कलाकार और प्रकृति

मैं केवल टहलने के लिए बाहर गया था, और अंततः सूर्यास्त तक बाहर ही रहने का निर्णय लिया, क्योंकि मैंने पाया कि बाहर जाना वास्तव में अंदर जाना था । - जॉन मुइर

प्रकृति हमें अन्वेषण के लिए बाहर खींचती है, फिर धीरे से हमें आत्मचिंतन के लिए भीतर भेजती है। अक्सर, जब हम समुद्र, आकाश, पहाड़, रेगिस्तान, जंगल, घास के मैदान या बगीचे में पल-पल होने वाले बदलावों को देखते हैं, तो हमें बेहतर महसूस होता है। हम किसी नन्हे-से फूल, पक्षी या कीड़े को देखकर विस्मित हो सकते हैं, रंगों की भरमार देखकर खुश हो सकते हैं, भोजन या साथी की तलाश में भटकते जीवों को देखकर रोमांचित हो सकते हैं, आने-जाने वाली लहरों, झील में लहरों के घेरे या कलकल करती नदी से शांत हो सकते हैं।

प्रशांत महासागर में सूर्यास्त

कलाकार होने के नाते, हम उस अनुभव को कैसे कैद करते हैं? हम उसे दृश्य, ध्वनि या स्पर्श के माध्यम से कैसे व्यक्त करते हैं? क्या हम उसे यथासंभव यथार्थवादी रूप देने का प्रयास करते हैं?

जब मैं मैसाचुसेट्स के विलियमस्टाउन स्थित क्लार्क आर्ट इंस्टीट्यूट में इस कलाकृति के पास गया, तो शुरू में मुझे लगा कि यह एक तस्वीर है। लेकिन मुझे यह समझ नहीं आया, क्योंकि मैं 19वीं सदी की यूरोपीय कला को समर्पित एक गैलरी में था। जब मैं ध्यान से देखने के लिए पास गया, तो मुझे एहसास हुआ कि यह असल में एक तैलचित्र है। फोटोग्राफी के यथार्थवाद के बादशाह बनने से पहले, स्विस कलाकार एलेक्जेंडर कैलम (1810-1864) द्वारा प्रस्तुत चित्रण के बारीक विवरण परिदृश्य की एक स्पष्ट भावना व्यक्त करते हैं।

अलेक्जेंड्रे कैलामे द्वारा "रिवरबेड एट रोसेनलाउई सुर मेयरिंजेन" (सी.1862)। क्लार्क कला संस्थान, विलियमस्टाउन, एमए।

अलेक्जेंड्रे कैलामे द्वारा "रिवरबेड एट रोसेनलाउई सुर मेयरिंजेन" (सी.1862)। क्लार्क कला संस्थान, विलियमस्टाउन, एमए।

अगर हम यथार्थवाद की सटीकता नहीं चुनते, तो क्या हम दृश्य को अमूर्त बना देते हैं ताकि वह पहचानने योग्य न होते हुए भी किसी भूदृश्य या समुद्री दृश्य का सार व्यक्त कर सके? विभिन्न प्रकार के स्ट्रोक के माध्यम से, प्रभाववादियों ने विवरणों को धुंधला कर दिया और इसके बजाय एक "छाप" प्रस्तुत की, जैसा कि फ्रांसीसी कलाकार पियरे-अगस्टे रेनॉयर (1841-1919) की इस पेंटिंग में है।

"लो टाइड, यपोर्ट" (1883), पियरे-ऑगस्टे रेनॉयर द्वारा। क्लार्क इंस्टीट्यूट, विलियमस्टाउन, मैसाचुसेट्स।

पियरे-ऑगस्टे रेनॉयर द्वारा "लो टाइड, यपोर्ट" (1883) का विवरण। क्लार्क इंस्टीट्यूट, विलियमस्टाउन, मैसाचुसेट्स।

अमूर्तता की ओर रुझान 20वीं सदी में और भी ज़्यादा मज़बूती से जारी रहा। अपस्टेट न्यूयॉर्क के दृश्यों पर काम करते हुए, अमेरिकी कलाकार आर्थर गारफ़ील्ड डव (1880-1946) ने गति को चित्रित करने के तरीक़ों की खोज की। जैसा कि बोस्टन के म्यूज़ियम ऑफ़ फाइन आर्ट्स के शीर्षक कार्ड में वर्णित है, "नीले, हरे और पीले रंग एक-दूसरे पर चढ़े हुए चापों में गूंजते और सामंजस्य बिठाते हैं, एक कैनवास को भरते हैं जिसके बीच क्षितिज से ऊपर उछलते हुए पेड़ों के तने बिखरे हुए हैं।" शीर्षक और विवरण के बिना, क्या हम यह जान पाते?

"डांसिंग विलोज़" (लगभग 1944), आर्थर गारफ़ील्ड डव द्वारा। म्यूज़ियम ऑफ़ फाइन आर्ट्स, बोस्टन।

अमेरिकी चित्रकार जोन ब्राउन (1938-1990) ने अपनी अमूर्त अभिव्यक्तिवादी पेंटिंग "ब्रैम्बल्स" के केंद्र में रंगों के स्ट्रोक का एक मोटा, थक्कादार ढेर प्रस्तुत किया है। इसमें चित्रण का ज़रा भी संकेत नहीं है, फिर भी यह एहसास लगभग अभेद्य ढेर जैसा है, जिस तरह से हम वास्तविक ब्रैम्बल्स का सामना करते हैं।

"ब्रैम्बल्स" (1957), जोन ब्राउन द्वारा। कैलिफोर्निया का ओकलैंड संग्रहालय।

दुनिया भर में, प्रकृति को रंग, लकड़ी, मिट्टी, रेशों, धातु और अन्य माध्यमों से चित्रित किया जाता है। परिणाम शैलीगत, पारंपरिक रूप से स्वदेशी, शास्त्रीय, अवांट-गार्डे, किसी स्थान या युग विशेष के हो सकते हैं।

"ऑटम व्यू," फियोना रॉबर्टसन द्वारा। मशीन और हाथ से कढ़ाई। स्रोत: http://www.fionarobertsonartworks.co.uk/

यहाँ तक कि एक जापानी पत्थर कला भी है जिसे सुइसेकी के नाम से जाना जाता है, जो कई सदियों पहले चीनी विद्वानों द्वारा बनाए गए पत्थरों से प्रभावित है। मूर्तिकला के विपरीत, इन्हें जानबूझकर परिदृश्यों को प्रतिबिंबित करने के लिए नहीं उकेरा जाता है, बल्कि ये नदियों, महासागरों और कार्स्ट में अक्षुण्ण पाए जाते हैं। इनका चयन उनके आकार, रंग और बनावट के माध्यम से उनकी अभिव्यंजना के कारण किया जाता है। इन्हें देखने और आनंद लेने के लिए सौंदर्य की वस्तुएँ माना जाता है, जैसे कोई किसी पेंटिंग के साथ बातचीत कर सकता है, सुइसेकी अपने प्राकृतिक रूप में अपरिवर्तित रहते हैं, लेकिन लकड़ी के आधार पर रखे जाते हैं।

सुइसेकी की सादगी की तरह, पूर्वी एशियाई प्रकृति चित्रकला के कुछ रूप जितना शामिल करते हैं, उससे कहीं ज़्यादा छोड़ देते हैं; दर्शक बाकी की कल्पना कर लेता है। यह एक अलग तरह की अमूर्तता है।

"हंस और सरकंडे, विलो और चाँद।" छह-पैनल वाली तहदार स्क्रीनों का जोड़ा; कागज़ पर स्याही, रंग और सोने से बना, मारुयामा Œक्यो (जापानी, 1733-1795)। मेट्रोपॉलिटन म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट, न्यूयॉर्क।

हर कोई प्रकृति में जो कुछ देखता है, उसे वास्तविक या अमूर्त रूप में चित्रित करने का प्रयास नहीं करता। कुछ कलाकारों के लिए, उसके कच्चे माल के साथ सीधे काम करने से एक अलग तरह की कला का निर्माण होता है। ब्रिटिश मूर्तिकार, फ़ोटोग्राफ़र और पर्यावरणविद् एंडी गोल्ड्सवर्थी का नाम तुरंत याद आता है।

"वुड लाइन" (2011), एंडी गोल्ड्सवर्थी द्वारा । सैन फ्रांसिस्को के प्रेसिडियो में यूकेलिप्टस के पेड़ों के बीच ढलानदार, घुमावदार मोड़ में बिछाई गई यूकेलिप्टस की शाखाओं से निर्मित।
स्रोत: http://www.for-site.org/project/goldsworthy-in-the-presidio-wood-line/

अपनी भूमि कला के लिए प्रसिद्ध, विशेष रूप से 2001 की वृत्तचित्र फिल्म रिवर्स एंड टाइड्स के माध्यम से, गोल्ड्सवर्थी चट्टानों, पत्तियों, फूलों, पाइन शंकुओं, बर्फ, पत्थर, टहनियों, काँटों और हिमखंडों से स्थल-विशिष्ट क्षणिक मूर्तियाँ बनाते हैं। उनका उद्देश्य प्रकृति में प्रत्यक्ष रूप से भाग लेकर उसे यथासंभव गहराई से समझना है। वे बताते हैं:

गति, परिवर्तन, प्रकाश, विकास और क्षय प्रकृति की जीवनदायिनी शक्तियाँ हैं, वे ऊर्जाएँ जिन्हें मैं अपनी कृतियों के माध्यम से प्राप्त करने का प्रयास करता हूँ। मुझे स्पर्श के आघात, स्थान, पदार्थों और मौसम के प्रतिरोध, और पृथ्वी को अपने स्रोत के रूप में आवश्यकता है। प्रकृति परिवर्तनशील अवस्था में है और यही परिवर्तन समझ की कुंजी है। मैं चाहता हूँ कि मेरी कला पदार्थ, ऋतु और मौसम में होने वाले परिवर्तनों के प्रति संवेदनशील और सजग हो। प्रत्येक कृति विकसित होती है, स्थिर रहती है, क्षय होती है। प्रक्रिया और क्षय अंतर्निहित हैं। मेरे काम में क्षणभंगुरता प्रकृति में मुझे जो मिलता है, उसे प्रतिबिंबित करती है... मैं प्रकृति में सुधार करने का प्रयास नहीं कर सकता। मैं केवल इसकी कुछ प्रक्रियाओं में शामिल होकर इसे समझने का प्रयास कर रहा हूँ।

"टचिंग नॉर्थ " (1989), एंडी गोल्डवर्थी द्वारा। स्रोत: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

"ग्रीन टू येलो लीव्स" (1980), एंडी गोल्ड्सवर्थी द्वारा। स्रोत: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

एंडी गोल्डवर्थी द्वारा अल्पकालिक स्थापना। स्रोत: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

हाल ही में, मुझे ऐसे अन्य कलाकार मिले जो प्रकृति को अपने रंग-रूप और कैनवास के रूप में इस्तेमाल करते हैं। उदाहरण के लिए, इयान रॉस और आंद्रेस अमाडोर रेत से काम करते हैं। रॉस कैलिफ़ोर्निया के समुद्र तटों पर रेक से विशाल डिज़ाइन बनाते हैं। जहाँ ज्वार कम हो गया है, वहाँ चिकनी सतह पर "नक्काशी" करके, उनकी अपनी तरह की क्षणभंगुर और अस्थायी कला उभरती है।

स्रोत: http://ianrossart.com/project/installation/

स्रोत: http://ianrossart.com/project/installation/

सैन फ़्रांसिस्को क्षेत्र में, आंद्रेस अमाडोर भी रेक का इस्तेमाल करके 1,00,000 वर्ग फुट से भी बड़ी कलाकृतियाँ बनाते हैं। गीली और सूखी रेत पर कंट्रास्ट बनाने में घंटों बिताने के बाद, ज्वार उसे बहा ले जाता है। बस एक तस्वीर और एक याद रह जाती है।

स्रोत: http://www.viralnova.com/beach-art/

स्रोत: http://www.viralnova.com/beach-art/

यह देखते हुए कि सब कुछ अस्थायी है, जिसमें हम स्वयं भी शामिल हैं - आखिरकार, हम भी प्रकृति हैं - क्या इससे कोई फर्क पड़ता है कि हमारी कलात्मक रचनाएं जीवित रहती हैं या लुप्त हो जाती हैं?

प्रश्न एवं टिप्पणियाँ:
प्राकृतिक वातावरण में रहने से आपकी कलात्मक संवेदनशीलता पर क्या प्रभाव पड़ता है?
क्या आप उस अनुभव को अपने स्टूडियो में वापस लाते हैं और अवचेतन रूप से उसे अपने अंदर समाहित होने देते हैं? क्या आप उस दृश्य को फिर से जीवंत करने की कोशिश करते हैं?
क्या आप बाहर काम करते हैं? खुले में पेंटिंग करते हैं? रेखाचित्रों और/या तस्वीरों से काम करते हैं?
क्या आप प्राकृतिक दृश्यों की प्रतिनिधित्वात्मक कला पसंद करते हैं या आप अमूर्त कला की ओर अधिक झुकाव रखते हैं?
प्रकृति के साथ अपने रिश्ते के लिए कौन से कलाकार आपके दिमाग में आते हैं?

प्रशांत महासागर में सूर्यास्त।