Artistas Y Naturaleza

Sólo salí a caminar un rato, y finalmente decidí quedarme fuera hasta el anochecer, porque descubrí que salir era en realidad entrar . -- John Muir

La naturaleza nos invita a explorar y luego nos invita a reflexionar. A menudo, nos sentimos mejor al contemplar los cambios constantes en el océano, el cielo, la montaña, el desierto, el bosque, la pradera o el jardín. Podemos maravillarnos con la más diminuta flor, ave o insecto, alegrarnos con una profusión de color, intrigarnos con criaturas que buscan alimento o pareja, arrullarnos con las mareas, las ondas en un lago o el murmullo de un arroyo.

Atardecer en el Océano Pacífico

Como artistas, ¿cómo capturamos esa experiencia? ¿Cómo la traducimos visual, acústica o táctilmente? ¿Intentamos representarla con el mayor realismo posible?

Cuando me acerqué a la siguiente obra de arte en el Instituto de Arte Clark de Williamstown, Massachusetts, al principio pensé que era una fotografía. Pero no tenía sentido, pues estaba en una galería dedicada al arte europeo del siglo XIX. Al acercarme lo suficiente para observarla con atención, me di cuenta de que en realidad era una pintura al óleo. Antes de que la fotografía se convirtiera en la reina del realismo, los finos detalles de la representación del artista suizo Alexandre Calame (1810-1864) transmiten una sensación palpable del paisaje.

"Cabe del río en Rosenlaui sur Meyringen" (c.1862), de Alexandre Calame. El Instituto de Arte Clark, Williamstown, MA.

"Cabe del río en Rosenlaui sur Meyringen" (c.1862), de Alexandre Calame. El Instituto de Arte Clark, Williamstown, MA.

Si no optamos por la exactitud del realismo, ¿abstraemos la escena de modo que, aunque no sea reconocible, transmita la esencia de un paisaje o una marina? Mediante diferentes tipos de pinceladas, los impresionistas difuminaron los detalles y, en cambio, ofrecieron una «impresión», como en esta pintura del artista francés Pierre-Auguste Renoir (1841-1919).

"Marea baja, Yport" (1883), de Pierre-Auguste Renoir. Instituto Clark, Williamstown, Massachusetts.

Detalle de "Marea baja, Yport" (1883), de Pierre-Auguste Renoir. Instituto Clark, Williamstown, Massachusetts.

La tendencia hacia la abstracción continuó con mayor fuerza en el siglo XX. Trabajando con escenas del norte del estado de Nueva York, el artista estadounidense Arthur Garfield Dove (1880-1946) exploró cómo representar el movimiento. Como describe la tarjeta de título del Museo de Bellas Artes de Boston: «Azules, verdes y amarillos resuenan y armonizan en arcos superpuestos, llenando un lienzo salpicado de troncos de árboles que parecen saltar sobre el horizonte». Sin el título y la descripción, ¿lo sabríamos?

"Sauces danzantes" (c. 1944), de Arthur Garfield Dove. Museo de Bellas Artes de Boston.

La pintora estadounidense Joan Brown (1938-1990) presenta una masa espesa y coagulada de pinceladas en el centro de su cuadro expresionista abstracto "Zarzas". No hay el más mínimo atisbo de representación, pero la sensación es la de una masa casi impenetrable, como la que experimentamos con las zarzas reales.

"Zarzas" (1957), de Joan Brown. Museo de Oakland, California.

En todo el mundo, la naturaleza se representa con pintura, madera, arcilla, fibras, metal y más. Los resultados pueden ser estilizados, tradicionalmente indígenas, clásicos, vanguardistas o propios de un lugar o época.

"Vista de Otoño", de Fiona Robertson. Bordado a máquina y a mano. Fuente: http://www.fionarobertsonartworks.co.uk/

Incluso existe un arte japonés en piedra conocido como suiseki , influenciado por las rocas de los eruditos chinos de hace siglos. A diferencia de las esculturas, no se tallan deliberadamente para reflejar paisajes, sino que se encuentran intactos en ríos, océanos y karst. Se seleccionan por su expresividad a través de su forma, color y textura. Considerados objetos de belleza para contemplar y disfrutar como si se interactuara con una pintura, los suiseki permanecen inalterados en su forma natural, pero colocados sobre una base de madera.

Al igual que la simplicidad del suiseki, algunas formas de pintura de la naturaleza del este asiático omiten más de lo que incluyen; el espectador imagina el resto. Es un tipo diferente de abstracción.

"Ganso y Juncos, Sauce y Luna". Par de biombos de seis paneles; tinta, color y oro sobre papel, de Maruyama ÅŒkyo (japonés, 1733-1795). Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.

No todo el mundo intenta ilustrar, ya sea de forma realista o abstracta, lo que ve en la naturaleza. Para algunos artistas, trabajar directamente con sus materias primas es lo que da como resultado un tipo de arte diferente. El escultor, fotógrafo y ambientalista británico Andy Goldsworthy me viene inmediatamente a la mente.

"Wood Line" (2011), de Andy Goldsworthy . Hecha con ramas de eucalipto dispuestas en una curva sinuosa e inclinada a través de un bosque de eucaliptos en el Presidio de San Francisco.
Fuente: http://www.for-site.org/project/goldsworthy-in-the-presidio-wood-line/

Conocido por su arte terrestre, especialmente a través del documental " Ríos y Mareas" de 2001, Goldsworthy crea esculturas efímeras específicas para cada lugar con rocas, hojas, flores, piñas, nieve, piedra, ramas, espinas y carámbanos. Su intención es comprender la naturaleza participando directamente en ella de la forma más íntima posible. Explica:

El movimiento, el cambio, la luz, el crecimiento y la decadencia son el alma de la naturaleza, las energías que intento conectar con mi obra. Necesito la conmoción del tacto, la resistencia del lugar, los materiales y el clima, la tierra como mi fuente. La naturaleza está en constante cambio y ese cambio es la clave para comprenderla. Quiero que mi arte sea sensible y esté atento a los cambios de materiales, estaciones y clima. Cada obra crece, permanece y decae. El proceso y la decadencia son implícitos. La transitoriedad en mi obra refleja lo que encuentro en la naturaleza... No podría intentar mejorar la naturaleza. Solo intento comprenderla a través de la participación en algunos de sus procesos.

"Tocando el Norte " (1989), de Andy Goldworthy. Fuente: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

"Hojas verdes y amarillas" (1980), de Andy Goldsworthy. Fuente: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Instalación efímera de Andy Goldworthy. Fuente: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Recientemente, conocí a otros artistas que utilizan la naturaleza como paleta y lienzo. Por ejemplo, Ian Ross y Andrés Amador manipulan la arena. Ross trabaja con un rastrillo para crear diseños gigantes en las playas de California. Al "tallar" la superficie lisa donde la marea ha retrocedido, surge su propia forma de arte efímera e impermanente.

Fuente: http://ianrossart.com/project/installation/

Fuente: http://ianrossart.com/project/installation/

En el área de San Francisco, Andrés Amador también usa un rastrillo para crear obras de arte que pueden superar los 9.300 metros cuadrados. Tras pasar horas creando contrastes entre arena húmeda y seca, la marea se lo lleva todo. Solo quedan una fotografía y un recuerdo.

Fuente: http://www.viralnova.com/beach-art/

Fuente: http://www.viralnova.com/beach-art/

Dado que todo es impermanente de todos modos, incluso nosotros mismos (después de todo, nosotros también somos naturaleza), ¿importa si nuestras creaciones artísticas perduran o desaparecen?

Preguntas y comentarios:
¿Cómo afecta el estar en un entorno natural a tu sensibilidad artística?
¿Traes la experiencia a tu estudio y dejas que te informe subconscientemente? ¿Intentas recapturar la escena?
¿Trabajas al aire libre? ¿Pintas al aire libre? ¿Trabajas a partir de bocetos o fotografías?
¿Prefieres el arte representativo de escenas naturales o te inclinas más por lo abstracto?
¿Qué artistas te vienen a la mente por su relación con la Naturaleza?

Puesta de sol en el Océano Pacífico.