Художники та природа

Я вийшов лише на прогулянку і зрештою вирішив залишитися до заходу сонця, бо виходити на вулицю, як я зрозумів, насправді означало занурюватися в дім . -- Джон Мьюїр

Природа спонукає нас досліджувати, а потім м’яко занурює нас всередину до роздумів. Найчастіше нам стає краще, коли ми спостерігаємо за щомиттєвими змінами в океані, небі, горах, пустелі, лісі, лузі чи саду. Нас може вражати найменша квітка, пташка чи комаха, підбадьорювати буйство кольорів, цікавити істоти, що шукають їжу чи пару, заколисувати припливи та відпливи, дзюрчання озера чи дзюрчання струмка.

Захід сонця над Тихим океаном

Як митці, як ми вловлюємо цей досвід? Як ми передаємо його візуально, акустично чи тактильно? Чи намагаємося ми відтворити його якомога реалістичніше?

Коли я підійшов до наступного твору мистецтва в Художньому інституті Кларка у Вільямстауні, штат Массачусетс, спочатку подумав, що це фотографія. Але це не мало сенсу, адже я був у галереї, присвяченій європейському мистецтву 19-го століття. Коли я підійшов достатньо близько, щоб уважно роздивитися, я зрозумів, що це насправді картина олією. Перш ніж фотографія стала королем реалізму, дрібні деталі зображення, створені швейцарським художником Александром Каламом (1810-1864), передають відчутне відчуття пейзажу.

«Русло в Розенлауї-сюр-Мейрінген» (бл. 1862), художник Александр Каламе. Мистецький інститут Кларка, Вільямстаун, Массачусетс.

«Русло в Розенлауї-сюр-Мейрінген» (бл. 1862), художник Александр Каламе. Мистецький інститут Кларка, Вільямстаун, Массачусетс.

Якщо ми не обираємо точність реалізму, чи абстрагуємо ми сцену так, щоб, хоча вона й не була впізнаваною, вона все ж передавала суть пейзажу чи морського пейзажу? За допомогою різних видів мазків імпресіоністи розмивали деталі та натомість створювали «враження», як на цій картині французького художника П'єра-Огюста Ренуара (1841-1919).

«Відплив, Іпор» (1883), П’єр-Огюст Ренуар. Інститут Кларка, Вільямстаун, Массачусетс.

Фрагмент картини «Відплив, Іпор» (1883) П’єра-Огюста Ренуара. Інститут Кларка, Вільямстаун, Массачусетс.

Тенденція до абстракції продовжила ще сильніше у 20 столітті. Працюючи з пейзажами північної частини штату Нью-Йорк, американський художник Артур Гарфілд Дав (1880-1946) досліджував, як зображати рух. Як описано на титульній картці в Музеї образотворчих мистецтв у Бостоні: «Синій, зелений та жовтий кольори резонують та гармоніюють у перекриваючихся дугах, заповнюючи полотно, перемежоване стовбурами дерев, які ніби стрибають над горизонтом». Чи знали б ми це без назви та опису?

«Танцюючі верби» (бл. 1944), Артур Гарфілд Дав. Музей образотворчих мистецтв, Бостон.

Американська художниця Джоан Браун (1938-1990) зображує густу, згусту масу мазків фарби в центрі своєї картини абстрактного експресіонізму «Ожина». Немає навіть найменшого натяку на зображення, проте відчуття майже непроникної маси, так само, як ми стикаємося зі справжніми заростями ожини.

«Ожина» (1957), Джоан Браун. Оклендський музей Каліфорнії.

У всьому світі природу зображують за допомогою фарби, дерева, глини, волокон, металу тощо. Результати можуть бути стилізованими, традиційно місцевими, класичними, авангардними, характерними для певного місця чи епохи.

«Осінній краєвид», Фіона Робертсон. Машинна та ручна вишивка. Джерело: http://www.fionarobertsonartworks.co.uk/

Існує навіть японське кам'яне мистецтво, відоме як суйсекі , на яке вплинули камені китайських вчених багато століть тому. На відміну від скульптури, їх не вирізьблюють навмисно, щоб відобразити пейзажі, а знаходять неушкодженими в річках, океанах та карстових породах. Їх обирають через їхню виразність через форму, колір та текстуру. Суйсекі вважаються об'єктами краси, на які можна дивитися та насолоджуватися ними так само, як і на картині, і залишаються незмінними у своїй природній формі, але розміщені на дерев'яній основі.

Як і простота суйсекі, деякі форми східноазіатського живопису природи більше пропускають, ніж включають; глядач уявляє собі решту. Це інший вид абстракції.

«Гусак і очерет, верба і місяць». Пара шестипанельних складних ширм; чорнило, колір і золото на папері, Маруяма Окьо (японський художник, 1733–1795). Метрополітен-музей, Нью-Йорк.

Не всі намагаються проілюструвати, реалістично чи абстрактно, те, що вони бачать у природі. Для деяких художників саме робота безпосередньо з її сировиною призводить до створення іншого виду мистецтва. На думку одразу спадає британський скульптор, фотограф та еколог Енді Голдсворсі.

«Лінія дерева» (2011), Енді Голдсворсі . Виготовлена ​​з гілок евкаліпта, витягнутих похилою, звивистою кривою через евкаліптовий гай у Пресідіо в Сан-Франциско.
Джерело: http://www.for-site.org/project/goldsworthy-in-the-presidio-wood-line/

Відомий своїм ленд-артом, особливо завдяки документальному фільму 2001 року «Річки та припливи» , Голдсворті створює ефемерні скульптури для конкретних місць з каміння, листя, квітів, соснових шишок, снігу, каменів, гілочок, колючок та бурульок. Його мета — зрозуміти природу, безпосередньо беручи участь у її житті якомога тісніше. Він пояснює:

Рух, зміни, світло, ріст і розпад – це життєва сила природи, енергії, які я намагаюся залучити через свою роботу. Мені потрібен шок дотику, опір місця, матеріалів і погоди, земля як моє джерело. Природа перебуває в стані змін, і ці зміни – ключ до розуміння. Я хочу, щоб моє мистецтво було чутливим і уважним до змін матеріалу, пори року та погоди. Кожен твір росте, залишається, розпадається. Процес і розпад є неявними. Швидкоплинність у моїй роботі відображає те, що я знаходжу в природі... Я не міг би намагатися покращити Природу. Я лише намагаюся зрозуміти її, залучившись до деяких її процесів.

«Дотик до Півночі » (1989), Енді Голдворті. Джерело: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

«Від зеленого до жовтого листя» (1980), Енді Голдсворті. Джерело: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Ефемерна інсталяція Енді Голдворті. Джерело: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Нещодавно я зустрів інших художників, які використовують природу як палітру та полотно. Наприклад, Ієн Росс та Андрес Амадор маніпулюють піском. Росс працює граблями, щоб створювати гігантські візерунки на пляжах Каліфорнії. «Вирізаючи» на гладкій поверхні там, де відступив приплив, виникає його власний тип ефемерної та непостійної форми мистецтва.

Джерело: http://ianrossart.com/project/installation/

Джерело: http://ianrossart.com/project/installation/

У районі Сан-Франциско Андрес Амадор також використовує граблі для створення витворів мистецтва, площа яких може перевищувати 100 000 квадратних футів. Після того, як він годинами демонструє контрасти між мокрим і сухим піском, приплив змиває все це. Залишаються лише фотографія та спогад.

Джерело: http://www.viralnova.com/beach-art/

Джерело: http://www.viralnova.com/beach-art/

З огляду на те, що все і так тимчасове, включаючи нас самих — зрештою, ми теж є природою — чи має значення, чи наші художні творіння житимуть далі, чи зникнуть?

Запитання та коментарі:
Як перебування в природному середовищі впливає на вашу художню чутливість?
Чи повертаєте ви цей досвід до своєї студії та дозволяєте йому підсвідомо впливати на вас? Чи намагаєтеся ви відтворити сцену?
Ви працюєте на свіжому повітрі? Малюєте на пленері? Працюєте за ескізами та/або фотографіями?
Ви надаєте перевагу зображенню природних сцен чи більше схиляєтеся до абстракції?
Які митці спадають на думку через їхній зв'язок з природою?

Захід сонця над Тихим океаном.