-la da forma mais realista possível?

Ao me aproximar da obra de arte a seguir no Clark Art Institute em Williamstown, Massachusetts, pensei inicialmente que fosse uma fotografia. Mas isso não fazia sentido, pois eu estava em uma galeria dedicada à arte europeia do século XIX. Quando me aproximei o suficiente para observá-la com atenção, percebi que, na verdade, era uma pintura a óleo. Antes que a fotografia se tornasse a rainha do realismo, os detalhes minuciosos da representação, criados pelo artista suíço Alexandre Calame (1810-1864), transmitem uma sensação palpável da paisagem.

"Leito do rio em Rosenlaui sur Meyringen" (c.1862), de Alexandre Calame. O Clark Art Institute, Williamstown, MA.

"Leito do rio em Rosenlaui sur Meyringen" (c.1862), de Alexandre Calame. O Clark Art Institute, Williamstown, MA.

Se não optarmos pela exatidão do realismo, abstraímos a cena de modo que, embora irreconhecível, ela ainda transmita a essência de uma paisagem ou marinha? Através de diferentes tipos de pinceladas, os impressionistas desfocaram os detalhes e, em vez disso, ofereceram uma "impressão", como nesta pintura do artista francês Pierre-Auguste Renoir (1841-1919).

"Maré Baixa, Yport" (1883), de Pierre-Auguste Renoir. Instituto Clark, Williamstown, MA.

Detalhe de "Maré Baixa, Yport" (1883), de Pierre-Auguste Renoir. The Clark Institute, Williamstown, MA.

A tendência à abstração continuou ainda mais forte no século XX. Trabalhando com cenas do interior do estado de Nova York, o artista americano Arthur Garfield Dove (1880-1946) explorou como representar o movimento. Como descreve a legenda da obra no Museu de Belas Artes de Boston: "Azuis, verdes e amarelos ressoam e harmonizam-se em arcos sobrepostos, preenchendo uma tela pontuada por troncos de árvores que parecem saltar acima do horizonte". Sem o título e a descrição, saberíamos disso?

"Salgueiros Dançantes" (c. 1944), de Arthur Garfield Dove. Museu de Belas Artes de Boston.

A pintora americana Joan Brown (1938-1990) apresenta uma massa espessa e densa de pinceladas no centro de sua pintura expressionista abstrata "Brambles" (Sarças). Não há sequer o menor indício de representação, mas a sensação é de uma massa quase impenetrável, como quando nos deparamos com sarças de verdade.

"Brambles" (1957), de Joan Brown. Museu de Oakland, Califórnia.

Em todo o mundo, a natureza é representada com tinta, madeira, argila, fibras, metal e muito mais. Os resultados podem ser estilizados, tradicionalmente indígenas, clássicos, vanguardistas, específicos de um lugar ou época.

"Vista de Outono", de Fiona Robertson. Bordado à máquina e à mão. Fonte: http://www.fionarobertsonartworks.co.uk/

Existe até uma arte japonesa em pedra conhecida como suiseki , influenciada pelas pedras esculpidas por estudiosos chineses de séculos atrás. Ao contrário da escultura, elas não são talhadas deliberadamente para refletir paisagens, mas são encontradas intactas em rios, oceanos e formações cársticas. São selecionadas por sua expressividade através da forma, cor e textura. Consideradas objetos de beleza para serem contemplados e apreciados como se interagisse com uma pintura, as suiseki permanecem inalteradas em sua forma natural, porém colocadas sobre uma base de madeira.

Assim como a simplicidade do suiseki, algumas formas de pintura da natureza no Leste Asiático omitem mais do que incluem; o espectador imagina o resto. É um tipo diferente de abstração.

"Ganso e Juncos, Salgueiro e Lua." Par de biombos dobráveis ​​de seis painéis; tinta, cor e ouro sobre papel, de Maruyama Ōkyo (japonês, 1733–1795). Metropolitan Museum of Art, Nova Iorque.

Nem todos tentam ilustrar, seja de forma realista ou abstrata, o que veem na natureza. Para alguns artistas, trabalhar diretamente com a matéria-prima é o que resulta em um tipo diferente de arte. O escultor, fotógrafo e ambientalista britânico Andy Goldsworthy é um exemplo que vem imediatamente à mente.

"Wood Line" (2011), de Andy Goldsworthy . Feita com galhos de eucalipto dispostos em uma curva sinuosa e inclinada através de um bosque de eucaliptos no Presidio de São Francisco.
Fonte: http://www.for-site.org/project/goldsworthy-in-the-presidio-wood-line/

Conhecido por sua arte na paisagem, especialmente através do documentário de 2001 "Rivers and Tides" , Goldsworthy cria esculturas efêmeras específicas para cada local, utilizando pedras, folhas, flores, pinhas, neve, galhos, espinhos e pingentes de gelo. Sua intenção é compreender a natureza participando dela da forma mais direta e íntima possível. Ele explica:

Movimento, mudança, luz, crescimento e decadência são a essência da natureza, as energias que tento acessar através do meu trabalho. Preciso do impacto do toque, da resistência do lugar, dos materiais e do clima, da terra como minha fonte. A natureza está em constante transformação e essa mudança é a chave para a compreensão. Quero que minha arte seja sensível e atenta às mudanças nos materiais, nas estações e no clima. Cada obra cresce, permanece, se decompõe. Processo e decadência são implícitos. A transitoriedade no meu trabalho reflete o que encontro na natureza... Eu não poderia tentar aprimorar a natureza. Estou apenas tentando compreendê-la através do envolvimento em alguns de seus processos.

"Touching North " (1989), de Andy Goldworthy. Fonte: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

"Folhas Verdes a Amarelas" (1980), de Andy Goldsworthy. Fonte: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Instalação efêmera de Andy Goldworthy. Fonte: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Recentemente, descobri outros artistas que utilizam a natureza como paleta e tela. Por exemplo, Ian Ross e Andrés Amador manipulam a areia. Ross trabalha com um ancinho para criar desenhos gigantescos em praias da Califórnia. Ao "esculpir" a superfície lisa onde a maré recuou, surge sua própria forma de arte efêmera e impermanente.

Fonte: http://ianrossart.com/project/installation/

Fonte: http://ianrossart.com/project/installation/

Na região de São Francisco, Andrés Amador também utiliza um rastelo para criar obras de arte que podem ultrapassar 9.300 metros quadrados. Depois de passar horas desenvolvendo o contraste entre a areia molhada e seca, a maré leva tudo embora. Restam apenas uma fotografia e uma lembrança.

Fonte: http://www.viralnova.com/beach-art/

Fonte: http://www.viralnova.com/beach-art/

Dado que tudo é impermanente, inclusive nós mesmos — afinal, nós também somos natureza —, importa se nossas criações artísticas perduram ou desaparecem?

Perguntas e comentários:
De que forma estar em um ambiente natural afeta sua sensibilidade artística?
Você leva essa experiência de volta para o seu estúdio e deixa que ela o influencie subconscientemente? Você tenta recriar a cena?
Você trabalha ao ar livre? Pinta ao ar livre? Trabalha a partir de esboços e/ou fotografias?
Você prefere arte figurativa de cenas da natureza ou se inclina mais para o abstrato?
Que artistas vêm à mente quando se fala da sua relação com a Natureza?

Pôr do sol no Oceano Pacífico.