ศิลปินและธรรมชาติ

ฉันออกไปเดินเล่นเท่านั้น และในที่สุดก็ตัดสินใจอยู่ข้างนอกจนถึงพระอาทิตย์ตก เพราะฉันพบว่าการออกไปข้างนอกนั้นเหมือนเป็นการเข้าไปข้างในจริงๆ -- จอห์น มิวร์

ธรรมชาติดึงดูดเราให้ออกไปสำรวจ แล้วค่อยๆ ส่งเราเข้าไปภายในเพื่อไตร่ตรอง บ่อยครั้งที่เรารู้สึกดีขึ้นเมื่อได้จ้องมองความเปลี่ยนแปลงที่เกิดขึ้นในแต่ละขณะของมหาสมุทร ท้องฟ้า ภูเขา ทะเลทราย ป่าไม้ ทุ่งหญ้า หรือสวน เราอาจจะรู้สึกตื่นตาตื่นใจกับดอกไม้ นก หรือแมลงตัวเล็กๆ ชื่นชมกับสีสันอันสดใส ตื่นตาตื่นใจกับสิ่งมีชีวิตที่กำลังมองหาอาหารหรือคู่ครอง ดื่มด่ำกับเสียงน้ำขึ้นน้ำลง ระลอกคลื่นในทะเลสาบ หรือเสียงลำธารที่ไหลเอื่อยๆ

พระอาทิตย์ตกที่มหาสมุทรแปซิฟิก

ในฐานะศิลปิน เราจะบันทึกประสบการณ์นั้นไว้ได้อย่างไร เราจะถ่ายทอดมันออกมาทางภาพ เสียง หรือสัมผัสได้อย่างไร เราพยายามถ่ายทอดมันออกมาให้สมจริงที่สุดเท่าที่จะทำได้หรือไม่

เมื่อผมเข้าไปดูผลงานศิลปะชิ้นต่อไปนี้ที่สถาบันศิลปะคลาร์กในเมืองวิลเลียมส์ทาวน์ รัฐแมสซาชูเซตส์ ตอนแรกผมคิดว่ามันเป็นภาพถ่าย แต่นั่นก็ไม่สมเหตุสมผล เพราะผมอยู่ในแกลเลอรีที่จัดแสดงศิลปะยุโรปสมัยศตวรรษที่ 19 เมื่อเข้าไปใกล้พอที่จะพิจารณาอย่างละเอียด ผมก็รู้ว่าที่จริงแล้วมันคือภาพวาดสีน้ำมัน ก่อนที่การถ่ายภาพจะก้าวขึ้นเป็นราชาแห่งสัจนิยม รายละเอียดอันประณีตของการนำเสนอผลงานโดยอเล็กซานเดอร์ คาลาเม (1810-1864) ศิลปินชาวสวิส ได้ถ่ายทอดความรู้สึกที่จับต้องได้ของภูมิทัศน์

“แม่น้ำที่ Rosenlaui sur Meyringen” (ประมาณปี 1862) โดย Alexandre Calame สถาบันศิลปะคลาร์ก, วิลเลียมส์ทาวน์, แมสซาชูเซตส์

“แม่น้ำที่ Rosenlaui sur Meyringen” (ประมาณปี 1862) โดย Alexandre Calame สถาบันศิลปะคลาร์ก, วิลเลียมส์ทาวน์, แมสซาชูเซตส์

หากเราไม่เลือกความสมจริงอย่างแท้จริง เราจะสร้างภาพนามธรรมเพื่อให้แม้ภาพจะดูไม่คุ้นเคย แต่ก็ยังคงถ่ายทอดแก่นแท้ของทิวทัศน์หรือท้องทะเลได้หรือไม่? กลุ่มอิมเพรสชันนิสม์ใช้เทคนิคการลงสีที่หลากหลายเพื่อเบลอรายละเอียดต่างๆ และนำเสนอ "ความประทับใจ" แทน ดังเช่นภาพวาดชิ้นนี้ของศิลปินชาวฝรั่งเศส ปิแอร์-ออกุสต์ เรอนัวร์ (1841-1919)

"Low Tide, Yport" (1883) โดย ปิแอร์-ออกุสต์ เรอนัวร์ สถาบันคลาร์ก วิลเลียมส์ทาวน์ รัฐแมสซาชูเซตส์

รายละเอียดของ "Low Tide, Yport" (1883) โดย Pierre-Auguste Renoir สถาบัน Clark เมือง Williamstown รัฐแมสซาชูเซตส์

แนวโน้มที่มุ่งสู่ศิลปะนามธรรมยังคงแข็งแกร่งยิ่งขึ้นในศตวรรษที่ 20 อาร์เธอร์ การ์ฟิลด์ โดฟ (1880-1946) ศิลปินชาวอเมริกัน ได้ศึกษาวิธีการถ่ายทอดภาพการเคลื่อนไหวจากฉากต่างๆ ทางตอนเหนือของรัฐนิวยอร์ก ดังที่บัตรชื่อเรื่องของพิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์ในบอสตันได้อธิบายไว้ว่า "สีน้ำเงิน สีเขียว และสีเหลือง สะท้อนและกลมกลืนกันเป็นเส้นโค้งที่ซ้อนทับกัน เติมเต็มผืนผ้าใบที่ประดับประดาด้วยลำต้นไม้ที่ดูเหมือนพุ่งทะยานเหนือขอบฟ้า" หากปราศจากชื่อเรื่องและคำบรรยาย เราจะรู้ได้อย่างไร

"ต้นหลิวเต้นรำ" (ราวปี 1944) โดย อาร์เธอร์ การ์ฟิลด์ โดฟ พิพิธภัณฑ์ศิลปะบอสตัน

โจน บราวน์ (พ.ศ. 2481-2533) จิตรกรชาวอเมริกัน นำเสนอภาพ "Brambles" ซึ่งเป็นภาพลายเส้นสีที่หนาและจับตัวเป็นก้อน แม้จะไม่ได้แสดงถึงการเป็นตัวแทนใดๆ เลย แต่กลับให้ความรู้สึกถึงมวลสีที่แทบจะทะลุผ่านไม่ได้ เหมือนกับที่เราพบเห็นต้นหนามจริงๆ

"Brambles" (1957) โดย Joan Brown พิพิธภัณฑ์โอ๊คแลนด์แห่งแคลิฟอร์เนีย

ทั่วโลก ธรรมชาติถูกถ่ายทอดผ่านสี ไม้ ดินเหนียว เส้นใย โลหะ และอื่นๆ ผลลัพธ์ที่ได้อาจเป็นสไตล์เฉพาะตัว แบบดั้งเดิม แบบดั้งเดิม คลาสสิก แนวอาวองการ์ด หรือเฉพาะเจาะจงตามสถานที่หรือยุคสมัย

"Autumn View" โดย Fiona Robertson งานปักด้วยจักรและปักมือ ที่มา: http://www.fionarobertsonartworks.co.uk/

แม้แต่ศิลปะหินของญี่ปุ่นที่รู้จักกันในชื่อ ซุยเซกิ ก็ยังมีผลงานศิลปะหิน ซึ่งได้รับอิทธิพลจากหินของนักปราชญ์ชาวจีนเมื่อหลายศตวรรษก่อน ต่างจากงานประติมากรรม ซุยเซกิไม่ได้ถูกแกะสลักอย่างจงใจเพื่อสะท้อนภาพทิวทัศน์ แต่ยังคงสภาพสมบูรณ์ในแม่น้ำ มหาสมุทร และหินปูน ซุยเซกิถูกเลือกสรรด้วยความสามารถในการถ่ายทอดอารมณ์ผ่านรูปทรง สีสัน และพื้นผิว ซุยเซกิ ถือเป็นวัตถุแห่งความงามที่ผู้คนสามารถมองและชื่นชมได้ราวกับได้สัมผัสกับภาพวาด โดยยังคงรูปทรงตามธรรมชาติไว้อย่างครบถ้วน แต่ถูกจัดวางบนฐานไม้

เช่นเดียวกับความเรียบง่ายของ ซุยเซกิ ภาพวาดธรรมชาติบางรูปแบบในเอเชียตะวันออกก็ละเลยมากกว่าที่จะรวมเอาไว้ ผู้ชมจึงจินตนาการส่วนที่เหลือ มันเป็นงานนามธรรมอีกแบบหนึ่ง

"ห่านและกก ต้นหลิวและพระจันทร์" ฉากพับหกแผ่นคู่ หมึก สี และทองบนกระดาษ โดย มารุยามะ โอะเกียว (ชาวญี่ปุ่น ค.ศ. 1733–1795) พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิทัน นิวยอร์ก

ไม่ใช่ทุกคนที่พยายามจะวาดภาพสิ่งที่เห็นในธรรมชาติ ไม่ว่าจะในเชิงสมจริงหรือเชิงนามธรรม สำหรับศิลปินบางคน การทำงานโดยตรงกับวัตถุดิบต่างหากที่ก่อให้เกิดงานศิลปะอีกแบบหนึ่ง แอนดี โกลด์สเวิร์ธี้ ประติมากร ช่างภาพ และนักอนุรักษ์สิ่งแวดล้อมชาวอังกฤษ ผุดขึ้นมาในใจทันที

"Wood Line" (2011) โดย แอนดี้ โกลด์สเวิร์ ธี ทำจากกิ่งยูคาลิปตัสที่เรียงตัวเป็นเส้นโค้งคดเคี้ยวผ่านดงยูคาลิปตัสในย่านเพรสซิดิโอ ซานฟรานซิสโก
ที่มา: http://www.for-site.org/project/goldsworthy-in-the-presidio-wood-line/

โกลด์สเวิร์ธีมีชื่อเสียงด้านศิลปะแผ่นดิน โดยเฉพาะอย่างยิ่งจากภาพยนตร์สารคดีปี 2001 เรื่อง Rivers and Tides เขาสร้างสรรค์ประติมากรรมชั่วคราวเฉพาะพื้นที่ด้วยหิน ใบไม้ ดอกไม้ ลูกสน หิมะ หิน กิ่งไม้ หนาม และน้ำแข็งย้อย ความตั้งใจของเขาคือการทำความเข้าใจธรรมชาติโดยการมีส่วนร่วมกับธรรมชาติโดยตรงให้มากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ เขาอธิบายว่า:

การเคลื่อนไหว การเปลี่ยนแปลง แสงสว่าง การเติบโต และการเสื่อมสลาย คือสายเลือดแห่งธรรมชาติ เป็นพลังงานที่ฉันพยายามดึงผ่านผลงานของฉัน ฉันต้องการแรงสั่นสะเทือนจากการสัมผัส แรงต้านทานจากสถานที่ วัสดุ และสภาพอากาศ และผืนดินเป็นแหล่งกำเนิด ธรรมชาติกำลังอยู่ในภาวะเปลี่ยนแปลง และการเปลี่ยนแปลงนี้คือกุญแจสู่ความเข้าใจ ฉันต้องการให้งานศิลปะของฉันมีความละเอียดอ่อนและตื่นตัวต่อการเปลี่ยนแปลงของวัสดุ ฤดูกาล และสภาพอากาศ ผลงานแต่ละชิ้นเติบโต คงอยู่ และเสื่อมสลาย กระบวนการและความเสื่อมสลายเป็นสิ่งที่แฝงอยู่ ความไม่จีรังในผลงานของฉันสะท้อนถึงสิ่งที่ฉันพบเห็นในธรรมชาติ... ฉันไม่สามารถพยายามพัฒนาธรรมชาติให้ดีขึ้นได้ ฉันเพียงพยายามทำความเข้าใจธรรมชาติด้วยการเข้าไปมีส่วนร่วมในกระบวนการบางอย่างของมัน

"Touching North " (1989) โดย แอนดี้ โกลด์เวิร์ธี ที่มา: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

"ใบไม้เขียวสู่ใบไม้เหลือง" (1980) โดย แอนดี้ โกลด์สเวิร์ธี ที่มา: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

ผลงานจัดวางชั่วคราวโดย Andy Goldworthy ที่มา: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

เมื่อไม่นานมานี้ ฉันได้พบกับศิลปินท่านอื่นๆ ที่ใช้ธรรมชาติเป็นจานสีและผืนผ้าใบ ยกตัวอย่างเช่น เอียน รอสส์ และอันเดรส อมาดอร์ ที่ใช้ทรายเป็นสื่อกลาง รอสส์ใช้คราดสร้างลวดลายขนาดยักษ์บนชายหาดในแคลิฟอร์เนีย โดยการ "แกะสลัก" ลงบนพื้นผิวเรียบที่น้ำลด ทำให้เกิดรูปแบบศิลปะอันไม่จีรังและยั่งยืนในแบบฉบับของเขาเอง

ที่มา: http://ianrossart.com/project/installation/

ที่มา: http://ianrossart.com/project/installation/

ในพื้นที่ซานฟรานซิสโก อันเดรส อมาดอร์ ยังใช้คราดสร้างงานศิลปะขนาดใหญ่กว่า 100,000 ตารางฟุตอีกด้วย หลังจากที่เขาใช้เวลาหลายชั่วโมงในการสร้างคอนทราสต์ระหว่างทรายเปียกและทรายแห้ง กระแสน้ำก็พัดพาเอาทุกอย่างไปจนหมด เหลือเพียงภาพถ่ายและความทรงจำ

ที่มา: http://www.viralnova.com/beach-art/

ที่มา: http://www.viralnova.com/beach-art/

เมื่อพิจารณาว่าทุกสิ่งทุกอย่างล้วนไม่เที่ยงอยู่แล้ว รวมทั้งตัวเราเองด้วย เพราะท้ายที่สุดแล้ว เราก็เป็นธรรมชาติเช่นกัน เหตุใดผลงานศิลปะที่เราสร้างสรรค์ขึ้นจึงยังคงอยู่หรือสูญหายไป?

คำถามและความคิดเห็น:
การอยู่ท่ามกลางธรรมชาติส่งผลต่อความรู้สึกทางศิลปะของคุณอย่างไร?
คุณนำประสบการณ์นั้นกลับมาที่สตูดิโอของคุณ และปล่อยให้มันบอกคุณโดยไม่รู้ตัวหรือเปล่า? คุณพยายามบันทึกภาพเหตุการณ์นั้นไว้หรือเปล่า?
คุณทำงานกลางแจ้งไหม? วาดภาพนอกสถานที่ไหม? ทำงานจากภาพร่างและ/หรือภาพถ่ายหรือเปล่า?
คุณชอบศิลปะที่เน้นการแสดงฉากธรรมชาติหรือคุณชอบแบบนามธรรมมากกว่า?
ศิลปินนึกถึงความสัมพันธ์แบบใดกับธรรมชาติ?

พระอาทิตย์ตกที่มหาสมุทรแปซิฟิก