Kunstnere Og Natur

Jeg gik kun en tur ud og besluttede mig til sidst for at blive ude til solnedgang, for jeg fandt ud af, at det at gå ud virkelig var at gå ind . -- John Muir

Naturen trækker os ud for at udforske, og sender os derefter blidt indad for at reflektere. Oftest ender vi med at føle os bedre tilpas, når vi betragter de øjeblikkelige ændringer i havet, himlen, bjerget, ørkenen, skoven, engen eller haven. Vi kan blive imponerede af den mindste blomst, fugl eller insekt, opmuntret af et overflod af farver, fascineret af skabninger, der leder efter mad eller en mage, lullet ned af tidevandet, de rislende cirkler i en sø eller en rislende bæk.

Solnedgang ved Stillehavet

Hvordan indfanger vi som kunstnere den oplevelse? Hvordan oversætter vi den visuelt, akustisk eller taktilt? Forsøger vi at gengive den så realistisk som muligt?

Da jeg nærmede mig følgende kunstværk på The Clark Art Institute i Williamstown, Massachusetts, troede jeg først, at det var et fotografi. Men det gav ikke mening, for jeg var i et galleri dedikeret til europæisk kunst fra det 19. århundrede. Da jeg kom tæt nok på til at se nærmere på det, indså jeg, at det faktisk er et oliemaleri. Før fotografiet overtog tronen inden for realismen, formidler de fine detaljer i repræsentationen udført af den schweiziske kunstner Alexandre Calame (1810-1864) en håndgribelig fornemmelse af landskabet.

"Flodleje ved Rosenlaui sur Meyringen" (ca. 1862), af Alexandre Calame. Clark Art Institute, Williamstown, MA.

"Flodleje ved Rosenlaui sur Meyringen" (ca. 1862), af Alexandre Calame. Clark Art Institute, Williamstown, MA.

Hvis vi ikke vælger realismens præcision, abstraherer vi så scenen, så den, selvom den ikke er genkendelig, stadig formidler essensen af ​​et landskab eller et havlandskab? Gennem forskellige slags penselstrøg slørede impressionisterne detaljerne og gav i stedet et "indtryk", som i dette maleri af den franske kunstner Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)

"Lavvande, Yport" (1883), af Pierre-Auguste Renoir. Clark Institute, Williamstown, MA.

Detalje af "Lavvande, Yport" (1883) af Pierre-Auguste Renoir. Clark Institute, Williamstown, MA.

Tendensen mod abstraktion fortsatte endnu stærkere i det 20. århundrede. Den amerikanske kunstner Arthur Garfield Dove (1880-1946) arbejdede med scener i det nordlige New York og udforskede, hvordan man kunne skildre bevægelse. Som titelkortet på Museum of Fine Arts i Boston beskriver: "Blå, grønne og gule farver resonerer og harmoniserer i overlappende buer og fylder et lærred, der er præget af træstammer, der synes at springe over horisonten." Ville vi vide dette uden titlen og beskrivelsen?

"Dansende Piletræer" (ca. 1944), af Arthur Garfield Dove. Museum of Fine Arts, Boston.

Den amerikanske maler Joan Brown (1938-1990) fremstiller en tyk, klumpet masse af malestrøg i midten af ​​sit abstrakte ekspressionistiske maleri "Brombusker". Der er ikke engang den mindste antydning af repræsentation, men alligevel er følelsen af ​​en næsten uigennemtrængelig masse, den måde vi møder faktiske brombusker.

"Brombusker" (1957), af Joan Brown. Oakland Museum i Californien.

Verden over er naturen afbildet med maling, træ, ler, fibre, metal og mere. Resultaterne kan være stiliserede, traditionelt indfødte, klassiske, avantgarde, specifikke for et sted eller en æra.

"Efterårsudsigt" af Fiona Robertson. Maskin- og håndbroderi. Kilde: http://www.fionarobertsonartworks.co.uk/

Der findes endda en japansk stenkunstform kendt som suiseki , inspireret af kinesiske lærdes sten fra mange århundreder siden. I modsætning til skulpturer er de ikke bevidst udskåret for at afspejle landskaber, men findes intakte i floder, oceaner og karst. De er udvalgt på grund af deres udtryksevne gennem form, farve og tekstur. Suiseki betragtes som smukke genstande, der skal betragtes og nydes på samme måde, som man interagerer med et maleri, og forbliver uændrede i deres naturlige form, men placeres i en træbase.

Ligesom suisekiens enkelhed udelader nogle former for østasiatisk naturmaleri mere, end de inkluderer; beskueren forestiller sig resten. Det er en anderledes form for abstraktion.

"Gås og siv, pil og måne." Par foldeskærme med seks paneler; blæk, farve og guld på papir, af Maruyama ÅŒkyo (japansk, 1733-1795). Metropolitan Museum of Art, NY.

Ikke alle forsøger at illustrere, hvad de ser i naturen, hverken realistisk eller abstrakt. For nogle kunstnere er det at arbejde direkte med dens råmaterialer, der resulterer i en anden form for kunst. Den britiske billedhugger, fotograf og miljøforkæmper Andy Goldsworthy kommer straks i tanke.

"Wood Line" (2011) af Andy Goldsworthy . Lavet af eukalyptusgrene lagt ud i en skrånende, bugtet kurve gennem en eukalyptuslund i San Franciscos Presidio.
Kilde: http://www.for-site.org/project/goldsworthy-in-the-presidio-wood-line/

Goldsworthy er kendt for sin land art, især gennem dokumentarfilmen Rivers and Tides fra 2001, og skaber stedsspecifikke, flygtige skulpturer med sten, blade, blomster, kogler, sne, sten, kviste, torne og istapper. Hans intention er at forstå naturen ved at deltage direkte i den så intimt som muligt. Han forklarer:

Bevægelse, forandring, lys, vækst og forfald er naturens livsnerve, de energier, jeg forsøger at tappe ind i mit arbejde. Jeg har brug for berøringens chok, stedets, materialernes og vejrets modstand, jorden som min kilde. Naturen er i en tilstand af forandring, og den forandring er nøglen til forståelse. Jeg ønsker, at min kunst skal være følsom og opmærksom på ændringer i materiale, årstid og vejr. Hvert værk vokser, forbliver, forfalder. Proces og forfald er implicitte. Forgængelighed i mit arbejde afspejler, hvad jeg finder i naturen.... Jeg kunne umuligt forsøge at forbedre naturen. Jeg forsøger kun at forstå den ved at engagere mig i nogle af dens processer.

"Touching North " (1989) af Andy Goldworthy. Kilde: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

"Grønne til gule blade" (1980), af Andy Goldsworthy. Kilde: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Flygtig installation af Andy Goldworthy. Kilde: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

For nylig stødte jeg på andre kunstnere, der bruger naturen som deres palet og lærred. For eksempel manipulerer Ian Ross og Andrés Amador sand. Ross arbejder med en rive for at lave gigantiske designs på strande i Californien. Ved at "skære" ind i den glatte overflade, hvor tidevandet har trukket sig tilbage, opstår hans egen type flygtig og forgængelig kunstform.

Kilde: http://ianrossart.com/project/installation/

Kilde: http://ianrossart.com/project/installation/

I San Francisco-området bruger Andrés Amador også en rive til at skabe kunstværker, der kan være større end 9.000 kvadratmeter. Efter at han har brugt timer på at udvikle kontraster gennem vådt og tørt sand, skyller tidevandet det hele væk. Kun et fotografi og et minde er tilbage.

Kilde: http://www.viralnova.com/beach-art/

Kilde: http://www.viralnova.com/beach-art/

I betragtning af at alt alligevel er forgængeligt, inklusive os selv – vi er trods alt også natur – betyder det så noget, om vores kunstneriske frembringelser lever videre eller forsvinder?

Spørgsmål og kommentarer:
Hvordan påvirker det at være i et naturligt miljø din kunstneriske sans?
Bringer du oplevelsen tilbage til dit studie og lader den påvirke dig ubevidst? Forsøger du at genskabe scenen?
Arbejder du udendørs? Maler du udendørs? Arbejder du ud fra skitser og/eller fotografier?
Foretrækker du repræsentationskunst af naturlige scener, eller hælder du mere til det abstrakte?
Hvilke kunstnere kommer i tanke på på grund af deres forhold til naturen?

Solnedgang ved Stillehavet.