Seniman Dan Alam

Saya hanya keluar untuk jalan-jalan, dan akhirnya memutuskan untuk tetap di luar sampai matahari terbenam, karena menurut saya, keluar itu sebenarnya masuk ke dalam . -- John Muir

Alam mengajak kita menjelajah, lalu dengan lembut mengirim kita ke dalam diri untuk merenung. Sering kali, kita merasa lebih baik saat memandangi perubahan yang terjadi setiap saat di lautan, langit, gunung, gurun, hutan, padang rumput, atau taman. Kita mungkin terpesona oleh bunga, burung, atau serangga terkecil, terhibur oleh warna-warna yang melimpah, tertarik oleh makhluk-makhluk yang mencari makan atau pasangan, terbuai oleh pasang surut air laut, riak air danau, atau gemericik sungai.

Matahari terbenam di Samudra Pasifik

Sebagai seniman, bagaimana kita menangkap pengalaman itu? Bagaimana kita menerjemahkannya secara visual, akustik, atau taktil? Apakah kita berusaha menyajikannya serealistis mungkin?

Ketika saya mendekati karya seni berikut di The Clark Art Institute di Williamstown, Massachusetts, awalnya saya mengira itu sebuah foto. Namun, itu tidak masuk akal, karena saya berada di sebuah galeri yang didedikasikan untuk seni Eropa abad ke-19. Ketika saya cukup dekat untuk mengamatinya dengan saksama, saya menyadari bahwa itu sebenarnya lukisan cat minyak. Sebelum fotografi menjadi raja realisme, detail-detail halus representasi yang dihasilkan oleh seniman Swiss Alexandre Calame (1810-1864) menyampaikan nuansa lanskap yang nyata.

"Dasar sungai di Rosenlaui sur Meyringen" (c.1862), oleh Alexandre Calame. Institut Seni Clark, Williamstown, MA.

"Dasar sungai di Rosenlaui sur Meyringen" (c.1862), oleh Alexandre Calame. Institut Seni Clark, Williamstown, MA.

Jika kita tidak memilih ketepatan realisme, apakah kita mengabstraksikan pemandangan tersebut sehingga, meskipun tidak dapat dikenali, tetap menyampaikan esensi lanskap atau pemandangan laut? Melalui berbagai jenis sapuan, kaum Impresionis mengaburkan detail dan, sebagai gantinya, menawarkan sebuah "kesan", seperti dalam lukisan karya seniman Prancis Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) ini.

"Surut, Yport" (1883), karya Pierre-Auguste Renoir. Clark Institute, Williamstown, MA.

Detail "Low Tide, Yport" (1883), karya Pierre-Auguste Renoir. Clark Institute, Williamstown, MA.

Kecenderungan abstraksi berlanjut semakin kuat di abad ke-20. Berkarya dengan pemandangan di New York bagian utara, seniman Amerika Arthur Garfield Dove (1880-1946) mengeksplorasi cara menggambarkan gerakan. Sebagaimana dijelaskan pada kartu judul di Museum of Fine Arts di Boston, "Biru, hijau, dan kuning beresonansi dan selaras dalam lengkungan yang tumpang tindih, mengisi kanvas yang diselingi batang-batang pohon yang seolah melompat di atas cakrawala." Tanpa judul dan deskripsi, akankah kita tahu hal ini?

"Dancing Willows" (sekitar tahun 1944), karya Arthur Garfield Dove. Museum Seni Rupa, Boston.

Pelukis Amerika Joan Brown (1938-1990) menampilkan sapuan cat yang tebal dan menggumpal di bagian tengah lukisan Abstrak Ekspresionisnya, "Brambles." Bahkan tidak ada sedikit pun representasi, namun nuansanya adalah gumpalan yang hampir tak tertembus, seperti yang kita temukan pada semak duri sungguhan.

"Brambles" (1957), karya Joan Brown. Museum Oakland, California.

Di seluruh dunia, alam digambarkan dengan cat, kayu, tanah liat, serat, logam, dan sebagainya. Hasilnya bisa bergaya, tradisional, klasik, avant-garde, atau khas suatu tempat atau era.

"Autumn View," karya Fiona Robertson. Bordir mesin dan tangan. Sumber: http://www.fionarobertsonartworks.co.uk/

Bahkan ada seni batu Jepang yang dikenal sebagai suiseki , yang dipengaruhi oleh batuan para cendekiawan Tiongkok berabad-abad lalu. Tidak seperti patung, suiseki tidak sengaja dipahat untuk mencerminkan lanskap, melainkan ditemukan utuh di sungai, lautan, dan karst. Suiseki dipilih karena ekspresinya melalui bentuk, warna, dan tekstur. Dianggap sebagai objek keindahan untuk dipandang dan dinikmati layaknya berinteraksi dengan lukisan, suiseki tetap utuh dalam bentuk aslinya, tetapi ditempatkan di atas alas kayu.

Layaknya kesederhanaan suiseki, beberapa bentuk lukisan alam Asia Timur menghilangkan lebih banyak daripada yang mereka sertakan; penonton membayangkan sisanya. Ini adalah jenis abstraksi yang berbeda.

"Angsa dan Alang-alang, Dedalu dan Bulan." Sepasang layar lipat enam panel; tinta, warna, dan emas di atas kertas, karya Maruyama ÅŒkyo (Jepang, 1733–1795). Museum Seni Metropolitan, NY.

Tidak semua orang mencoba menggambarkan, baik secara realistis maupun abstrak, apa yang mereka lihat di alam. Bagi beberapa seniman, bekerja langsung dengan bahan mentahnya menghasilkan karya seni yang berbeda. Pematung, fotografer, dan aktivis lingkungan asal Inggris, Andy Goldsworthy, langsung terlintas dalam pikiran.

"Wood Line" (2011), karya Andy Goldsworthy . Terbuat dari cabang-cabang pohon eukaliptus yang ditata membentuk lengkungan miring dan berliku-liku di tengah hutan eukaliptus di Presidio, San Francisco.
Sumber: http://www.for-site.org/project/goldsworthy-in-the-presidio-wood-line/

Dikenal karena seni tanahnya, terutama melalui film dokumenter Rivers and Tides (2001), Goldsworthy menciptakan patung-patung fana yang spesifik lokasi dengan bebatuan, dedaunan, bunga, kerucut pinus, salju, batu, ranting, duri, dan es. Tujuannya adalah untuk memahami alam dengan berpartisipasi langsung di dalamnya seintim mungkin. Ia menjelaskan:

Pergerakan, perubahan, cahaya, pertumbuhan, dan pembusukan adalah urat nadi alam, energi yang coba saya manfaatkan melalui karya saya. Saya membutuhkan sentuhan, perlawanan dari tempat, material, dan cuaca, serta bumi sebagai sumber saya. Alam senantiasa berubah, dan perubahan itulah kunci pemahaman. Saya ingin karya seni saya peka dan tanggap terhadap perubahan material, musim, dan cuaca. Setiap karya tumbuh, bertahan, dan membusuk. Proses dan pembusukan tersirat. Kefanaan dalam karya saya mencerminkan apa yang saya temukan di alam.... Saya mustahil mencoba memperbaiki Alam. Saya hanya mencoba memahaminya melalui keterlibatan dalam beberapa prosesnya.

"Touching North " (1989), karya Andy Goldworthy. Sumber: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

"Green to Yellow Leaves" (1980), karya Andy Goldsworthy. Sumber: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Instalasi singkat karya Andy Goldworthy. Sumber: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Baru-baru ini, saya bertemu dengan seniman lain yang memanfaatkan alam sebagai palet dan kanvas mereka. Misalnya, Ian Ross dan Andrés Amador mengolah pasir. Ross menggunakan garu untuk membuat desain-desain raksasa di pantai-pantai California. Dengan "mengukir" permukaan halus tempat air pasang surut, muncullah bentuk seninya yang fana dan tidak kekal.

Sumber: http://ianrossart.com/project/installation/

Sumber: http://ianrossart.com/project/installation/

Di wilayah San Francisco, Andrés Amador juga menggunakan garu untuk menciptakan karya seni yang luasnya bisa mencapai lebih dari 9.000 meter persegi. Setelah ia menghabiskan berjam-jam menciptakan kontras melalui pasir basah dan kering, air pasang menyapu bersih semuanya. Hanya sebuah foto dan kenangan yang tersisa.

Sumber: http://www.viralnova.com/beach-art/

Sumber: http://www.viralnova.com/beach-art/

Mengingat bahwa segala sesuatu pada dasarnya tidak kekal, termasuk diri kita sendiri--bagaimanapun juga, kita adalah alam--apakah penting apakah kreasi seni kita tetap hidup atau menghilang?

Pertanyaan & Komentar:
Bagaimana berada di lingkungan alam memengaruhi kepekaan artistik Anda?
Apakah Anda membawa pengalaman itu kembali ke studio dan membiarkannya memberi tahu Anda secara tidak sadar? Apakah Anda mencoba menangkap kembali adegan itu?
Apakah Anda bekerja di luar ruangan? Melukis di udara terbuka? Bekerja dari sketsa dan/atau foto?
Apakah Anda lebih menyukai seni representasi pemandangan alam atau lebih condong ke arah abstrak?
Seniman mana yang terlintas dalam pikiran karena hubungan mereka dengan Alam?

Matahari terbenam di Samudra Pasifik.