Menininkai Ir Gamta

Išėjau tik pasivaikščioti ir galiausiai nusprendžiau pasilikti iki saulėlydžio, nes išėjimas, supratau, iš tikrųjų buvo ėjimas į vidų . – John Muir

Gamta mus traukia tyrinėti, o paskui švelniai siunčia vidun apmąstyti. Dažniausiai pasijuntame geriau žvelgdami į akimirksniu vykstančius vandenyno, dangaus, kalno, dykumos, miško, pievos ar sodo pokyčius. Mus gali sužavėti mažiausia gėlė, paukštis ar vabzdys, pradžiuginti spalvų gausa, suintriguoti maisto ar partnerio ieškantys padarai, užliūliuoti atoslūgiai ir atoslūgiai, ežero banguojantys ratai ar čiurlenantis upelis.

Saulėlydis Ramiajame vandenyne

Kaip mes, menininkai, užfiksuojame šią patirtį? Kaip ją perteikiame vizualiai, akustiškai ar lytėjimo būdu? Ar stengiamės ją perteikti kuo realiau?

Kai priėjau prie šio meno kūrinio Clarko meno institute Viljamstaune, Masačusetse, iš pradžių pamaniau, kad tai nuotrauka. Bet tai neturėjo prasmės, nes buvau galerijoje, skirtoje XIX amžiaus Europos menui. Kai priėjau pakankamai arti, kad galėčiau atidžiau įsižiūrėti, supratau, kad tai iš tikrųjų aliejinis paveikslas. Prieš fotografijai tampant realizmo karaliumi, šveicarų menininko Alexandre'o Calame'o (1810–1864) perteiktos smulkios vaizdavimo detalės perteikia apčiuopiamą kraštovaizdžio pojūtį.

„Upės vaga Rosenlaui sur Meyringen“ (apie 1862 m.), Alexandre'as Calame'as. Clark meno institutas, Williamstown, MA.

„Upės vaga Rosenlaui sur Meyringen“ (apie 1862 m.), Alexandre'as Calame'as. Clark meno institutas, Williamstown, MA.

Jei nepasirenkame realizmo tikslumo, ar abstrahuojame sceną taip, kad, nors ji ir neatpažįstama, vis tiek perteiktų peizažo ar jūros peizažo esmę? Įvairiais potėpiais impresionistai suliedavo detales ir vietoj to siūlydavo „įspūdį“, kaip šiame prancūzų menininko Pierre-Auguste Renoir (1841–1919) paveiksle.

„Atoslūgis, Yport“ (1883), Pierre-Auguste Renoir. Clarko institutas, Williamstown, Masačusetsas.

Pierre-Auguste Renoir paveikslo „Atoslūgis, Yport“ (1883 m.) detalė. Clarko institutas, Williamstown, Masačusetsas.

Abstrakcijos tendencija dar labiau išryškėjo XX amžiuje. Dirbdamas su scenomis Niujorko valstijos šiaurėje, amerikiečių menininkas Arthuras Garfieldas Dove'as (1880–1946) tyrinėjo, kaip pavaizduoti judesį. Kaip rašoma Bostono Dailės muziejaus tituliniame paveiksle: „Mėlyna, žalia ir geltona spalvos rezonuoja ir harmonizuoja persidengiančiais lankais, užpildydamos drobę, paryškintą medžių kamienais, kurie, regis, šoka virš horizonto.“ Ar be pavadinimo ir aprašymo mes tai žinotume?

„Šokantys gluosniai“ (apie 1944 m.), Arthur Garfield Dove. Dailės muziejus, Bostonas.

Amerikiečių tapytoja Joan Brown (1938–1990) savo abstrakčiojo ekspresionistinio paveikslo „Erškėčiai“ centre vaizduoja tirštą, sukrešėjusią dažų potėpių masę. Jame nėra nė menkiausios reprezentacijos užuominos, tačiau jausmas primena beveik neįveikiamą masę, tokią, kokią matome iš tikrų gervuogių.

„Brambles“ (1957), Joan Brown. Oklando muziejus, Kalifornija.

Visame pasaulyje gamta vaizduojama dažais, medžiu, moliu, pluoštu, metalu ir kitais elementais. Rezultatai gali būti stilizuoti, tradiciškai vietiniai, klasikiniai, avangardiniai, būdingi tam tikrai vietai ar epochai.

„Rudens vaizdas“, Fiona Robertson. Mašininis ir rankinis siuvinėjimas. Šaltinis: http://www.fionarobertsonartworks.co.uk/

Yra netgi japoniškas akmens menas, žinomas kaip suiseki , kuriam įtakos turėjo prieš daugelį amžių kinų mokslininkų uolienos. Skirtingai nuo skulptūrų, jie nėra specialiai raižyti, kad atspindėtų kraštovaizdžius, bet randami nepažeisti upėse, vandenynuose ir karste. Jie atrenkami dėl savo išraiškingumo per formą, spalvą ir tekstūrą. Suiseki laikomi grožio objektais, į kuriuos reikia žiūrėti ir mėgautis taip, kaip sąveikaujama su paveikslu, todėl jie lieka nepakeisti savo natūralia forma, bet dedami į medinį pagrindą.

Kaip ir suiseki paprastumas, kai kurios Rytų Azijos gamtos tapybos formos praleidžia daugiau nei įtraukia; žiūrovas įsivaizduoja likusią dalį. Tai kitokia abstrakcija.

„Žąsis ir nendrės, gluosnis ir mėnulis“. Pora šešių panelių sulankstomų širmų; rašalas, spalvos ir auksas ant popieriaus, Maruyama Œkyo (japonų k., 1733–1795). Metropoliteno meno muziejus, Niujorkas.

Ne visi bando iliustruoti, realistiškai ar abstrakčiai, tai, ką mato gamtoje. Kai kuriems menininkams tiesioginis darbas su jos žaliavomis sukuria kitokį meną. Iš karto į galvą ateina britų skulptorius, fotografas ir aplinkosaugininkas Andy Goldsworthy.

„Medžio linija“ (2011 m.), Andy Goldsworthy . Sukurta iš eukalipto šakų, išdėstytų nuožulnia, vingiuota kreive per eukaliptų giraitę San Francisko Presidio rajone.
Šaltinis: http://www.for-site.org/project/goldsworthy-in-the-presidio-wood-line/

Žinomas dėl savo žemės meno, ypač dėl 2001 m. dokumentinio filmo „ Upės ir potvyniai“ , Goldsworthy kuria vietai būdingas efemeriškas skulptūras su uolomis, lapais, gėlėmis, pušies kankorėžiais, sniegu, akmenimis, šakelėmis, spygliais ir varvekliais. Jo tikslas – suprasti gamtą, kuo labiau tiesiogiai joje dalyvaujant. Jis aiškina:

Judėjimas, kaita, šviesa, augimas ir irimas yra gamtos gyvybės šaltinis, energijos, kurias bandau panaudoti savo kūryboje. Man reikia prisilietimo šoko, vietos, medžiagų ir oro pasipriešinimo, žemės kaip mano šaltinio. Gamta yra pokyčių būsenoje, ir tie pokyčiai yra raktas į supratimą. Noriu, kad mano menas būtų jautrus ir budrus medžiagų, metų laikų ir oro pokyčiams. Kiekvienas kūrinys auga, išlieka, nyksta. Procesas ir irimas yra numanomi. Laikinumas mano kūryboje atspindi tai, ką randu gamtoje... Negalėčiau bandyti patobulinti gamtos. Aš tik bandau ją suprasti dalyvaudamas kai kuriuose jos procesuose.

„Prisilietimas prie šiaurės “ (1989 m.), autorius Andy Goldworthy. Šaltinis: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

„Žali į geltonus lapus“ (1980 m.), autorius Andy Goldsworthy. Šaltinis: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Trumpalaikė Andy Goldworthy instaliacija. Šaltinis: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Neseniai susidūriau su kitais menininkais, kurie gamtą naudoja kaip savo paletę ir drobę. Pavyzdžiui, Ianas Rossas ir Andrésas Amadoras manipuliuoja smėliu. Rossas grėbliu kuria milžiniškus piešinius Kalifornijos paplūdimiuose. „Išraižydamas“ lygų paviršių ten, kur nuslūgęs potvynis, jis sukuria savotišką efemerišką ir nepastovią meno formą.

Šaltinis: http://ianrossart.com/project/installation/

Šaltinis: http://ianrossart.com/project/installation/

San Francisko apylinkėse Andrés Amador taip pat naudoja grėblį, kad sukurtų meno kūrinius, kurie gali būti didesni nei 9 000 kv. m. Po to, kai jis valandų valandas kuria kontrastą šlapiame ir sausame smėlyje, potvynis viską nuplauna. Lieka tik nuotrauka ir prisiminimas.

Šaltinis: http://www.viralnova.com/beach-art/

Šaltinis: http://www.viralnova.com/beach-art/

Atsižvelgiant į tai, kad viskas yra laikina, įskaitant ir mus pačius – juk mes taip pat esame gamta – ar svarbu, ar mūsų meniniai kūriniai gyvuoja, ar išnyksta?

Klausimai ir komentarai:
Kaip buvimas natūralioje aplinkoje veikia jūsų meninį jautrumą?
Ar šią patirtį parsivežate į savo studiją ir leidžiate jai pasąmoningai jus paveikti? Ar bandote atkurti tą sceną?
Ar dirbate lauke? Tapote plenere? Dirbate pagal eskizus ir (arba) nuotraukas?
Ar jums labiau patinka gamtos vaizdų reprezentacinis menas, ar esate labiau linkęs į abstrakciją?
Kokie menininkai ateina į galvą dėl savo santykio su gamta?

Saulėlydis Ramiajame vandenyne.