Listamenn Og náttúran

Ég fór bara út að labba og ákvað að lokum að vera úti til sólseturs, því að ég komst að því að það að fara út var í raun að fara inn . -- John Muir

Náttúran dregur okkur út til að kanna og sendir okkur síðan blíðlega inn á við til að íhuga. Oftast líður okkur betur þegar við horfum á breytingarnar frá einni stund til annarrar í hafinu, himninum, fjöllunum, eyðimörkinni, skóginum, engjunum eða görðunum. Við gætum verið heilluð af minnstu blómi, fugli eða skordýri, hrifin af litríkum gnægð, heilluð af verum sem leita að fæðu eða maka, vaggað af sjávarföllum, öldum í vatni eða öldugangi lækjar.

Sólarlag við Kyrrahafið

Hvernig fangum við sem listamenn þessa upplifun? Hvernig túlkum við hana sjónrænt, hljóðlega eða áþreifanlega? Reynum við að gera hana eins raunverulega og mögulegt er?

Þegar ég nálgaðist eftirfarandi listaverk í Clark-listastofnuninni í Williamstown í Massachusetts hélt ég fyrst að þetta væri ljósmynd. En það var ekki rökrétt, því ég var staddur í galleríi sem helgað var evrópskri list 19. aldar. Þegar ég komst nógu nálægt til að skoða það vandlega áttaði ég mig á að þetta er í raun olíumálverk. Áður en ljósmyndun varð konungur raunsæisins, þá miðla fínlegar upplýsingar svissneska listamannsins Alexandre Calame (1810-1864) áþreifanlegri tilfinningu fyrir landslaginu.

"Riverbed at Rosenlaui sur Meyringen" (c.1862), eftir Alexandre Calame. Clark Art Institute, Williamstown, MA.

"Riverbed at Rosenlaui sur Meyringen" (c.1862), eftir Alexandre Calame. Clark Art Institute, Williamstown, MA.

Ef við veljum ekki nákvæmni raunsæisins, gerum við þá atriðið óhlutbundið þannig að þótt það sé ekki þekkjanlegt, þá miðlar það samt kjarna landslags eða sjávarmyndar? Með mismunandi gerðum af strokum þokuðu impressjónistarnir smáatriðin og buðu í staðinn upp á „ímynd“, eins og í þessari málverki eftir franska listamanninn Pierre-Auguste Renoir (1841-1919).

"Fjöru, Yport" (1883), eftir Pierre-Auguste Renoir. Clark-stofnunin, Williamstown, Massachusetts.

Smáatriði úr „Fjöru, Yport“ (1883) eftir Pierre-Auguste Renoir. Clark-stofnunin, Williamstown, Massachusetts.

Tilhneigingin til abstraktlistar hélt áfram enn sterkari á 20. öldinni. Bandaríski listamaðurinn Arthur Garfield Dove (1880-1946) vann með senur í norðurhluta New York-fylkis og kannaði hvernig hægt væri að lýsa hreyfingu. Eins og titill myndarinnar í Listasafninu í Boston lýsir: „Bláir, grænir og gulir litir óma og samræmast í bogum sem skarast og fylla striga sem er punktaður af trjástofnum sem virðast stökkva yfir sjóndeildarhringinn.“ Myndum við vita þetta án titilsins og lýsingarinnar?

"Dansandi víðir" (um 1944), eftir Arthur Garfield Dove. Listasafnið í Boston.

Bandaríska listmálarinn Joan Brown (1938-1990) sýnir þykkan, kekkjóttan massa af málningarstrokum í miðju abstrakt-expressjónískrar málverks síns „Brambles“. Það er ekki minnsti vísbending um eftirlíkingu, en samt er tilfinningin eins og um næstum ógegndræpan massa sé að ræða, eins og við mætum raunverulegum brauðþröngum.

"Bramblur" (1957), eftir Joan Brown. Oakland-safnið í Kaliforníu.

Um allan heim er náttúran lýst með málningu, tré, leir, trefjum, málmi og fleiru. Útkoman getur verið stílfærð, hefðbundin frumbyggjaverk, klassísk, framsækin, sértæk fyrir ákveðinn stað eða tíma.

„Haustsýn“ eftir Fionu Robertson. Vél- og handsaumuð. Heimild: http://www.fionarobertsonartworks.co.uk/

Það er jafnvel til japönsk steinlist sem kallast suiseki , undir áhrifum frá kínverskum fræðimönnum fyrir mörgum öldum. Ólíkt höggmyndum eru þær ekki vísvitandi höggnar til að endurspegla landslag, heldur finnast þær óskemmdar í ám, höfum og karstsvæðum. Þær eru valdar vegna tjáningarhæfileika sinna í formi, lita og áferðar. Suiseki eru taldar fegurðargripir sem ber að skoða og njóta eins og maður gæti haft samskipti við málverk, en eru óbreyttar í náttúrulegri mynd sinni, en settar á trégrunn.

Eins og einfaldleikinn í suiseki, þá sleppa sumar tegundir af náttúrumálverkum Austur-Asíu meira en þær innihalda; áhorfandinn ímyndar sér restina. Þetta er annars konar abstrakt.

„Gæs og reyr, víðir og tungl.“ Par af sexþættum samanbrjótanlegum skjám; blek, litur og gull á pappír, eftir Maruyama ÅŒkyo (japanska, 1733–1795). Metropolitan-listasafnið, New York.

Ekki allir reyna að lýsa, hvort sem er á raunsæjan eða óhlutbundinn hátt, því sem þeir sjá í náttúrunni. Fyrir suma listamenn er það að vinna beint með hráefni hennar sem leiðir til annars konar listar. Breski myndhöggvarinn, ljósmyndarinn og umhverfisverndarsinninn Andy Goldsworthy kemur strax upp í hugann.

„Wood Line“ (2011) eftir Andy Goldsworthy . Gert úr greinum úr eukalyptus sem lagðar eru í hallandi, bugðótta sveig í gegnum eukalyptuslund í Presidio í San Francisco.
Heimild: http://www.for-site.org/project/goldsworthy-in-the-presidio-wood-line/

Goldsworthy er þekktur fyrir landlist sína, sérstaklega fyrir heimildarmyndina Rivers and Tides frá árinu 2001, og býr til staðbundnar, skammvinnar skúlptúrar úr steinum, laufum, blómum, furukönglum, snjó, steinum, greinum, þyrnum og ísbjörnum. Markmið hans er að skilja náttúruna með því að taka þátt í henni eins náið og mögulegt er. Hann útskýrir:

Hreyfing, breytingar, ljós, vöxtur og hrörnun eru lífæð náttúrunnar, orkan sem ég reyni að nýta mér í gegnum verk mín. Ég þarf áfall snertingarinnar, viðnám staðar, efna og veðurs, jörðina sem uppsprettu mína. Náttúran er í breytingaástandi og sú breyting er lykillinn að skilningi. Ég vil að list mín sé næm og vakandi fyrir breytingum á efni, árstíðum og veðri. Hvert verk vex, varir, hrörnar. Ferli og hrörnun eru óbeint. Hverfulleiki í verkum mínum endurspeglar það sem ég finn í náttúrunni.... Ég gæti ekki mögulega reynt að bæta náttúruna. Ég er aðeins að reyna að skilja hana með þátttöku í sumum ferlum hennar.

"Að snerta norður " (1989), eftir Andy Goldworthy. Heimild: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

"Græn til gul lauf" (1980), eftir Andy Goldsworthy. Heimild: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Skammvinn innsetning eftir Andy Goldworthy. Heimild: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Nýlega rakst ég á aðra listamenn sem nota náttúruna sem litapallettu og striga. Til dæmis vinna Ian Ross og Andrés Amador með sand. Ross vinnur með hrífu til að búa til risavaxnar myndir á ströndum í Kaliforníu. Með því að „rista“ í slétt yfirborð þar sem sjávarföll hafa hörfað, kemur fram hans eigin tegund af hverfulri og óstöðugri listformi.

Heimild: http://ianrossart.com/project/installation/

Heimild: http://ianrossart.com/project/installation/

Á San Francisco-svæðinu notar Andrés Amador einnig hrífu til að búa til listaverk sem geta verið stærri en 9.500 fermetrar. Eftir að hafa eytt klukkustundum í að þróa andstæður í gegnum blautan og þurran sand, skolar sjávarföllin öllu burt. Aðeins ljósmynd og minning sitja eftir.

Heimild: http://www.viralnova.com/beach-art/

Heimild: http://www.viralnova.com/beach-art/

Þar sem allt er hvort eð er hverfult, þar á meðal við sjálf – við erum jú líka náttúran – skiptir þá máli hvort listsköpun okkar lifir áfram eða hverfur?

Spurningar og athugasemdir:
Hvernig hefur það áhrif á listræna næmni þína að vera í náttúrulegu umhverfi?
Færir þú upplifunina aftur inn í vinnustofuna þína og lætur hana hafa áhrif á þig ómeðvitað? Reynir þú að endurskapa senuna?
Vinnur þú utandyra? Málar þú úti í náttúrunni? Vinnur þú eftir skissum og/eða ljósmyndum?
Hefur þú frekar áhuga á að lýsa náttúrufegurð eða ert þú frekar tileinkaður því abstrakta?
Hvaða listamenn koma upp í hugann vegna tengsla sinna við náttúruna?

Sólarlag við Kyrrahafið.