Nghệ sĩ và Thiên nhiên

Tôi chỉ ra ngoài đi dạo, và cuối cùng quyết định ở lại cho đến khi mặt trời lặn, vì tôi thấy rằng ra ngoài thực sự là đi vào . -- John Muir

Thiên nhiên lôi kéo chúng ta khám phá, rồi nhẹ nhàng đưa ta vào sâu bên trong để suy ngẫm. Thông thường, ta cảm thấy dễ chịu hơn khi ngắm nhìn những thay đổi từng khoảnh khắc của đại dương, bầu trời, núi non, sa mạc, rừng cây, đồng cỏ hay khu vườn. Ta có thể kinh ngạc trước một bông hoa, một chú chim hay một loài côn trùng nhỏ bé, phấn khích trước muôn vàn sắc màu, thích thú trước những sinh vật đang tìm kiếm thức ăn hay bạn tình, ru ta trong tiếng thủy triều lên xuống, những vòng tròn gợn sóng trên mặt hồ, hay tiếng suối róc rách.

Hoàng hôn ở Thái Bình Dương

Là nghệ sĩ, chúng ta nắm bắt trải nghiệm đó như thế nào? Làm thế nào để truyền tải nó bằng hình ảnh, âm thanh hay xúc giác? Chúng ta có cố gắng thể hiện nó một cách chân thực nhất có thể không?

Khi tôi đến gần tác phẩm nghệ thuật sau đây tại Viện Nghệ thuật Clark ở Williamstown, Massachusetts, ban đầu tôi nghĩ đó là ảnh chụp. Nhưng điều đó không hợp lý, vì tôi đang ở trong một phòng trưng bày dành riêng cho nghệ thuật châu Âu thế kỷ 19. Khi đến đủ gần để xem xét kỹ lưỡng, tôi nhận ra đó thực ra là một bức tranh sơn dầu. Trước khi nhiếp ảnh lên ngôi vua của chủ nghĩa hiện thực, những chi tiết tinh tế được thể hiện bởi nghệ sĩ người Thụy Sĩ Alexandre Calame (1810-1864) đã truyền tải một cảm giác chân thực về phong cảnh.

“Lòng sông ở Rosenlaui sur Meyringen” (c.1862), bởi Alexandre Calame. Viện nghệ thuật Clark, Williamstown, MA.

“Lòng sông ở Rosenlaui sur Meyringen” (c.1862), bởi Alexandre Calame. Viện nghệ thuật Clark, Williamstown, MA.

Nếu chúng ta không chọn sự chính xác của chủ nghĩa hiện thực, liệu chúng ta có trừu tượng hóa cảnh vật để dù không thể nhận ra, nó vẫn truyền tải được bản chất của một phong cảnh hay cảnh biển? Thông qua các loại nét vẽ khác nhau, các họa sĩ Ấn tượng đã làm mờ các chi tiết và thay vào đó, tạo ra một "ấn tượng", như trong bức tranh này của họa sĩ người Pháp Pierre-Auguste Renoir (1841-1919).

"Thủy triều thấp, Yport" (1883), của Pierre-Auguste Renoir. Viện Clark, Williamstown, MA.

Chi tiết bức tranh "Thủy Triều Thấp, Yport" (1883) của Pierre-Auguste Renoir. Viện Clark, Williamstown, MA.

Xu hướng trừu tượng tiếp tục phát triển mạnh mẽ hơn nữa trong thế kỷ 20. Làm việc với các cảnh vật ở phía bắc New York, họa sĩ người Mỹ Arthur Garfield Dove (1880-1946) đã khám phá cách khắc họa chuyển động. Như tấm biển đề tại Bảo tàng Mỹ thuật Boston mô tả, "Màu xanh lam, xanh lá cây và vàng cộng hưởng và hòa hợp trong những cung tròn chồng chéo, lấp đầy một bức tranh được điểm xuyết bởi những thân cây dường như vươn lên khỏi đường chân trời." Nếu không có tiêu đề và mô tả, liệu chúng ta có biết điều này không?

"Những cây liễu nhảy múa" (khoảng năm 1944), của Arthur Garfield Dove. Bảo tàng Mỹ thuật, Boston.

Họa sĩ người Mỹ Joan Brown (1938-1990) đã thể hiện một khối nét vẽ dày đặc, vón cục ở trung tâm bức tranh "Mâm xôi" theo trường phái Biểu hiện Trừu tượng của bà. Không hề có chút biểu hiện nào, nhưng lại mang đến cảm giác về một khối gần như không thể xuyên thủng, giống như cách chúng ta nhìn thấy những bụi mâm xôi thực sự.

"Brambles" (1957), của Joan Brown. Bảo tàng Oakland, California.

Trên khắp thế giới, thiên nhiên được khắc họa bằng sơn, gỗ, đất sét, sợi, kim loại, v.v. Kết quả có thể mang tính cách điệu, mang đậm nét bản địa, cổ điển, tiên phong, đặc trưng cho một địa điểm hoặc thời đại.

"Autumn View" của Fiona Robertson. Thêu máy và thêu tay. Nguồn: http://www.fionarobertsonartworks.co.uk/

Thậm chí còn có một loại nghệ thuật đá Nhật Bản gọi là suiseki , chịu ảnh hưởng từ những tảng đá của học giả Trung Quốc từ nhiều thế kỷ trước. Khác với điêu khắc, suiseki không được chạm khắc một cách có chủ đích để phản ánh phong cảnh, mà được tìm thấy nguyên vẹn trong sông ngòi, đại dương và núi đá vôi. Chúng được lựa chọn vì tính biểu cảm của chúng qua hình dáng, màu sắc và kết cấu. Được coi là những vật thể đẹp đẽ để chiêm ngưỡng và thưởng thức như cách người ta tương tác với một bức tranh, suiseki vẫn giữ nguyên hình dạng tự nhiên của chúng, nhưng được đặt trong một đế gỗ.

Giống như sự giản dị của suiseki, một số hình thức hội họa thiên nhiên Đông Á bỏ qua nhiều thứ hơn là đưa vào; người xem tự tưởng tượng ra phần còn lại. Đó là một kiểu trừu tượng khác.

"Ngỗng và lau sậy, liễu và trăng." Cặp bình phong sáu tấm; mực, màu và vàng trên giấy, của Maruyama Œkyo (người Nhật, 1733–1795). Bảo tàng Nghệ thuật Metropolitan, New York.

Không phải ai cũng cố gắng minh họa, dù là hiện thực hay trừu tượng, những gì họ nhìn thấy trong tự nhiên. Đối với một số nghệ sĩ, việc thực sự làm việc trực tiếp với nguyên liệu thô của nó mới tạo nên một loại hình nghệ thuật khác biệt. Nhà điêu khắc, nhiếp ảnh gia và nhà hoạt động môi trường người Anh Andy Goldsworthy là một ví dụ điển hình.

"Wood Line" (2011), của Andy Goldsworthy . Tác phẩm được làm từ những cành bạch đàn xếp thành đường cong nghiêng uốn lượn xuyên qua một rừng bạch đàn ở Presidio, San Francisco.
Nguồn: http://www.for-site.org/project/goldsworthy-in-the-presidio-wood-line/

Nổi tiếng với nghệ thuật đất, đặc biệt là qua bộ phim tài liệu Rivers and Tides năm 2001, Goldsworthy tạo ra những tác phẩm điêu khắc phù du đặc trưng với đá, lá, hoa, quả thông, tuyết, đá, cành cây, gai và nhũ băng. Ý định của ông là thấu hiểu thiên nhiên bằng cách trực tiếp hòa mình vào nó một cách gần gũi nhất có thể. Ông giải thích:

Chuyển động, thay đổi, ánh sáng, sinh trưởng và suy tàn là mạch sống của thiên nhiên, những nguồn năng lượng mà tôi cố gắng khai thác thông qua tác phẩm của mình. Tôi cần sự va chạm, sức cản của địa điểm, vật liệu và thời tiết, và trái đất là nguồn sống của tôi. Thiên nhiên đang trong trạng thái thay đổi, và sự thay đổi đó là chìa khóa để thấu hiểu. Tôi muốn nghệ thuật của mình nhạy bén và cảnh giác với những thay đổi về vật liệu, mùa và thời tiết. Mỗi tác phẩm đều phát triển, tồn tại, rồi suy tàn. Quá trình và sự suy tàn đều tiềm ẩn. Tính nhất thời trong tác phẩm của tôi phản ánh những gì tôi tìm thấy trong thiên nhiên.... Tôi không thể nào cố gắng cải thiện Thiên nhiên. Tôi chỉ đang cố gắng hiểu nó bằng cách tham gia vào một số quá trình của nó.

"Touching North " (1989), của Andy Goldworthy. Nguồn: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

"Từ Lá Xanh Đến Lá Vàng" (1980), của Andy Goldsworthy. Nguồn: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Tác phẩm sắp đặt tạm thời của Andy Goldworthy. Nguồn: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Gần đây, tôi tình cờ gặp những nghệ sĩ khác sử dụng thiên nhiên làm bảng màu và khung vẽ. Ví dụ, Ian Ross và Andrés Amador thao tác trên cát. Ross dùng cào để tạo ra những thiết kế khổng lồ trên bãi biển California. Bằng cách "khắc họa" lên bề mặt nhẵn mịn nơi thủy triều rút, một loại hình nghệ thuật phù du và vô thường của riêng ông đã xuất hiện.

Nguồn: http://ianrossart.com/project/installation/

Nguồn: http://ianrossart.com/project/installation/

Ở khu vực San Francisco, Andrés Amador cũng sử dụng cào để tạo ra những tác phẩm nghệ thuật có thể rộng hơn 9.000 mét vuông. Sau hàng giờ đồng hồ tạo độ tương phản giữa cát ướt và cát khô, thủy triều đã cuốn trôi tất cả. Chỉ còn lại một bức ảnh và một kỷ niệm.

Nguồn: http://www.viralnova.com/beach-art/

Nguồn: http://www.viralnova.com/beach-art/

Cho dù mọi thứ đều vô thường, kể cả bản thân chúng ta - xét cho cùng, chúng ta cũng là thiên nhiên - thì liệu những sáng tạo nghệ thuật của chúng ta có tồn tại hay biến mất hay không có quan trọng không?

Câu hỏi & Bình luận:
Việc ở trong môi trường tự nhiên ảnh hưởng thế nào đến cảm quan nghệ thuật của bạn?
Bạn có mang trải nghiệm đó về studio và để nó truyền cảm hứng cho bạn một cách vô thức không? Bạn có cố gắng tái hiện lại khung cảnh đó không?
Bạn có làm việc ngoài trời không? Vẽ ngoài trời? Vẽ theo bản phác thảo và/hoặc ảnh chụp?
Bạn thích nghệ thuật miêu tả cảnh thiên nhiên hay thiên về nghệ thuật trừu tượng?
Nghệ sĩ nào được nhắc đến nhiều nhất khi nói về mối quan hệ của họ với Thiên nhiên?

Hoàng hôn ở Thái Bình Dương.