Művészek és természet

Csak sétálni mentem ki, és végül úgy döntöttem, hogy napnyugtáig kint maradok, mert rájöttem, hogy a kimozdulás valójában a bemelegedést jelentette . -- John Muir

A természet felfedezésre csábít, majd gyengéden befelé küld elmélkedésre. Leggyakrabban akkor érezzük jobban magunkat, amikor az óceán, az ég, a hegy, a sivatag, az erdő, a rét vagy a kert pillanatnyi változásait szemléljük. Lenyűgözhet minket a legkisebb virág, madár vagy rovar, felvidíthat a színek sokasága, kíváncsivá tehetnek minket a táplálékot vagy párkapcsolatot kereső élőlények, elringathat minket a bejövő és kimenő dagály, a tó fodrozódó körei vagy egy csobogó patak.

Naplemente a Csendes-óceánon

Művészként hogyan ragadjuk meg ezt az élményt? Hogyan adjuk át vizuálisan, akusztikusan vagy tapinthatóan? Megpróbáljuk a lehető legrealisztikusabban visszaadni?

Amikor a massachusettsi Williamstownban található Clark Művészeti Intézetben a következő műalkotáshoz közeledtem, először azt hittem, fénykép. De ez nem volt logikus, mivel egy 19. századi európai művészetnek szentelt galériában voltam. Amikor elég közel mentem ahhoz, hogy alaposabban megvizsgáljam, rájöttem, hogy valójában egy olajfestmény. Mielőtt a fényképezés átvette a realizmus királyaként az uralmat, a svájci művész, Alexandre Calame (1810-1864) által megalkotott finom ábrázolásmód a táj kézzelfogható érzetét közvetíti.

"Rosenlaui sur Meyringen folyó medre" (1862 körül), Alexandre Calame. A Clark Művészeti Intézet, Williamstown, MA.

"Rosenlaui sur Meyringen folyó medre" (1862 körül), Alexandre Calame. A Clark Művészeti Intézet, Williamstown, MA.

Ha nem a realizmus precizitását választjuk, akkor absztraháljuk a jelenetet úgy, hogy bár nem felismerhető, mégis egy tájkép vagy tengeri tájkép lényegét közvetítse? Különböző ecsetvonásokkal az impresszionisták elmosták a részleteket, és ehelyett egy „lenyomatot” nyújtottak, mint a francia művész, Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) festményén.

„Apály, Yport” (1883), Pierre-Auguste Renoir. Clark Intézet, Williamstown, MA.

Részlet Pierre-Auguste Renoir „Apály, Yport” (1883) című festményéről. Clark Intézet, Williamstown, MA.

Az absztrakcióra való hajlam még erősebben folytatódott a 20. században. New York állam északi részén jelenetekkel dolgozva az amerikai művész, Arthur Garfield Dove (1880-1946) a mozgás ábrázolásának módjait kutatta. Ahogy a bostoni Szépművészeti Múzeum címkártyája is leírja: „A kék, zöld és sárga színek átfedő ívekben rezonálnak és harmonizálnak, kitöltve a vásznat, amelyet a horizont fölé ugrani látszó fatörzsek tarkítanak.” Vajon a cím és a leírás nélkül tudnánk ezt?

„Táncoló fűzfák” (kb. 1944), Arthur Garfield Dove. Szépművészeti Múzeum, Boston.

Joan Brown (1938-1990) amerikai festőművész absztrakt expresszionista festményének, a „Szeperbokornak” a közepén egy vastag, alvadt festékecske-tömeget ábrázol. Nincs rajta a legcsekélyebb ábrázolás sem, mégis az érzet egy szinte áthatolhatatlan tömeg érzete, ahogyan a valódi szederbokrokkal is találkozunk.

„Brambles” (1957), Joan Brown. Kaliforniai Oakland Múzeum.

A természetet világszerte festékkel, fával, agyaggal, rostokkal, fémmel és egyebekkel ábrázolják. Az eredmények lehetnek stilizáltak, hagyományosan őshonosak, klasszikusak, avantgárdak, egy adott helyre vagy korszakra jellemzőek.

„Őszi kilátás”, Fiona Robertson. Gépi és kézi hímzés. Forrás: http://www.fionarobertsonartworks.co.uk/

Létezik egy japán kőművészet, a suiseki , amelyre a kínai tudósok évszázadokkal ezelőtti sziklái voltak hatással. A szobrokkal ellentétben ezeket nem szándékosan faragják a tájak tükrözésére, hanem épségben megtalálhatók folyókban, óceánokban és karsztos területeken. Kiválasztásuk oka a formájuk, színük és textúrájuk kifejezőereje. A suiseki olyan szépségtárgyak, amelyeket úgy lehet szemlélni és élvezni, mint egy festményt, változatlanul maradnak természetes formájukban, de egy fa talapzaton helyezik el.

A suiseki egyszerűségéhez hasonlóan a kelet-ázsiai természetfestészet egyes formái többet hagynak ki, mint amennyit magukban foglalnak; a néző képzeli el a többit. Ez egy másfajta absztrakció.

„Liba és nád, fűzfa és hold.” Hat paneles paravánpár; tinta, színes és arany papíron, Maruyama ŌŒkyo (japán, 1733–1795). Metropolitan Museum of Art, New York.

Nem mindenki próbálja meg – akár realisztikusan, akár absztraktan – illusztrálni azt, amit a természetben lát. Egyes művészek számára a nyersanyagokkal való közvetlen munka eredményez másfajta művészetet. Rögtön Andy Goldsworthy brit szobrász, fotós és környezetvédő jut eszébe.

„Wood Line” (2011), Andy Goldsworthy . Eukaliptuszágakból készült, melyeket lejtős, kanyargós ívben helyeztek el egy eukaliptuszligetben San Francisco Presidiójában.
Forrás: http://www.for-site.org/project/goldsworthy-in-the-presidio-wood-line/

A land art alkotásairól, különösen a 2001-es Rivers and Tides című dokumentumfilmnek köszönhetően ismert Goldsworthy helyspecifikus, múlandó szobrokat alkot sziklákból, levelekből, virágokból, fenyőtobozokból, hóból, kövekből, gallyakból, tövisekből és jégcsapokból. Célja a természet megértése azáltal, hogy a lehető legbensőségesebb módon vesz részt benne. Így magyarázza:

A mozgás, a változás, a fény, a növekedés és a pusztulás a természet éltetőereje, az energiák, amelyeket megpróbálok a munkámon keresztül feltárni. Szükségem van az érintés sokkjára, a hely, az anyagok és az időjárás ellenállására, a földre, mint forrásra. A természet a változás állapotában van, és ez a változás a megértés kulcsa. Azt akarom, hogy a művészetem érzékeny és éber legyen az anyagok, az évszakok és az időjárás változásaira. Minden mű növekszik, megmarad, elbomlik. A folyamat és a pusztulás implicit módon jelen van. A munkáimban a múlandóság azt tükrözi, amit a természetben találok.... Lehetetlen lenne jobbá tenni a természetet. Csak megpróbálom megérteni azáltal, hogy részt veszek néhány folyamatában.

„Észak érintése ” (1989), Andy Goldworthy. Forrás: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

„Zöldtől sárgáig terjedő levelek” (1980), Andy Goldsworthy. Forrás: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Andy Goldworthy múlandó installációja. Forrás: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Nemrégiben olyan művészekkel találkoztam, akik a természetet használják palettájaként és vásznukként. Ian Ross és Andrés Amador például homokkal dolgoznak. Ross gereblyével óriási mintákat készít kaliforniai strandokon. Azzal, hogy a sima felületbe „véste” az árapály visszahúzódása után, sajátfajta múlandó és múlandó művészeti formája bontakozik ki.

Forrás: http://ianrossart.com/project/installation/

Forrás: http://ianrossart.com/project/installation/

A San Francisco-i régióban Andrés Amador gereblyét is használ, hogy olyan műalkotásokat hozzon létre, amelyek akár 9 000 négyzetméternél is nagyobbak lehetnek. Miután órákat tölt azzal, hogy a nedves és a száraz homokban kontrasztot teremtsen, az árapály mindent elmos. Csak egy fénykép és egy emlék marad.

Forrás: http://www.viralnova.com/beach-art/

Forrás: http://www.viralnova.com/beach-art/

Tekintve, hogy minden amúgy is mulandó, beleértve minket is – elvégre mi is a természet vagyunk –, számít-e, hogy művészi alkotásaink tovább élnek, vagy eltűnnek?

Kérdések és megjegyzések:
Hogyan befolyásolja a természeti környezetben való tartózkodás a művészi érzékenységedet?
Visszahozod az élményt a stúdiódba, és hagyod, hogy tudat alatt befolyásolja? Megpróbálod felidézni a jelenetet?
Dolgozol a szabadban? Festsz szabadban? Vázlatok és/vagy fényképek alapján dolgozol?
A természeti jelenetek ábrázolását részesíted előnyben, vagy inkább az absztrakt felé hajlasz?
Milyen művészek jutnak eszedbe a természettel való kapcsolatukról?

Naplemente a Csendes-óceánon.