Je suis juste sorti pour une promenade, et j'ai finalement décidé de rester dehors jusqu'au coucher du soleil, car sortir, j'ai découvert, c'était en fait rentrer . -- John Muir
La nature nous invite à explorer, puis nous invite doucement à la réflexion intérieure. Le plus souvent, nous nous sentons mieux en contemplant les changements instantanés de l'océan, du ciel, de la montagne, du désert, de la forêt, de la prairie ou du jardin. Nous pouvons être émerveillés par la plus petite fleur, le plus petit oiseau ou le plus petit insecte, égayés par une profusion de couleurs, intrigués par des créatures en quête de nourriture ou d'un partenaire, bercés par les marées montantes et descendantes, les ondulations d'un lac ou le murmure d'un ruisseau.
Coucher de soleil sur l'océan Pacifique
En tant qu'artistes, comment capturons-nous cette expérience ? Comment la traduisons-nous visuellement, acoustiquement ou tactilement ? Essayons-nous de la restituer de la manière la plus réaliste possible ?
Lorsque j'ai approché l'œuvre suivante au Clark Art Institute de Williamstown, dans le Massachusetts, j'ai d'abord cru qu'il s'agissait d'une photographie. Mais cela n'avait aucun sens, car je me trouvais dans une galerie consacrée à l'art européen du XIXe siècle. En m'approchant suffisamment pour l'observer attentivement, j'ai réalisé qu'il s'agissait en réalité d'une peinture à l'huile. Avant que la photographie ne s'impose comme reine du réalisme, les détails précis de la représentation de l'artiste suisse Alexandre Calame (1810-1864) transmettent une impression palpable du paysage.
"Lit de rivière à Rosenlaui sur Meyringen" (vers 1862), d'Alexandre Calame. Le Clark Art Institute, Williamstown, MA.
"Lit de rivière à Rosenlaui sur Meyringen" (vers 1862), d'Alexandre Calame. Le Clark Art Institute, Williamstown, MA.
Si nous ne choisissons pas l'exactitude du réalisme, devons-nous abstraire la scène afin que, bien qu'indéchiffrable, elle transmette l'essence d'un paysage ou d'une marine ? Par différents types de touches, les impressionnistes floutaient les détails et offraient, à la place, une « impression », comme dans ce tableau de l'artiste français Pierre-Auguste Renoir (1841-1919).
« Marée basse, Yport » (1883), de Pierre-Auguste Renoir. The Clark Institute, Williamstown, MA.
Détail de « Marée basse, Yport » (1883), de Pierre-Auguste Renoir. Institut Clark, Williamstown, Massachusetts.
La tendance à l'abstraction s'est intensifiée au XXe siècle. Travaillant sur des scènes du nord de l'État de New York, l'artiste américain Arthur Garfield Dove (1880-1946) a exploré les techniques de représentation du mouvement. Comme l'indique le carton-titre du Musée des Beaux-Arts de Boston : « Bleus, verts et jaunes résonnent et s'harmonisent en arcs superposés, remplissant une toile ponctuée de troncs d'arbres qui semblent s'élancer au-dessus de l'horizon. » Sans le titre et la description, le saurions-nous ?
« Saules dansants » (vers 1944), par Arthur Garfield Dove. Musée des beaux-arts de Boston.
La peintre américaine Joan Brown (1938-1990) présente une masse épaisse et compacte de coups de pinceau au centre de son tableau expressionniste abstrait « Ronces ». Absence de représentation, et pourtant, la sensation est celle d'une masse presque impénétrable, telle que nous la percevons face aux ronces.
« Ronces » (1957), de Joan Brown. Musée d'Oakland, Californie.
Partout dans le monde, la nature est représentée par la peinture, le bois, l'argile, les fibres, le métal, etc. Les résultats peuvent être stylisés, traditionnels, autochtones, classiques, avant-gardistes, propres à un lieu ou à une époque.
« Vue d'automne », par Fiona Robertson. Broderie machine et main. Source : http://www.fionarobertsonartworks.co.uk/
Il existe même un art de la pierre japonais appelé suiseki , influencé par les pierres des érudits chinois d'il y a plusieurs siècles. Contrairement à la sculpture, elles ne sont pas délibérément sculptées pour refléter des paysages, mais se trouvent intactes dans les rivières, les océans et le karst. Elles sont sélectionnées pour leur expressivité par leur forme, leur couleur et leur texture. Considérées comme des objets de beauté à contempler et à apprécier comme on interagit avec un tableau, les suiseki conservent leur forme naturelle, mais sont placées sur un socle en bois.
À l'instar de la simplicité du suiseki, certaines formes de peinture naturaliste d'Asie de l'Est laissent plus de place qu'elles n'incluent ; le spectateur imagine le reste. Il s'agit d'une forme d'abstraction différente.
« Oie et roseaux, saule et lune. » Paire de paravents à six panneaux ; encre, couleur et or sur papier, par Maruyama ÅŒkyo (Japonais, 1733–1795). Metropolitan Museum of Art, New York.
Tout le monde ne cherche pas à illustrer, de manière réaliste ou abstraite, ce qu'il voit dans la nature. Pour certains artistes, travailler directement avec ses matières premières donne naissance à un art différent. On pense immédiatement au sculpteur, photographe et environnementaliste britannique Andy Goldsworthy.
« Wood Line » (2011), d'Andy Goldsworthy . Réalisée à partir de branches d'eucalyptus disposées en une courbe sinueuse et inclinée à travers une forêt d'eucalyptus du Presidio de San Francisco.
Source : http://www.for-site.org/project/goldsworthy-in-the-presidio-wood-line/
Connu pour son art terrestre, notamment grâce au documentaire Rivers and Tides de 2001, Goldsworthy crée des sculptures éphémères in situ avec des pierres, des feuilles, des fleurs, des pommes de pin, de la neige, des pierres, des brindilles, des épines et des glaçons. Son objectif est de comprendre la nature en y participant directement, le plus intimement possible. Il explique :
Mouvement, changement, lumière, croissance et déclin sont les forces vives de la nature, les énergies que j'essaie d'exploiter à travers mon travail. J'ai besoin du choc du toucher, de la résistance du lieu, des matériaux et des intempéries, de la terre comme source. La nature est en pleine mutation, et ce changement est la clé de la compréhension. Je veux que mon art soit sensible et attentif aux changements de matériaux, de saisons et de climat. Chaque œuvre grandit, perdure, décline. Processus et déclin sont implicites. La fugacité de mon travail reflète ce que je trouve dans la nature… Je ne pourrais absolument pas essayer d'améliorer la nature. Je cherche seulement à la comprendre en m'impliquant dans certains de ses processus.
« Touching North » (1989), d'Andy Goldworthy. Source : http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy
« Des feuilles vertes aux feuilles jaunes » (1980), d'Andy Goldsworthy. Source : http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy
Installation éphémère d'Andy Goldworthy. Source : http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy
Récemment, j'ai découvert d'autres artistes qui utilisent la nature comme palette et toile. Par exemple, Ian Ross et Andrés Amador manipulent le sable. Ross utilise un râteau pour réaliser des motifs géants sur les plages californiennes. En « gravant » la surface lisse là où la marée s'est retirée, il crée une forme d'art éphémère et impermanente qui lui est propre.
Source : http://ianrossart.com/project/installation/
Source : http://ianrossart.com/project/installation/
Dans la région de San Francisco, Andrés Amador utilise également un râteau pour créer des œuvres d'art pouvant dépasser 9 000 m². Après avoir passé des heures à développer le contraste entre sable sec et humide, la marée emporte tout. Seuls subsistent une photographie et un souvenir.
Source : http://www.viralnova.com/beach-art/
Source : http://www.viralnova.com/beach-art/
Étant donné que tout est impermanent de toute façon, y compris nous-mêmes – après tout, nous aussi sommes la nature –, est-ce important que nos créations artistiques perdurent ou disparaissent ?
Questions et commentaires :
Comment le fait d’être dans un environnement naturel affecte-t-il votre sensibilité artistique ?
Rapportez-vous cette expérience en studio et la laissez-vous vous imprégner inconsciemment ? Essayez-vous de la recréer ?
Travaillez-vous en extérieur ? Peignez-vous en plein air ? Travaillez-vous à partir de croquis et/ou de photographies ?
Préférez-vous l’art figuratif de scènes naturelles ou êtes-vous plus enclin à l’abstrait ?
Quels artistes vous viennent à l’esprit pour leur rapport à la Nature ?
Coucher de soleil sur l'océan Pacifique.
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