Mga Artista at Kalikasan

Lumabas lang ako para mamasyal, at sa wakas ay napagpasyahan kong manatili sa labas hanggang sa paglubog ng araw, dahil sa paglabas, nalaman kong papasok talaga . -- John Muir

Hinihila tayo ng kalikasan upang tuklasin, pagkatapos ay malumanay tayong dinadala sa loob upang magmuni-muni. Kadalasan, mas maganda ang pakiramdam natin habang tinitingnan natin ang mga sandali-sa-sandali na pagbabago sa karagatan, langit, bundok, disyerto, kagubatan, parang, o hardin. Maaaring humanga tayo sa pinakamaliit na bulaklak, ibon, o insekto, na pinasaya ng saganang kulay, naiintriga ng mga nilalang na naghahanap ng makakain o mapapangasawa, nahihilo sa paparating at papalabas na tubig, sa umaalingawngaw na mga bilog sa lawa, o sa dumadaloy na batis.

Paglubog ng araw sa Karagatang Pasipiko

Bilang mga artista, paano natin makukuha ang karanasang iyon? Paano natin ito isasalin sa visual, acoustically, o tactilely? Sinusubukan ba nating i-render ito nang makatotohanan hangga't maaari?

Nang lapitan ko ang sumusunod na likhang sining sa The Clark Art Institute sa Williamstown, Massachusetts, noong una ay naisip ko na ito ay isang litrato. Ngunit hindi iyon makatuwiran, dahil nasa isang gallery ako na nakatuon sa sining ng Europa noong ika-19 na siglo. Nang makalapit ako para tingnang mabuti, napagtanto kong isa pala itong oil painting. Bago pumalit ang photography bilang hari ng realismo, ang magagandang detalye ng representasyong ginawa ng Swiss artist na si Alexandre Calame (1810-1864) ay naghahatid ng kapansin-pansing kahulugan ng tanawin.

"Riverbed at Rosenlaui sur Meyringen" (c.1862), ni Alexandre Calame. Ang Clark Art Institute, Williamstown, MA.

"Riverbed at Rosenlaui sur Meyringen" (c.1862), ni Alexandre Calame. Ang Clark Art Institute, Williamstown, MA.

Kung hindi natin pipiliin ang katumpakan ng realismo, i-abstract ba natin ang eksena para, habang hindi ito nakikilala, naihahatid pa rin nito ang kakanyahan ng tanawin o seascape? Sa pamamagitan ng iba't ibang uri ng paghampas, pinalabo ng mga Impresyonista ang mga detalye at, sa halip, nag-alok ng "impression," tulad ng sa pagpipinta na ito ng Pranses na pintor na si Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)

"Low Tide, Yport" (1883), ni Pierre-Auguste Renoir. Ang Clark Institute, Williamstown, MA.

Detalye ng "Low Tide, Yport" (1883), ni Pierre-Auguste Renoir. Ang Clark Institute, Williamstown, MA.

Ang pagkahilig sa abstraction ay nagpatuloy nang mas malakas noong ika-20 siglo. Nagtatrabaho sa mga eksena sa upstate New York, ang American artist na si Arthur Garfield Dove (1880-1946) ay nag-explore kung paano ilarawan ang paggalaw. Gaya ng inilalarawan ng kard ng pamagat sa Museum of Fine Arts sa Boston, "Ang mga asul, berde, at dilaw ay tumutunog at nagkakasundo sa magkakapatong na mga arko, na pinupuno ang isang canvas na may bantas ng mga puno ng kahoy na tila lumukso sa itaas ng abot-tanaw." Kung wala ang pamagat at paglalarawan, malalaman ba natin ito?

"Dancing Willows" (c.1944), ni Arthur Garfield Dove. Museo ng Fine Arts, Boston.

Ang Amerikanong pintor na si Joan Brown (1938-1990) ay nagpapakita ng makapal, namuong masa ng mga stroke ng pintura sa gitna ng kanyang Abstract Expressionist na pagpipinta na "Brambles." Walang kahit na katiting na pahiwatig ng representasyon, ngunit ang pakiramdam ay isa sa halos hindi malalampasan na masa, ang paraan kung paano tayo makakatagpo ng mga aktwal na brambles.

"Brambles" (1957), ni Joan Brown. Oakland Museum ng California.

Sa buong mundo, ang kalikasan ay inilalarawan ng pintura, kahoy, luwad, hibla, metal, at higit pa. Ang mga resulta ay maaaring naka-istilo, tradisyonal na katutubong, klasikal, avant-garde, partikular sa isang lugar o panahon.

"Autumn View," ni Fiona Robertson. Pagbuburda ng makina at kamay. Pinagmulan: http://www.fionarobertsonartworks.co.uk/

Mayroong kahit isang Japanese stone art na kilala bilang suiseki , na naiimpluwensyahan ng Chinese scholar's rocks maraming siglo na ang nakararaan. Hindi tulad ng eskultura, ang mga ito ay hindi sinasadyang inukit upang ipakita ang mga tanawin, ngunit matatagpuan na buo sa mga ilog, karagatan, at karst. Napili sila dahil sa kanilang pagpapahayag sa pamamagitan ng hugis, kulay, at texture. Itinuturing na mga bagay ng kagandahan na titignan at tangkilikin ang paraan ng pakikipag-ugnayan ng isa sa isang pagpipinta, ang suiseki ay nananatiling hindi nagbabago sa kanilang likas na anyo, ngunit inilagay sa isang kahoy na base.

Tulad ng pagiging simple ng suiseki, ang ilang mga anyo ng East Asian nature painting ay nag-iiwan ng higit sa kanilang kasama; naiisip ng manonood ang iba. Ito ay ibang uri ng abstraction.

"Goose at Reeds, Willow at Moon." Pares ng anim na panel na natitiklop na screen; tinta, kulay at ginto sa papel, ni Maruyama ÅŒkyo (Japanese, 1733–1795). Metropolitan Museum of Art, NY.

Hindi lahat ay sumusubok na ilarawan, maging makatotohanan o abstract, kung ano ang nakikita nila sa kalikasan. Para sa ilang mga artista, ang aktwal na pagtatrabaho nang direkta sa mga hilaw na materyales nito ang nagreresulta sa ibang uri ng sining. Ang British sculptor, photographer, at environmentalist na si Andy Goldsworthy ay agad na pumasok sa isip.

"Wood Line" (2011), ni Andy Goldsworthy . Ginawa mula sa mga sanga ng eucalyptus na inilatag sa isang sloping, paliko-liko na kurba sa pamamagitan ng isang eucalyptus grove sa Presidio ng San Francisco.
Pinagmulan: http://www.for-site.org/project/goldsworthy-in-the-presidio-wood-line/

Kilala sa kanyang sining sa lupa, lalo na sa pamamagitan ng dokumentaryong pelikula noong 2001 na Rivers and Tides , ang Goldsworthy ay gumagawa ng mga ephemeral sculpture na tukoy sa site na may mga bato, dahon, bulaklak, pine cone, snow, bato, sanga, tinik, at icicles. Ang kanyang intensyon ay unawain ang kalikasan sa pamamagitan ng direktang pakikilahok dito bilang intimately hangga't maaari. Ipinaliwanag niya:

Ang paggalaw, pagbabago, liwanag, paglago at pagkabulok ay ang buhay ng kalikasan, ang mga lakas na sinusubukan kong gamitin sa aking trabaho. Kailangan ko ang shock of touch, ang paglaban ng lugar, materyales at panahon, ang lupa bilang aking pinagmulan. Ang kalikasan ay nasa kalagayan ng pagbabago at ang pagbabagong iyon ang susi sa pagkakaunawaan. Gusto kong maging sensitibo at alerto ang aking sining sa mga pagbabago sa materyal, panahon at panahon. Ang bawat gawain ay lumalaki, nananatili, nabubulok. Ang proseso at pagkabulok ay implicit. Ang transience sa aking trabaho ay sumasalamin sa kung ano ang nakikita ko sa kalikasan.... Hindi ko maaaring subukang pagbutihin ang Kalikasan. Sinusubukan ko lamang na maunawaan ito sa pamamagitan ng paglahok sa ilan sa mga proseso nito.

"Touching North " (1989), ni Andy Goldworthy. Pinagmulan: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

"Green to Yellow Leaves" (1980), ni Andy Goldsworthy. Pinagmulan: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Pansamantalang pag-install ni Andy Goldworthy. Pinagmulan: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Kamakailan, nakatagpo ako ng iba pang mga artista na gumagamit ng kalikasan bilang kanilang palette at canvas. Halimbawa, sina Ian Ross at Andrés Amador ay nagmamanipula ng buhangin. Gumagana si Ross sa isang rake upang gumawa ng mga higanteng disenyo sa mga beach sa California. Sa pamamagitan ng "pag-ukit" sa makinis na ibabaw kung saan humupa ang tubig, lumalabas ang kanyang sariling uri ng ephemeral at hindi permanenteng anyo ng sining.

Pinagmulan: http://ianrossart.com/project/installation/

Pinagmulan: http://ianrossart.com/project/installation/

Sa lugar ng San Francisco, gumagamit din si Andrés Amador ng rake upang lumikha ng mga gawa ng sining na maaaring mas malaki sa 100,000 sq. ft. Pagkatapos niyang gumugol ng maraming oras sa pagbuo ng contrast sa pamamagitan ng basa at tuyong buhangin, ang tubig ay nag-aalis ng lahat. Isang litrato at alaala na lang ang natitira.

Pinagmulan: http://www.viralnova.com/beach-art/

Pinagmulan: http://www.viralnova.com/beach-art/

Dahil ang lahat ay hindi permanente, kabilang ang ating sarili--pagkatapos ng lahat, tayo rin, ay kalikasan--mahalaga ba kung ang ating mga masining na nilikha ay nabubuhay o nawala?

Mga Tanong at Komento:
Paano nakakaapekto ang pagiging nasa isang natural na kapaligiran sa iyong artistikong pakiramdam?
Ibinabalik mo ba ang karanasan sa iyong studio at hayaan itong ipaalam sa iyo nang hindi sinasadya? Sinusubukan mo bang kunin muli ang eksena?
Nagtatrabaho ka ba sa labas? Paint au plein air? Gumawa mula sa mga sketch at/o mga larawan?
Mas gusto mo ba ang representational art ng mga natural na eksena o mas hilig ka ba sa abstract?
Anong mga artista ang naiisip para sa kanilang relasyon sa Kalikasan?

Paglubog ng araw sa Karagatang Pasipiko.