Només vaig sortir a passejar i finalment vaig decidir quedar-me fins a la posta de sol, perquè sortir, vaig descobrir, era realment entrar . -- John Muir
La natura ens atrau a explorar i després ens envia suaument cap a dins per reflexionar. Molt sovint, acabem sentint-nos millor quan contemplem els canvis moment a moment a l'oceà, el cel, la muntanya, el desert, el bosc, el prat o el jardí. Potser ens impressiona la flor, l'ocell o l'insecte més petit, ens anima una profusió de color, ens intriga les criatures que busquen menjar o parella, ens bressola l'entrada i la sortida de les marees, els cercles ondulants d'un llac o el murmuri d'un rierol.
Posta de sol a l'oceà Pacífic
Com a artistes, com capturem aquesta experiència? Com la traduïm visualment, acústicament o tàctilment? Intentem representar-la de la manera més realista possible?
Quan em vaig acostar a la següent obra d'art al Clark Art Institute de Williamstown, Massachusetts, inicialment vaig pensar que era una fotografia. Però això no tenia sentit, ja que era en una galeria dedicada a l'art europeu del segle XIX. Quan em vaig acostar prou per mirar-la detingudament, em vaig adonar que en realitat és una pintura a l'oli. Abans que la fotografia es convertís en rei del realisme, els fins detalls de la representació realitzada per l'artista suís Alexandre Calame (1810-1864) transmeten una sensació palpable del paisatge.
"Llit del riu a Rosenlaui sur Meyringen" (c.1862), d'Alexandre Calame. El Clark Art Institute, Williamstown, MA.
"Llit del riu a Rosenlaui sur Meyringen" (c.1862), d'Alexandre Calame. El Clark Art Institute, Williamstown, MA.
Si no escollim l'exactitud del realisme, abstreiem l'escena de manera que, tot i no ser recognoscible, transmeti l'essència d'un paisatge o d'una marina? A través de diferents tipus de traços, els impressionistes van desdibuixar els detalls i, en canvi, van oferir una "impressió", com en aquesta pintura de l'artista francès Pierre-Auguste Renoir (1841-1919).
"Marea baixa, Yport" (1883), de Pierre-Auguste Renoir. The Clark Institute, Williamstown, MA.
Detall de "Marea baixa, Yport" (1883), de Pierre-Auguste Renoir. The Clark Institute, Williamstown, MA.
La tendència cap a l'abstracció va continuar encara amb més força al segle XX. Treballant amb escenes del nord de l'estat de Nova York, l'artista estatunidenc Arthur Garfield Dove (1880-1946) va explorar com representar el moviment. Tal com descriu la targeta de títol del Museu de Belles Arts de Boston, "Els blaus, els verds i el groc ressonen i harmonitzen en arcs superposats, omplint un llenç interromput per troncs d'arbres que semblen saltar per sobre de l'horitzó". Sense el títol i la descripció, ho sabríem?
"Salzes dansaires" (c. 1944), d'Arthur Garfield Dove. Museu de Belles Arts, Boston.
La pintora americana Joan Brown (1938-1990) presenta una massa espessa i coagulada de pinzellades de pintura al centre de la seva pintura expressionista abstracta "Bardisses". No hi ha ni tan sols el més mínim indici de representació, però la sensació és la d'una massa gairebé impenetrable, com la manera com ens trobem amb les bardisses reals.
"Brambles" (1957), de Joan Brown. Museu d'Oakland de Califòrnia.
Arreu del món, la natura es representa amb pintura, fusta, argila, fibres, metall i més. Els resultats poden ser estilitzats, tradicionalment indígenes, clàssics, avantguardistes, particulars d'un lloc o època.
"Vista de tardor", de Fiona Robertson. Brodat a màquina i a mà. Font: http://www.fionarobertsonartworks.co.uk/
Fins i tot hi ha un art japonès en pedra conegut com a suiseki , influenciat per les roques dels erudits xinesos fa molts segles. A diferència de l'escultura, no estan tallades deliberadament per reflectir paisatges, sinó que es troben intactes en rius, oceans i carst. Es seleccionen per la seva expressivitat a través de la forma, el color i la textura. Considerats objectes de bellesa per ser contemplats i gaudits de la mateixa manera que es podria interactuar amb una pintura, els suiseki romanen inalterats en la seva forma natural, però col·locats en una base de fusta.
Com la simplicitat del suiseki, algunes formes de pintura de la natura de l'Àsia oriental ometen més del que inclouen; l'espectador s'imagina la resta. És un tipus d'abstracció diferent.
"Oca i canyes, salze i lluna." Parell de paravents plegables de sis panells; tinta, color i daurat sobre paper, de Maruyama Œkyo (japonès, 1733–1795). Metropolitan Museum of Art, NY.
No tothom intenta il·lustrar, ja sigui de manera realista o abstracta, el que veu a la natura. Per a alguns artistes, treballar directament amb les seves matèries primeres és el que dóna com a resultat un tipus d'art diferent. L'escultor, fotògraf i ambientalista britànic Andy Goldsworthy em ve al cap immediatament.
"Wood Line" (2011), d'Andy Goldsworthy . Fet amb branques d'eucaliptus disposades en una corba inclinada i sinuosa a través d'un bosquet d'eucaliptus al Presidio de San Francisco.
Font: http://www.for-site.org/project/goldsworthy-in-the-presidio-wood-line/
Conegut pel seu land art, especialment a través del documental del 2001 Rivers and Tides , Goldsworthy crea escultures efímeres in situ amb roques, fulles, flors, pinyes, neu, pedra, branquetes, espines i caramells. La seva intenció és entendre la natura participant-hi directament de la manera més íntima possible. Explica:
El moviment, el canvi, la llum, el creixement i la decadència són l'essència de la natura, les energies que intento aprofitar a través de la meva obra. Necessito el xoc del tacte, la resistència del lloc, els materials i el clima, la terra com a font. La natura està en un estat de canvi i aquest canvi és la clau per a la comprensió. Vull que el meu art sigui sensible i atenta als canvis de material, estació i clima. Cada obra creix, roman, decau. El procés i la decadència són implícits. La transitorietat en la meva obra reflecteix el que trobo a la natura... No podria intentar millorar la Natura. Només intento entendre-la mitjançant la participació en alguns dels seus processos.
"Tocant el nord " (1989), d'Andy Goldworthy. Font: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy
"Fulles verdes a grogues" (1980), d'Andy Goldsworthy. Font: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy
Instal·lació efímera d'Andy Goldworthy. Font: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy
Recentment, he conegut altres artistes que utilitzen la natura com a paleta i llenç. Per exemple, Ian Ross i Andrés Amador manipulen sorra. Ross treballa amb un rasclet per fer dissenys gegants a les platges de Califòrnia. En "tallar" a la superfície llisa on la marea ha retrocedit, emergeix el seu propi tipus de forma d'art efímera i impermanent.
Font: http://ianrossart.com/project/installation/
Font: http://ianrossart.com/project/installation/
A la zona de San Francisco, Andrés Amador també utilitza un rasclet per crear obres d'art que poden tenir més de 9.000 metres quadrats. Després de passar hores desenvolupant contrastos a través de sorra humida i seca, la marea s'ho emporta tot. Només en queden una fotografia i un record.
Font: http://www.viralnova.com/beach-art/
Font: http://www.viralnova.com/beach-art/
Atès que tot és impermanent de totes maneres, inclosos nosaltres mateixos (al cap i a la fi, nosaltres també som natura), importa si les nostres creacions artístiques continuen vivint o desapareixen?
Preguntes i comentaris:
Com afecta la teva sensibilitat artística estar en un entorn natural?
Portes l'experiència de tornada al teu estudi i deixes que t'informi inconscientment? Intentes recuperar l'escena?
Treballes a l'aire lliure? Pintes a l'aire lliure? Treballes a partir d'esbossos i/o fotografies?
Prefereixes l'art representatiu d'escenes naturals o t'inclines més cap a l'abstracte?
Quins artistes et vénen al cap per la seva relació amb la natura?
Posta de sol a l'oceà Pacífic.
COMMUNITY REFLECTIONS
SHARE YOUR REFLECTION