শিল্পী এবং প্রকৃতি

আমি কেবল হাঁটার জন্য বাইরে গিয়েছিলাম, এবং অবশেষে সূর্যাস্ত পর্যন্ত বাইরে থাকার সিদ্ধান্ত নিলাম, কারণ বাইরে যাওয়া, আমি আবিষ্কার করলাম, আসলে ভেতরে যাওয়া । -- জন মুইর

প্রকৃতি আমাদের অন্বেষণের জন্য টেনে আনে, তারপর আলতো করে আমাদের ভেতরে পাঠায় প্রতিফলনের জন্য। প্রায়শই, সমুদ্র, আকাশ, পাহাড়, মরুভূমি, বন, তৃণভূমি বা বাগানের মুহূর্তের পরিবর্তনের দিকে তাকালে আমরা আরও ভালো বোধ করি। আমরা হয়তো ক্ষুদ্রতম ফুল, পাখি বা পোকামাকড় দেখে বিস্মিত হই, রঙের প্রাচুর্যে উল্লাসিত হই, খাবার বা সঙ্গীর সন্ধানকারী প্রাণীদের দ্বারা কৌতূহলী হই, আগত এবং বহির্গামী জোয়ার, হ্রদের ঢেউ খেলানো বৃত্ত বা একটি বকবককারী নদীর স্রোতে মুগ্ধ হই।

প্রশান্ত মহাসাগরে সূর্যাস্ত

শিল্পী হিসেবে, আমরা কীভাবে সেই অভিজ্ঞতা ধারণ করব? আমরা কীভাবে এটিকে দৃশ্যত, শব্দগতভাবে, অথবা স্পর্শকাতরভাবে অনুবাদ করব? আমরা কি এটিকে যতটা সম্ভব বাস্তবসম্মতভাবে উপস্থাপন করার চেষ্টা করি?

ম্যাসাচুসেটসের উইলিয়ামসটাউনের দ্য ক্লার্ক আর্ট ইনস্টিটিউটে যখন আমি নিম্নলিখিত শিল্পকর্মটির কাছে যাই, প্রথমে আমি ভেবেছিলাম এটি একটি ছবি। কিন্তু এর কোনও মানে হয় না, কারণ আমি ঊনবিংশ শতাব্দীর ইউরোপীয় শিল্পকর্মের জন্য নিবেদিত একটি গ্যালারিতে ছিলাম। যখন আমি সাবধানে দেখার জন্য যথেষ্ট কাছে গেলাম, তখন বুঝতে পারলাম এটি আসলে একটি তৈলচিত্র। ফটোগ্রাফি বাস্তববাদের রাজা হিসেবে দায়িত্ব নেওয়ার আগে, সুইস শিল্পী আলেকজান্ডার ক্যালামে (১৮১০-১৮৬৪) দ্বারা পরিবেশিত উপস্থাপনার সূক্ষ্ম বিবরণ ভূদৃশ্যের একটি স্পষ্ট ধারণা প্রদান করে।

"রোজেনলাউই সুর মেরিঞ্জেনে নদীর তীরে" (c.1862), আলেকজান্ডার ক্যালামের লেখা। ক্লার্ক আর্ট ইনস্টিটিউট, উইলিয়ামসটাউন, এমএ।

"রোজেনলাউই সুর মেরিঞ্জেনে নদীর তীরে" (c.1862), আলেকজান্ডার ক্যালামের লেখা। ক্লার্ক আর্ট ইনস্টিটিউট, উইলিয়ামসটাউন, এমএ।

যদি আমরা বাস্তববাদের সঠিকতা বেছে না নিই, তাহলে কি আমরা দৃশ্যটিকে এমনভাবে বিমূর্ত করি যাতে, যদিও এটি চেনা যায় না, তবুও এটি একটি ভূদৃশ্য বা সমুদ্রের দৃশ্যের সারাংশ প্রকাশ করে? বিভিন্ন ধরণের স্ট্রোকের মাধ্যমে, ইমপ্রেশনিস্টরা বিশদগুলিকে ঝাপসা করে দিয়েছিলেন এবং পরিবর্তে, একটি "ছাপ" প্রদান করেছিলেন, যেমন ফরাসি শিল্পী পিয়েরে-অগাস্ট রেনোয়ার (১৮৪১-১৯১৯) এর এই চিত্রকর্মে।

"লো টাইড, ইপোর্ট" (১৮৮৩), পিয়েরে-অগাস্ট রেনোয়ার। দ্য ক্লার্ক ইনস্টিটিউট, উইলিয়ামসটাউন, এমএ।

পিয়ের-অগাস্ট রেনোয়ারের "লো টাইড, ইপোর্ট" (১৮৮৩) এর বিস্তারিত। দ্য ক্লার্ক ইনস্টিটিউট, উইলিয়ামসটাউন, এমএ।

বিংশ শতাব্দীতেও বিমূর্ততার প্রবণতা আরও তীব্রভাবে অব্যাহত ছিল। নিউ ইয়র্কের উত্তর-পশ্চিমাঞ্চলের দৃশ্য নিয়ে কাজ করার সময়, আমেরিকান শিল্পী আর্থার গারফিল্ড ডোভ (১৮৮০-১৯৪৬) গতি কীভাবে চিত্রিত করবেন তা অন্বেষণ করেছিলেন। বোস্টনের চারুকলা জাদুঘরের শিরোনাম কার্ডে যেমন বর্ণনা করা হয়েছে, "নীল, সবুজ এবং হলুদ রঙগুলি ওভারল্যাপিং আর্কগুলিতে অনুরণিত এবং সুরেলা হয়ে ওঠে, একটি ক্যানভাস পূরণ করে যা দিগন্তের উপরে লাফিয়ে ওঠা গাছের গুঁড়ি দ্বারা বিরামচিহ্নিত।" শিরোনাম এবং বর্ণনা ছাড়া, আমরা কি এটি জানতে পারতাম?

"ড্যান্সিং উইলোস" (আনুমানিক ১৯৪৪), আর্থার গারফিল্ড ডোভের আঁকা। চারুকলা জাদুঘর, বোস্টন।

আমেরিকান চিত্রশিল্পী জোয়ান ব্রাউন (১৯৩৮-১৯৯০) তার অ্যাবস্ট্রাক্ট এক্সপ্রেশনিস্ট চিত্রকর্ম "ব্র্যাম্বলস"-এর কেন্দ্রে রঙের স্ট্রোকের একটি ঘন, জমাট বাঁধা অংশ উপস্থাপন করেছেন। এখানে উপস্থাপনের সামান্যতম ইঙ্গিতও নেই, তবুও অনুভূতিটি প্রায় দুর্ভেদ্য ভরের মতো, যেভাবে আমরা প্রকৃত ব্র্যাম্বলের মুখোমুখি হই।

"ব্র্যাম্বলস" (১৯৫৭), জোয়ান ব্রাউনের লেখা। ক্যালিফোর্নিয়ার ওকল্যান্ড জাদুঘর।

বিশ্বজুড়ে, প্রকৃতিকে রঙ, কাঠ, কাদামাটি, তন্তু, ধাতু এবং আরও অনেক কিছু দিয়ে চিত্রিত করা হয়। ফলাফলগুলি শৈলীযুক্ত, ঐতিহ্যগতভাবে আদিবাসী, ধ্রুপদী, আভান্ট-গার্ড, বিশেষ করে কোনও স্থান বা যুগের জন্য হতে পারে।

"অটাম ভিউ," ফিওনা রবার্টসনের লেখা। মেশিন এবং হাতের সূচিকর্ম। সূত্র: http://www.fionarobertsonartworks.co.uk/

এমনকি জাপানে সুইসেকি নামে একটি পাথর শিল্পও প্রচলিত ছিল, যা বহু শতাব্দী আগে চীনা পণ্ডিতদের পাথর দ্বারা প্রভাবিত হয়েছিল। ভাস্কর্যের বিপরীতে, এগুলি ইচ্ছাকৃতভাবে ভূদৃশ্য প্রতিফলিত করার জন্য খোদাই করা হয়নি, বরং নদী, মহাসাগর এবং কার্স্টে অক্ষত অবস্থায় পাওয়া যায়। আকৃতি, রঙ এবং গঠনের মাধ্যমে তাদের অভিব্যক্তির কারণে এগুলি নির্বাচিত হয়। সৌন্দর্যের বস্তু হিসেবে বিবেচিত, যেভাবে কেউ কোনও চিত্রকর্মের সাথে মিথস্ক্রিয়া করতে পারে সেভাবে দেখার এবং উপভোগ করার জন্য, সুইসেকি তাদের প্রাকৃতিক আকারে অপরিবর্তিত থাকে, তবে কাঠের ভিত্তির মধ্যে স্থাপন করা হয়।

সুইসেকির সরলতার মতো, পূর্ব এশীয় প্রকৃতি চিত্রকলার কিছু রূপ তার চেয়ে বেশি কিছু বাদ দেয়; দর্শক বাকিটা কল্পনা করে। এটি একটি ভিন্ন ধরণের বিমূর্ততা।

"হংস এবং নলখাগড়া, উইলো এবং চাঁদ।" ছয়-প্যানেল ভাঁজ করা পর্দার জোড়া; কাগজে কালি, রঙ এবং সোনা, মারুইয়ামা অস্কিও (জাপানি, ১৭৩৩–১৭৯৫) দ্বারা অঙ্কিত। মেট্রোপলিটন মিউজিয়াম অফ আর্ট, এনওয়াই।

প্রকৃতিতে তারা যা দেখে, তা বাস্তবসম্মতভাবে হোক বা বিমূর্তভাবে, সকলেই তা চিত্রিত করার চেষ্টা করে না। কিছু শিল্পীর কাছে, এর কাঁচামাল নিয়ে সরাসরি কাজ করার ফলেই এক ভিন্ন ধরণের শিল্প তৈরি হয়। ব্রিটিশ ভাস্কর, আলোকচিত্রী এবং পরিবেশবিদ অ্যান্ডি গোল্ডসওয়ার্দির কথা তৎক্ষণাৎ মনে আসে।

"উড লাইন" (২০১১), অ্যান্ডি গোল্ডসওয়ার্দির লেখা । সান ফ্রান্সিসকোর প্রেসিডিওতে একটি ইউক্যালিপটাস বাগানের মধ্য দিয়ে ঢালু, পাতলা বাঁকানো ইউক্যালিপটাস ডাল দিয়ে তৈরি।
সূত্র: http://www.for-site.org/project/goldsworthy-in-the-presidio-wood-line/

ভূমি শিল্পের জন্য, বিশেষ করে ২০০১ সালের তথ্যচিত্র " রিভারস অ্যান্ড টাইডস" -এর মাধ্যমে পরিচিত, গোল্ডসওয়ার্দি পাথর, পাতা, ফুল, পাইন শঙ্কু, তুষার, পাথর, ডালপালা, কাঁটা এবং বরফ দিয়ে স্থান-নির্দিষ্ট ক্ষণস্থায়ী ভাস্কর্য তৈরি করেন। তার উদ্দেশ্য হল প্রকৃতিতে যতটা সম্ভব ঘনিষ্ঠভাবে অংশগ্রহণ করে প্রকৃতিকে বোঝা। তিনি ব্যাখ্যা করেন:

নড়াচড়া, পরিবর্তন, আলো, বৃদ্ধি এবং ক্ষয় হলো প্রকৃতির প্রাণ, আমি আমার কাজের মধ্য দিয়ে যে শক্তিগুলো ব্যবহার করার চেষ্টা করি। আমার স্পর্শের ধাক্কা, স্থান, উপকরণ এবং আবহাওয়ার প্রতিরোধ, পৃথিবীকে আমার উৎস হিসেবে প্রয়োজন। প্রকৃতি পরিবর্তনের অবস্থায় আছে এবং সেই পরিবর্তনই বোঝার মূল চাবিকাঠি। আমি চাই আমার শিল্প যেন উপাদান, ঋতু এবং আবহাওয়ার পরিবর্তনের প্রতি সংবেদনশীল এবং সতর্ক থাকে। প্রতিটি কাজ বৃদ্ধি পায়, স্থায়িত্ব পায়, ক্ষয় হয়। প্রক্রিয়া এবং ক্ষয় অন্তর্নিহিত। আমার কাজের ক্ষণস্থায়ীতা প্রকৃতিতে আমি যা পাই তা প্রতিফলিত করে.... আমি প্রকৃতির উন্নতি করার চেষ্টা করতে পারিনি। আমি কেবল এর কিছু প্রক্রিয়ায় জড়িত হয়ে এটি বোঝার চেষ্টা করছি।

"টাচিং নর্থ " (১৯৮৯), অ্যান্ডি গোল্ডওয়ার্দির লেখা। সূত্র: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

"গ্রিন টু ইয়েলো লিভস" (১৯৮০), অ্যান্ডি গোল্ডসওয়ার্দির লেখা। সূত্র: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

অ্যান্ডি গোল্ডওয়ার্দির ক্ষণস্থায়ী ইনস্টলেশন। সূত্র: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

সম্প্রতি, আমি এমন আরও কিছু শিল্পীর সাথে দেখা করেছি যারা প্রকৃতিকে তাদের প্যালেট এবং ক্যানভাস হিসেবে ব্যবহার করেন। উদাহরণস্বরূপ, ইয়ান রস এবং আন্দ্রেস আমাদোর বালির সাথে হস্তক্ষেপ করেন। রস ক্যালিফোর্নিয়ার সমুদ্র সৈকতে বিশাল নকশা তৈরির জন্য একটি রেক দিয়ে কাজ করেন। জোয়ারের পানি কমে যাওয়া মসৃণ পৃষ্ঠে "খোদাই" করে, তার নিজস্ব ধরণের ক্ষণস্থায়ী এবং অস্থায়ী শিল্পরূপ আবির্ভূত হয়।

সূত্র: http://ianrossart.com/project/installation/

সূত্র: http://ianrossart.com/project/installation/

সান ফ্রান্সিসকো অঞ্চলে, আন্দ্রেস আমাদোর ১০০,০০০ বর্গফুটেরও বেশি আয়তনের শিল্পকর্ম তৈরির জন্য একটি রেক ব্যবহার করেন। ভেজা এবং শুকনো বালির মধ্যে বৈসাদৃশ্য তৈরি করতে তিনি ঘন্টার পর ঘন্টা ব্যয় করার পর, জোয়ারের পানি সবকিছু ধুয়ে ফেলে। কেবল একটি ছবি এবং একটি স্মৃতি থেকে যায়।

সূত্র: http://www.viralnova.com/beach-art/

সূত্র: http://www.viralnova.com/beach-art/

যেহেতু সবকিছুই ক্ষণস্থায়ী, এমনকি আমরাও - সর্বোপরি, আমরাও প্রকৃতি - তাই আমাদের শৈল্পিক সৃষ্টিগুলি বেঁচে থাকুক বা অদৃশ্য হয়ে যাক তাতে কি কিছু যায় আসে?

প্রশ্ন ও মন্তব্য:
প্রাকৃতিক পরিবেশে থাকা আপনার শৈল্পিক সংবেদনশীলতাকে কীভাবে প্রভাবিত করে?
তুমি কি সেই অভিজ্ঞতা তোমার স্টুডিওতে ফিরিয়ে আনবে এবং অবচেতনভাবে তোমাকে তা জানাতে দেবে? তুমি কি দৃশ্যটি পুনরুদ্ধার করার চেষ্টা করবে?
তুমি কি বাইরে কাজ করো? বাড়িতে রঙ করো? স্কেচ এবং/অথবা ছবি থেকে কাজ করো?
তুমি কি প্রাকৃতিক দৃশ্যের প্রতিনিধিত্বমূলক শিল্প পছন্দ করো, নাকি বিমূর্তের দিকে বেশি ঝোঁক?
প্রকৃতির সাথে তাদের সম্পর্কের জন্য কোন শিল্পীদের কথা মনে আসে?

প্রশান্ত মহাসাগরে সূর্যাস্ত।