Umjetnici I Priroda

Izašao sam samo u šetnju i na kraju odlučio ostati vani do zalaska sunca, jer sam shvatio da je izlazak zapravo bio ulazak unutra . -- John Muir

Priroda nas vuče na istraživanje, a zatim nas nježno šalje unutra na razmišljanje. Najčešće se na kraju osjećamo bolje dok promatramo trenutne promjene u oceanu, nebu, planini, pustinji, šumi, livadi ili vrtu. Možemo biti zadivljeni najmanjim cvijetom, pticom ili kukcem, razveseljeni obiljem boja, zaintrigirani stvorenjima koja traže hranu ili partnera, uljuljkani dolaznim i odlaznim plimama, mreškanjem jezera ili žuborenjem potoka.

Zalazak sunca na Tihom oceanu

Kao umjetnici, kako uhvatimo to iskustvo? Kako ga vizualno, akustično ili taktilno prenesemo? Pokušavamo li ga prikazati što realističnije?

Kad sam prišao sljedećem umjetničkom djelu u Umjetničkom institutu Clark u Williamstownu, Massachusetts, isprva sam mislio da je to fotografija. Ali to nije imalo smisla, jer sam se nalazio u galeriji posvećenoj europskoj umjetnosti 19. stoljeća. Kad sam se dovoljno približio da pažljivo pogledam, shvatio sam da je to zapravo uljana slika. Prije nego što je fotografija preuzela primat realizma, fini detalji prikaza koje je prikazao švicarski umjetnik Alexandre Calame (1810.-1864.) prenose opipljiv osjećaj krajolika.

"Riječno korito kod Rosenlaui sur Meyringen" (oko 1862.), Alexandre Calame. Clark Art Institute, Williamstown, MA.

"Riječno korito kod Rosenlaui sur Meyringen" (oko 1862.), Alexandre Calame. Clark Art Institute, Williamstown, MA.

Ako ne odaberemo točnost realizma, apstrahiramo li scenu tako da, iako nije prepoznatljiva, ipak prenosi bit krajolika ili morskog pejzaža? Različitim vrstama poteza, impresionisti su zamagljivali detalje i umjesto toga nudili "dojam", kao na ovoj slici francuskog umjetnika Pierrea-Augustea Renoira (1841.-1919.)

"Oseka, Yport" (1883.), Pierre-Auguste Renoir. Institut Clark, Williamstown, MA.

Detalj slike "Oseka, Yport" (1883.), autora Pierre-Augustea Renoira. Clark Institute, Williamstown, MA.

Tendencija prema apstrakciji nastavila se još snažnije u 20. stoljeću. Radeći s prizorima u sjevernom dijelu države New York, američki umjetnik Arthur Garfield Dove (1880.-1946.) istraživao je kako prikazati kretanje. Kao što opisuje naslovna kartica u Muzeju lijepih umjetnosti u Bostonu, "Plava, zelena i žuta rezoniraju i usklađuju se u preklapajućim lukovima, ispunjavajući platno isprekidano deblima drveća koja kao da skaču iznad horizonta." Bez naslova i opisa, bismo li to znali?

"Plesajuće vrbe" (oko 1944.), autora Arthura Garfielda Dovea. Muzej likovnih umjetnosti, Boston.

Američka slikarica Joan Brown (1938.-1990.) predstavlja gustu, zgrušanu masu poteza boje u središtu svoje apstraktne ekspresionističke slike "Kupine". Nema ni najmanjeg nagovještaja reprezentacije, no osjećaj je gotovo neprobojne mase, na način na koji susrećemo prave kupine.

"Brambles" (1957.), Joan Brown. Muzej Oaklanda u Kaliforniji.

Diljem svijeta priroda se prikazuje bojama, drvom, glinom, vlaknima, metalom i još mnogo čime. Rezultati mogu biti stilizirani, tradicionalno autohtoni, klasični, avangardni, specifični za neko mjesto ili eru.

"Jesenski pogled", Fiona Robertson. Strojni i ručni vez. Izvor: http://www.fionarobertsonartworks.co.uk/

Postoji čak i japanska kamena umjetnost poznata kao suiseki , na koju su utjecale stijene kineskih znanstvenika prije mnogo stoljeća. Za razliku od skulpture, one nisu namjerno isklesane kako bi odražavale krajolike, već se nalaze netaknute u rijekama, oceanima i kršu. Odabrane su zbog svoje izražajnosti kroz oblik, boju i teksturu. Smatraju se predmetima ljepote koje treba promatrati i uživati ​​u njima na način na koji bi se moglo komunicirati sa slikom, suiseki ostaju nepromijenjene u svom prirodnom obliku, ali postavljene u drvenu podlogu.

Poput jednostavnosti suisekija, neki oblici istočnoazijskog slikarstva prirode izostavljaju više nego što uključuju; promatrač zamišlja ostalo. To je drugačija vrsta apstrakcije.

„Guska i trska, vrba i mjesec.“ Par sklopivih paravana sa šest panela; tinta, boja i zlato na papiru, autor Maruyama Œkyo (Japanac, 1733. – 1795.). Metropolitanski muzej umjetnosti, New York.

Ne pokušavaju svi ilustrirati, bilo realistično ili apstraktno, ono što vide u prirodi. Za neke umjetnike, izravan rad s njezinim sirovim materijalima rezultira drugačijom vrstom umjetnosti. Odmah mi na pamet pada britanski kipar, fotograf i ekolog Andy Goldsworthy.

"Wood Line" (2011.), autora Andyja Goldsworthyja . Izrađeno od grana eukaliptusa položenih u kosoj, vijugavoj krivulji kroz šumarak eukaliptusa u Presidiu u San Franciscu.
Izvor: http://www.for-site.org/project/goldsworthy-in-the-presidio-wood-line/

Poznat po svojoj land art umjetnosti, posebno kroz dokumentarni film Rijeke i plime iz 2001., Goldsworthy stvara efemerne skulpture specifične za lokaciju s kamenjem, lišćem, cvijećem, češerima, snijegom, kamenjem, grančicama, trnjem i ledenicama. Njegova je namjera razumjeti prirodu izravnim sudjelovanjem u njoj što je moguće intimnije. Objašnjava:

Kretanje, promjena, svjetlost, rast i propadanje su životna snaga prirode, energije koje pokušavam iskoristiti kroz svoj rad. Trebam šok dodira, otpor mjesta, materijala i vremena, zemlju kao svoj izvor. Priroda je u stanju promjene i ta promjena je ključ razumijevanja. Želim da moja umjetnost bude osjetljiva i budna na promjene u materijalu, godišnjem dobu i vremenu. Svako djelo raste, ostaje, propada. Proces i propadanje su implicitni. Prolaznost u mom radu odražava ono što pronalazim u prirodi... Ne bih mogao pokušati poboljšati Prirodu. Samo je pokušavam razumjeti sudjelovanjem u nekim od njezinih procesa.

"Dodirujući sjever " (1989.), Andyja Goldworthyja. Izvor: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

"Zeleno do žutog lišća" (1980.), autora Andyja Goldsworthyja. Izvor: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Efemerna instalacija Andyja Goldworthyja. Izvor: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Nedavno sam naišao na druge umjetnike koji koriste prirodu kao svoju paletu i platno. Na primjer, Ian Ross i Andrés Amador manipuliraju pijeskom. Ross radi s grabljama kako bi stvorio divovske dizajne na plažama u Kaliforniji. "Urezivanjem" u glatku površinu gdje se plima povukla, nastaje njegov vlastiti tip efemerne i netrajne umjetničke forme.

Izvor: http://ianrossart.com/project/installation/

Izvor: http://ianrossart.com/project/installation/

U području San Francisca, Andrés Amador također koristi grablje za stvaranje umjetničkih djela koja mogu biti veća od 9.000 četvornih metara. Nakon što satima razvija kontrast kroz mokri i suhi pijesak, plima sve to odnese. Ostaju samo fotografija i uspomena.

Izvor: http://www.viralnova.com/beach-art/

Izvor: http://www.viralnova.com/beach-art/

S obzirom na to da je sve ionako prolazno, uključujući i nas same - uostalom, i mi smo priroda - je li važno hoće li naše umjetničke kreacije živjeti ili nestati?

Pitanja i komentari:
Kako boravak u prirodnom okruženju utječe na vaš umjetnički senzibilitet?
Vraćate li to iskustvo u svoj studio i dopuštate li mu da vas podsvjesno informira? Pokušavate li ponovno uhvatiti scenu?
Radite li na otvorenom? Slikate li na otvorenom? Radite li prema skicama i/ili fotografijama?
Preferirate li reprezentativnu umjetnost prirodnih prizora ili ste više skloni apstraktnom?
Koji vam umjetnici padaju na pamet zbog njihovog odnosa s prirodom?

Zalazak sunca na Tihom oceanu.