Artiști și natură

Am ieșit doar la plimbare și, în cele din urmă, am decis să stau afară până la apusul soarelui, pentru că a ieși, am descoperit, însemna de fapt a intra în casă . -- John Muir

Natura ne invită să explorăm, apoi ne trimite cu blândețe spre interior pentru a reflecta. Cel mai adesea, ajungem să ne simțim mai bine când privim schimbările de la o clipă la alta din ocean, cer, munte, deșert, pădure, pajiște sau grădină. Am putea fi uimiți de cea mai mică floare, pasăre sau insectă, înveseliți de o abundență de culori, intrigați de creaturi care caută hrană sau un partener, legănați de mareele care vin și se revarsă, de cercurile unduitoare ale unui lac sau de un pârâu care murmură.

Apus de soare la Oceanul Pacific

Ca artiști, cum surprindem această experiență? Cum o traducem vizual, acustic sau tactil? Încercăm să o redăm cât mai realist posibil?

Când m-am apropiat de următoarea operă de artă de la Institutul de Artă Clark din Williamstown, Massachusetts, inițial am crezut că este o fotografie. Dar asta nu avea sens, deoarece mă aflam într-o galerie dedicată artei europene din secolul al XIX-lea. Când m-am apropiat suficient de mult pentru a o privi cu atenție, mi-am dat seama că este de fapt o pictură în ulei. Înainte ca fotografia să preia controlul asupra realismului, detaliile fine ale reprezentării realizate de artistul elvețian Alexandre Calame (1810-1864) transmit o senzație palpabilă a peisajului.

„Albie la Rosenlaui sur Meyringen” (c.1862), de Alexandre Calame. Institutul de Artă Clark, Williamstown, MA.

„Albie la Rosenlaui sur Meyringen” (c.1862), de Alexandre Calame. Institutul de Artă Clark, Williamstown, MA.

Dacă nu alegem exactitatea realismului, oare abstractizăm scena astfel încât, deși nu este recognoscibilă, să transmită totuși esența unui peisaj sau a unui peisaj marin? Prin diferite tipuri de tușe, impresioniștii au estompat detaliile și, în schimb, au oferit o „impresie”, ca în această pictură a artistului francez Pierre-Auguste Renoir (1841-1919).

„Marea joasă, Yport” (1883), de Pierre-Auguste Renoir. Institutul Clark, Williamstown, MA.

Detaliu din „Marea joasă, Yport” (1883), de Pierre-Auguste Renoir. Institutul Clark, Williamstown, MA.

Tendința spre abstracție a continuat și mai puternic în secolul al XX-lea. Lucrând cu scene din nordul statului New York, artistul american Arthur Garfield Dove (1880-1946) a explorat cum să reprezinte mișcarea. După cum descrie cartea de titlu de la Muzeul de Arte Frumoase din Boston, „Albastrul, verdele și galbenul rezonează și se armonizează în arcuri suprapuse, umplând o pânză punctată de trunchiuri de copaci care par să sară deasupra orizontului.” Fără titlu și descriere, am ști acest lucru?

„Sălcii dansatoare” (cca. 1944), de Arthur Garfield Dove. Muzeul de Arte Frumoase, Boston.

Pictorița americană Joan Brown (1938-1990) prezintă o masă groasă și închegată de tușe de vopsea în centrul picturii sale expresioniste abstracte „Mărăcini”. Nu există nici cea mai mică urmă de reprezentare, dar senzația este una a unei mase aproape impenetrabile, așa cum întâlnim mărăcinii adevărați.

„Mărăcini” (1957), de Joan Brown. Muzeul Oakland din California.

În întreaga lume, natura este reprezentată cu vopsea, lemn, lut, fibre, metal și multe altele. Rezultatele pot fi stilizate, tradiționale indigene, clasice, avangardiste, specifice unui loc sau unei epoci.

„Vedere de toamnă”, de Fiona Robertson. Broderie la mașină și manuală. Sursa: http://www.fionarobertsonartworks.co.uk/

Există chiar și o artă japoneză a pietrei, cunoscută sub numele de suiseki , influențată de rocile sculptate de savanții chinezi cu multe secole în urmă. Spre deosebire de sculptură, acestea nu sunt sculptate în mod deliberat pentru a reflecta peisaje, ci se găsesc intacte în râuri, oceane și carst. Sunt selectate datorită expresivității lor prin formă, culoare și textură. Considerate obiecte de frumusețe care trebuie privite și savurate așa cum ai interacționa cu o pictură, suiseki rămân nealterate în forma lor naturală, dar așezate pe o bază de lemn.

La fel ca simplitatea tehnicii suiseki, unele forme de pictură est-asiatică a naturii omit mai mult decât includ; privitorul își imaginează restul. Este un alt tip de abstracție.

„Gâscă și stuf, Salcie și Lună.” Pereche de paravane pliante cu șase panouri; cerneală, culoare și aur pe hârtie, de Maruyama Œkyo (japonez, 1733–1795). Muzeul Metropolitan de Artă, NY.

Nu toată lumea încearcă să ilustreze, fie realist, fie abstract, ceea ce vede în natură. Pentru unii artiști, lucrul direct cu materiile prime ale acesteia este ceea ce duce la un alt tip de artă. Sculptorul, fotograful și ecologistul britanic Andy Goldsworthy îmi vine imediat în minte.

„Wood Line” (2011), de Andy Goldsworthy . Realizată din crengi de eucalipt așezate într-o curbă sinuoasă și înclinată printr-o dumbravă de eucalipt din Presidio, San Francisco.
Sursă: http://www.for-site.org/project/goldsworthy-in-the-presidio-wood-line/

Cunoscut pentru arta sa land art, în special prin filmul documentar din 2001 „Rivers and Tides” , Goldsworthy creează sculpturi efemere specifice locului, cu pietre, frunze, flori, conuri de pin, zăpadă, piatră, crenguțe, spini și țurțuri. Intenția sa este de a înțelege natura participând direct la ea cât mai intim posibil. El explică:

Mișcarea, schimbarea, lumina, creșterea și decăderea sunt forța vitală a naturii, energiile pe care încerc să le accesez prin lucrările mele. Am nevoie de șocul atingerii, de rezistența locului, a materialelor și a vremii, de pământ ca sursă. Natura este într-o stare de schimbare, iar această schimbare este cheia înțelegerii. Îmi doresc ca arta mea să fie sensibilă și atentă la schimbările de material, anotimp și vreme. Fiecare lucrare crește, rămâne, decăde. Procesul și decăderea sunt implicite. Tranzitoria în lucrările mele reflectă ceea ce găsesc în natură... Nu aș putea încerca să îmbunătățesc Natura. Încerc doar să o înțeleg prin implicarea în unele dintre procesele sale.

„Atingând Nordul ” (1989), de Andy Goldworthy. Sursa: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

„Frunze verzi spre galbene” (1980), de Andy Goldsworthy. Sursa: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Instalație efemeră de Andy Goldworthy. Sursa: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Recent, am întâlnit alți artiști care folosesc natura ca paletă și pânză. De exemplu, Ian Ross și Andrés Amador manipulează nisipul. Ross lucrează cu o greblă pentru a realiza modele gigantice pe plajele din California. Prin „sculptura” în suprafața netedă acolo unde s-a retras mareea, apare propriul său tip de formă de artă efemeră și impermanentă.

Sursă: http://ianrossart.com/project/installation/

Sursă: http://ianrossart.com/project/installation/

În zona San Francisco, Andrés Amador folosește și o greblă pentru a crea opere de artă care pot depăși 9.000 de metri pătrați. După ce petrece ore întregi dezvoltând contraste prin nisip umed și uscat, mareea spală totul. Au rămas doar o fotografie și o amintire.

Sursă: http://www.viralnova.com/beach-art/

Sursă: http://www.viralnova.com/beach-art/

Având în vedere că totul este oricum impermanent, inclusiv noi înșine - la urma urmei, și noi suntem natură - contează oare dacă creațiile noastre artistice continuă să trăiască sau dispar?

Întrebări și comentarii:
Cum îți afectează experiența într-un mediu natural sensibilitatea artistică?
Aduci experiența înapoi în studioul tău și o lași să te informeze în subconștient? Încerci să recapeți scena?
Lucrezi în aer liber? Pictezi în aer liber? Lucrezi după schițe și/sau fotografii?
Preferi arta reprezentativă a scenelor naturale sau ești mai înclinat spre abstract?
Ce artiști vă vin în minte pentru relația lor cu natura?

Apus de soare la Oceanul Pacific.