Umetniki in Narava

Šel sem ven samo na sprehod in se končno odločil, da bom ostal zunaj do sončnega zahoda, saj sem ugotovil, da je iti ven v resnici pomenilo iti noter . -- John Muir

Narava nas najprej povabi k raziskovanju, nato pa nas nežno pošlje navznoter k razmisleku. Najpogosteje se počutimo bolje, ko opazujemo trenutne spremembe v oceanu, nebu, gori, puščavi, gozdu, travniku ali vrtu. Morda nas navduši najmanjša roža, ptica ali žuželka, razveseli nas bogastvo barv, nas pritegnejo bitja, ki iščejo hrano ali partnerja, nas uspavajo plimovanje in oseka, valovanje jezera ali žuborenje potoka.

Sončni zahod v Tihem oceanu

Kako umetniki ujamemo to izkušnjo? Kako jo vizualno, akustično ali taktilno prenesemo? Ali jo poskušamo prikazati čim bolj realistično?

Ko sem se v Umetniškem inštitutu Clark v Williamstownu v Massachusettsu približal naslednjemu umetniškemu delu, sem sprva mislil, da je fotografija. Vendar to ni imelo smisla, saj sem bil v galeriji, posvečeni evropski umetnosti 19. stoletja. Ko sem se dovolj približal, da sem si ga lahko natančno ogledal, sem ugotovil, da gre pravzaprav za oljno sliko. Preden je fotografija prevzela oblast nad realizmom, so fine podrobnosti upodobitve, ki jih je upodobil švicarski umetnik Alexandre Calame (1810–1864), izražale otipljiv občutek za pokrajino.

"Rečna struga pri Rosenlaui sur Meyringen" (c.1862), avtor Alexandre Calame. Clark Art Institute, Williamstown, MA.

"Rečna struga pri Rosenlaui sur Meyringen" (c.1862), avtor Alexandre Calame. Clark Art Institute, Williamstown, MA.

Če ne izberemo natančnosti realizma, ali abstrahiramo prizor, tako da, čeprav ni prepoznaven, še vedno izraža bistvo pokrajine ali morske pejsaže? Z različnimi vrstami potez so impresionisti zameglili podrobnosti in namesto tega ponudili "vtis", kot na tej sliki francoskega umetnika Pierra-Augusta Renoirja (1841–1919).

"Oseka, Yport" (1883), Pierre-Auguste Renoir. Clarkov inštitut, Williamstown, Massachusetts.

Detajl slike "Oseka, Yport" (1883), avtorja Pierre-Auguste Renoir. Clarkov inštitut, Williamstown, Massachusetts.

Nagnjenost k abstrakciji se je v 20. stoletju še močneje nadaljevala. Ameriški umetnik Arthur Garfield Dove (1880–1946) je pri delu s prizori iz severnega dela zvezne države New York raziskoval, kako upodobiti gibanje. Kot opisuje naslovna kartica v Muzeju lepih umetnosti v Bostonu: »Modri, zeleni in rumeni odtenki odmevajo in se usklajujejo v prekrivajočih se lokih ter polnijo platno, ki ga prekinjajo drevesna debla, ki se zdijo, kot da skačejo nad obzorje.« Ali bi to vedeli brez naslova in opisa?

"Plesoče vrbe" (ok. 1944), Arthur Garfield Dove. Muzej likovnih umetnosti, Boston.

Ameriška slikarka Joan Brown (1938–1990) predstavlja gosto, strjeno maso barvnih potez v središču svoje abstraktno ekspresionistične slike "Brambles". Niti najmanjšega namiga o reprezentaciji, a kljub temu je občutek skoraj neprebojne mase, tako kot se srečujemo z dejanskim robidovjem.

"Brambles" (1957), Joan Brown. Muzej Oakland v Kaliforniji.

Po vsem svetu je narava upodobljena z barvami, lesom, glino, vlakni, kovino in še več. Rezultati so lahko stilizirani, tradicionalno avtohtoni, klasični, avantgardni, značilni za določen kraj ali obdobje.

"Jesenski pogled", Fiona Robertson. Strojno in ročno vezenje. Vir: http://www.fionarobertsonartworks.co.uk/

Obstaja celo japonska kamnita umetnost, znana kot suiseki , na katero so vplivale kamnine kitajskih učenjakov pred mnogimi stoletji. Za razliko od kiparstva niso namerno izklesane, da bi odražale pokrajine, temveč jih najdemo nedotaknjene v rekah, oceanih in krasu. Izbrane so zaradi njihove izraznosti skozi obliko, barvo in teksturo. Suiseki, ki veljajo za lepotne predmete, ki jih je treba opazovati in v katerih lahko uživamo tako, kot bi se ukvarjali s sliko, ostanejo nespremenjeni v svoji naravni obliki, vendar postavljeni v leseno podlago.

Tako kot preprostost suisekija tudi nekatere oblike vzhodnoazijskega slikarstva narave izpustijo več, kot vključijo; gledalec si ostalo predstavlja. Gre za drugačno vrsto abstrakcije.

»Gos in trstje, vrba in luna.« Par šestdelnih zložljivih zaslonov; črnilo, barva in zlato na papirju, Maruyama Œkyo (Japonka, 1733–1795). Metropolitanski muzej umetnosti, New York.

Vsi ne poskušajo ponazoriti, bodisi realistično bodisi abstraktno, tega, kar vidijo v naravi. Za nekatere umetnike je prav delo neposredno z njenimi surovinami tisto, kar ustvari drugačno vrsto umetnosti. Takoj mi pride na misel britanski kipar, fotograf in okoljevarstvenik Andy Goldsworthy.

"Lesena linija" (2011), Andy Goldsworthy . Narejena iz vej evkaliptusa, razporejenih v nagnjeni, vijugasti krivulji skozi evkaliptujev nasad v Presidiu v San Franciscu.
Vir: http://www.for-site.org/project/goldsworthy-in-the-presidio-wood-line/

Goldsworthy, znan po svoji land art umetnosti, zlasti po dokumentarnem filmu Reke in plimovanje iz leta 2001, ustvarja efemerne skulpture, specifične za lokacijo, s skalami, listi, cvetjem, storži, snegom, kamni, vejicami, trnjem in ledenimi svečami. Njegov namen je razumeti naravo tako, da vanjo čim bolj neposredno sodeluje. Pojasnjuje:

Gibanje, sprememba, svetloba, rast in propad so življenjska sila narave, energije, ki jih poskušam izkoristiti skozi svoje delo. Potrebujem šok dotika, odpor kraja, materialov in vremena, zemljo kot svoj vir. Narava je v stanju sprememb in te spremembe so ključ do razumevanja. Želim, da je moja umetnost občutljiva in pozorna na spremembe v materialu, letnem času in vremenu. Vsako delo raste, ostane, propade. Proces in propad sta implicitna. Minljivost v mojem delu odraža to, kar najdem v naravi ... Narave ne bi mogel poskušati izboljšati. Poskušam jo razumeti le z vključevanjem v nekatere njene procese.

"Dotik severa " (1989), Andy Goldworthy. Vir: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

"Od zelenih do rumenih listov" (1980), Andy Goldsworthy. Vir: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Kratkotrajna instalacija Andyja Goldworthyja. Vir: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Pred kratkim sem naletel na druge umetnike, ki naravo uporabljajo kot paleto in platno. Na primer, Ian Ross in Andrés Amador manipulirata s peskom. Ross z grabljami ustvarja velikanske vzorce na plažah v Kaliforniji. Z "vrezovanjem" v gladko površino, kjer se je plima umaknila, nastane njegova lastna vrsta minljive in nestalne umetniške oblike.

Vir: http://ianrossart.com/project/installation/

Vir: http://ianrossart.com/project/installation/

Na območju San Francisca Andrés Amador uporablja tudi grablje za ustvarjanje umetniških del, ki so lahko večja od 9.000 kvadratnih metrov. Potem ko ure in ure razvija kontrast skozi moker in suh pesek, plima vse odnese. Ostaneta le fotografija in spomin.

Vir: http://www.viralnova.com/beach-art/

Vir: http://www.viralnova.com/beach-art/

Glede na to, da je vse tako ali tako minljivo, vključno z nami – navsezadnje smo tudi mi narava – ali je pomembno, ali naše umetniške stvaritve živijo naprej ali izginejo?

Vprašanja in komentarji:
Kako bivanje v naravnem okolju vpliva na vašo umetniško občutljivost?
Ali izkušnjo prinesete nazaj v svoj studio in pustite, da vas podzavestno oblikuje? Ali poskušate prizor ponovno ujeti?
Ali delate na prostem? Slikate na prostem? Delate po skicah in/ali fotografijah?
Ali imate raje upodobitveno umetnost naravnih prizorov ali ste bolj nagnjeni k abstraktnemu?
Kateri umetniki vam pridejo na misel zaradi njihovega odnosa do narave?

Sončni zahod v Tihem oceanu.