Künstler Und Natur

Ich ging nur spazieren und beschloss schließlich, bis zum Sonnenuntergang draußen zu bleiben, denn ich stellte fest, dass Rausgehen eigentlich ein Hineingehen war . – John Muir

Die Natur lädt uns zum Entdecken ein und lädt uns dann sanft zur inneren Einkehr ein. Meistens fühlen wir uns besser, wenn wir die Veränderungen im Meer, am Himmel, in den Bergen, in der Wüste, im Wald, auf der Wiese oder im Garten von Moment zu Moment betrachten. Wir können von der kleinsten Blume, dem kleinsten Vogel oder Insekt beeindruckt sein, von der Farbenpracht erfreut sein, von Lebewesen auf Nahrungs- oder Partnersuche fasziniert sein, von Ebbe und Flut, den plätschernden Kreisen eines Sees oder einem plätschernden Bach beruhigt sein.

Sonnenuntergang am Pazifik

Wie fangen wir als Künstler diese Erfahrung ein? Wie übersetzen wir sie visuell, akustisch oder taktil? Versuchen wir, sie so realistisch wie möglich wiederzugeben?

Als ich mich dem folgenden Kunstwerk im Clark Art Institute in Williamstown, Massachusetts, näherte, dachte ich zunächst, es handele sich um eine Fotografie. Doch das ergab keinen Sinn, denn ich befand mich in einer Galerie, die europäischer Kunst des 19. Jahrhunderts gewidmet war. Als ich näher kam, um es genauer zu betrachten, erkannte ich, dass es sich tatsächlich um ein Ölgemälde handelte. Bevor die Fotografie die Oberhand über den Realismus gewann, vermittelten die feinen Details der Darstellung des Schweizer Künstlers Alexandre Calame (1810–1864) ein greifbares Gefühl für die Landschaft.

„Flussbett bei Rosenlaui sur Meyringen“ (um 1862), von Alexandre Calame. Das Clark Art Institute, Williamstown, MA.

„Flussbett bei Rosenlaui sur Meyringen“ (um 1862), von Alexandre Calame. Das Clark Art Institute, Williamstown, MA.

Wenn wir uns nicht für die Genauigkeit des Realismus entscheiden, abstrahieren wir dann die Szene, sodass sie zwar nicht wiederzuerkennen ist, aber dennoch die Essenz einer Landschaft oder eines Meeresbildes vermittelt? Durch verschiedene Striche verwischten die Impressionisten die Details und vermittelten stattdessen einen „Eindruck“, wie in diesem Gemälde des französischen Künstlers Pierre-Auguste Renoir (1841–1919).

„Ebbe, Yport“ (1883) von Pierre-Auguste Renoir. The Clark Institute, Williamstown, MA.

Detail von „Ebbe, Yport“ (1883) von Pierre-Auguste Renoir. The Clark Institute, Williamstown, MA.

Der Trend zur Abstraktion setzte sich im 20. Jahrhundert noch stärker fort. Der amerikanische Künstler Arthur Garfield Dove (1880–1946) erforschte anhand von Szenen aus dem Norden des Staates New York die Darstellung von Bewegung. Wie die Titelkarte im Museum of Fine Arts in Boston beschreibt, „schwingen Blau-, Grün- und Gelbtöne in sich überlappenden Bögen und harmonieren miteinander. Sie füllen eine Leinwand, die von Baumstämmen unterbrochen wird, die über den Horizont zu springen scheinen.“ Hätten wir das ohne Titel und Beschreibung gewusst?

„Tanzende Weiden“ (ca. 1944) von Arthur Garfield Dove. Museum of Fine Arts, Boston.

Die amerikanische Malerin Joan Brown (1938–1990) präsentiert in ihrem abstrakt-expressionistischen Gemälde „Brambles“ eine dicke, klumpige Masse aus Pinselstrichen. Es ist nicht der geringste Anflug einer Repräsentation erkennbar, dennoch vermittelt das Bild den Eindruck einer fast undurchdringlichen Masse, ähnlich wie wir echten Brombeeren begegnen.

„Brombeeren“ (1957) von Joan Brown. Oakland Museum of California.

Auf der ganzen Welt wird die Natur mit Farbe, Holz, Ton, Fasern, Metall und vielem mehr dargestellt. Die Ergebnisse können stilisiert, traditionell einheimisch, klassisch, avantgardistisch oder orts- oder zeitspezifisch sein.

„Autumn View“ von Fiona Robertson. Maschinen- und Handstickerei. Quelle: http://www.fionarobertsonartworks.co.uk/

Es gibt sogar eine japanische Steinkunst namens Suiseki , die von den Steinen chinesischer Gelehrter vor vielen Jahrhunderten beeinflusst wurde. Im Gegensatz zu Skulpturen werden sie nicht absichtlich so geformt, dass sie Landschaften widerspiegeln, sondern man findet sie intakt in Flüssen, Meeren und Karstgebieten. Sie werden aufgrund ihrer Ausdruckskraft durch Form, Farbe und Textur ausgewählt. Suiseki gelten als Objekte der Schönheit, die man betrachten und genießen sollte, wie man mit einem Gemälde interagiert. Sie bleiben in ihrer natürlichen Form unverändert, werden jedoch auf einem Holzsockel platziert.

Ähnlich der Einfachheit des Suiseki lassen manche Formen der ostasiatischen Naturmalerei mehr weg, als sie einschließen; den Rest stellt sich der Betrachter vor. Es handelt sich um eine andere Art der Abstraktion.

„Gans und Schilf, Weide und Mond.“ Paar sechsteiliger Paravents; Tusche, Farbe und Gold auf Papier, von Maruyama ÅŒkyo (Japaner, 1733–1795). Metropolitan Museum of Art, NY.

Nicht jeder versucht, das, was er in der Natur sieht, realistisch oder abstrakt darzustellen. Manche Künstler arbeiten direkt mit den Rohstoffen und schaffen so eine andere Art von Kunst. Der britische Bildhauer, Fotograf und Umweltschützer Andy Goldsworthy kommt einem da sofort in den Sinn.

„Wood Line“ (2011) von Andy Goldsworthy . Hergestellt aus Eukalyptuszweigen, die in einer schrägen, gewundenen Kurve durch einen Eukalyptushain im Presidio von San Francisco verlaufen.
Quelle: http://www.for-site.org/project/goldsworthy-in-the-presidio-wood-line/

Goldsworthy ist für seine Land-Art-Kunst bekannt, insbesondere durch den Dokumentarfilm „Rivers and Tides“ aus dem Jahr 2001. Er schafft ortsspezifische, vergängliche Skulpturen aus Steinen, Blättern, Blumen, Tannenzapfen, Schnee, Steinen, Zweigen, Dornen und Eiszapfen. Seine Absicht ist es, die Natur zu verstehen, indem er so intensiv wie möglich an ihr teilnimmt. Er erklärt:

Bewegung, Veränderung, Licht, Wachstum und Verfall sind das Lebenselixier der Natur, die Energien, die ich durch meine Arbeit zu erschließen versuche. Ich brauche den Schock der Berührung, den Widerstand von Ort, Material und Wetter, die Erde als meine Quelle. Die Natur ist im Wandel begriffen, und dieser Wandel ist der Schlüssel zum Verständnis. Ich möchte, dass meine Kunst sensibel und aufmerksam auf Veränderungen von Material, Jahreszeit und Wetter reagiert. Jedes Werk wächst, bleibt, vergeht. Prozess und Verfall sind implizit. Die Vergänglichkeit meiner Arbeit spiegelt wider, was ich in der Natur finde … Ich könnte unmöglich versuchen, die Natur zu verbessern. Ich versuche sie nur zu verstehen, indem ich mich an einigen ihrer Prozesse beteilige.

„Touching North “ (1989) von Andy Goldworthy. Quelle: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

„Green to Yellow Leaves“ (1980) von Andy Goldsworthy. Quelle: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Ephemere Installation von Andy Goldworthy. Quelle: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Kürzlich bin ich auf andere Künstler gestoßen, die die Natur als Palette und Leinwand nutzen. Ian Ross und Andrés Amador beispielsweise bearbeiten Sand. Ross arbeitet mit einem Rechen und kreiert riesige Muster an kalifornischen Stränden. Indem er die glatte Oberfläche dort „schnitzt“, wo die Flut zurückgegangen ist, entsteht seine eigene Art flüchtiger und vergänglicher Kunstform.

Quelle: http://ianrossart.com/project/installation/

Quelle: http://ianrossart.com/project/installation/

Auch Andrés Amador in der Gegend von San Francisco verwendet einen Rechen, um Kunstwerke zu schaffen, die über 9.000 Quadratmeter groß sein können. Nachdem er stundenlang versucht hat, durch nassen und trockenen Sand Kontraste zu erzeugen, spült die Flut alles weg. Zurück bleiben nur ein Foto und eine Erinnerung.

Quelle: http://www.viralnova.com/beach-art/

Quelle: http://www.viralnova.com/beach-art/

Wenn man bedenkt, dass alles, einschließlich uns selbst, vergänglich ist – schließlich sind auch wir Natur –, spielt es dann eine Rolle, ob unsere künstlerischen Schöpfungen weiterleben oder verschwinden?

Fragen & Kommentare:
Wie beeinflusst der Aufenthalt in einer natürlichen Umgebung Ihr künstlerisches Empfinden?
Bringen Sie das Erlebte mit in Ihr Studio und lassen Sie es unbewusst auf sich wirken? Versuchen Sie, die Szene wieder einzufangen?
Arbeiten Sie im Freien? Malen Sie im Freien? Arbeiten Sie nach Skizzen und/oder Fotos?
Bevorzugen Sie gegenständliche Kunst mit Naturszenen oder neigen Sie eher zum Abstrakten?
Welche Künstler fallen Ihnen aufgrund ihrer Beziehung zur Natur ein?

Sonnenuntergang am Pazifik.