芸術家と自然

私は散歩に出かけただけでしたが、結局は日没まで外にいることを決めました。なぜなら、外出することは、実際には家に帰ることだと気づいたからです。 --ジョン・ミューア

自然は私たちを外の世界に誘い出し、探検へと誘い、そして優しく内省へと誘います。多くの場合、海、空、山、砂漠、森、草原、庭園の刻々と変化する光景を眺めていると、気分が良くなります。小さな花、鳥、昆虫に畏敬の念を抱いたり、色彩豊かな光景に心を動かされたり、餌や仲間を探している生き物に興味をそそられたり、満ち引きする潮、湖の波紋、小川のせせらぎに心を癒されたりします。

太平洋の夕日

アーティストとして、私たちはその体験をどのように捉えるのでしょうか？視覚、聴覚、触覚など、どのように表現するのでしょうか？できる限りリアルに表現しようとするのでしょうか？

マサチューセッツ州ウィリアムズタウンにあるクラーク・アート・インスティテュートで次の作品に近づいた時、最​​初は写真だと思いました。しかし、19世紀ヨーロッパ美術を専門とするギャラリーにいたため、写真だとは思えませんでした。近づいてよく見ると、実は油絵だと分かりました。写真が写実主義の王者となる以前、スイスの画家アレクサンドル・カラメ（1810-1864）が描いた精緻な描写は、風景の感覚をはっきりと伝えています。

「ローゼンラウイ・シュル・メイリンゲンの川床」（1862年頃）、アレクサンドル・カラム作。マサチューセッツ州ウィリアムズタウンのクラーク美術館。

「ローゼンラウイ・シュル・メイリンゲンの川床」（1862年頃）、アレクサンドル・カラム作。マサチューセッツ州ウィリアムズタウンのクラーク美術館。

写実主義の厳密さを選ばなければ、風景を抽象化し、認識できないものの、風景や海景の本質を伝えてしまうことになるのでしょうか？印象派は様々な筆致で細部をぼかし、代わりに「印象」を提示しました。フランスの画家ピエール＝オーギュスト・ルノワール（1841-1919）によるこの絵画がその例です。

ピエール＝オーギュスト・ルノワール作「干潮、イポール」（1883年）。マサチューセッツ州ウィリアムズタウン、クラーク研究所所蔵。

ピエール＝オーギュスト・ルノワール作「干潮、イポール」（1883年）の部分。マサチューセッツ州ウィリアムズタウン、クラーク研究所所蔵。

抽象化への傾向は20世紀にもさらに強く続きました。ニューヨーク州北部の風景を題材に、アメリカの画家アーサー・ガーフィールド・ダヴ（1880-1946）は動きの表現方法を探求しました。ボストン美術館のタイトルカードには、「青、緑、黄色が重なり合う弧を描きながら共鳴し、調和し、地平線から飛び出そうとする木の幹が点在するキャンバスを埋め尽くす」と記されています。タイトルと解説がなければ、私たちはこのことを理解できたでしょうか？

アーサー・ガーフィールド・ダヴ作「ダンシング・ウィロウズ」（1944年頃）。ボストン美術館所蔵。

アメリカの画家ジョーン・ブラウン（1938-1990）は、抽象表現主義の絵画「イバラ」の中心に、濃密で凝り固まった筆致を描き出しています。そこには表現の痕跡すら見当たりませんが、まるで実際のイバラに出会った時のような、ほとんど捉えどころのない塊のような感覚が伝わってきます。

「Brambles」（1957年）、ジョーン・ブラウン作。カリフォルニア州オークランド美術館。

世界中で、自然は絵の具、木材、粘土、繊維、金属などを用いて表現されています。その結果、様式化されたもの、伝統的な土着のもの、古典的なもの、前衛的なもの、特定の場所や時代特有のものなど、様々な表現が生まれます。

フィオナ・ロバートソン作「秋の風景」。機械刺繍と手刺繍。出典：http://www.fionarobertsonartworks.co.uk/

日本には、何世紀も前の中国の学者が考案した石の影響を受け、 「水石」と呼ばれる石の芸術作品があります。彫刻とは異なり、風景を反映するために意図的に彫られたものではなく、川や海、カルスト地形などでそのままの状態で発見されます。形、色、質感による表現力豊かなものが選ばれています。絵画のように鑑賞し、鑑賞する美のオブジェとみなされる水石は、自然の形をそのまま残し、木製の台座に置かれています。

水石のシンプルさのように、東アジアの自然画には、表現するものよりも表現しないものが多く、鑑賞者は残りの部分を想像します。これは異なる種類の抽象表現です。

「雁葦柳月図屏風」。円山梵暁（1733～1795年、日本人）による六曲一双屏風。紙本墨彩金彩。メトロポリタン美術館（ニューヨーク）所蔵。

誰もが自然界で見たものを、写実的であろうと抽象的であろうと、表現しようとするわけではありません。一部のアーティストにとっては、自然界の素材に直接触れることで、異なる種類の芸術が生み出されます。すぐに思い浮かぶのは、イギリスの彫刻家、写真家、そして環境保護活動家であるアンディ・ゴールドスワーシーです。

「ウッド・ライン」（2011年）、アンディ・ゴールドスワーシー作。サンフランシスコのプレシディオにあるユーカリ林に、ユーカリの枝を斜めに、しなやかに曲線を描くように配置した作品。
出典: http://www.for-site.org/project/goldsworthy-in-the-presidio-wood-line/

2001年のドキュメンタリー映画『 Rivers and Tides』を中心とするランドアートで知られるゴールズワーシーは、岩、葉、花、松ぼっくり、雪、石、小枝、棘、つららなどを用いて、その場所特有のエフェメラルな彫刻を制作しています。彼の意図は、可能な限り親密に自然と直接関わることで、自然を理解することです。彼は次のように説明しています。

動き、変化、光、成長、そして衰退。これらは自然の生命線であり、作品を通して私が探求しようとしているエネルギーです。触覚の衝撃、場所、素材、天候の抵抗、そして地球を源泉としています。自然は常に変化し続け、その変化こそが理解への鍵です。私は、素材、季節、天候の変化に敏感で、注意深くありたいと考えています。作品はどれも成長し、存在し続け、衰退します。プロセスと衰退は、作品の中に暗黙のうちに存在します。私の作品における無常性は、自然の中に私が見出したものを反映しています。…自然を改良しようと試みることなど到底できません。私はただ、自然のプロセスの一部に関わり、自然を理解しようとしているのです。

「Touching North 」 （1989年）、アンディ・ゴールドワーシー作。出典：http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

「Green to Yellow Leaves」（1980年）、アンディ・ゴールドスワーシー作。出典：http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

アンディ・ゴールドワーシーによる一時的なインスタレーション。出典: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

最近、自然をパレットやキャンバスとして使うアーティストたちに出会いました。例えば、イアン・ロスとアンドレス・アマドールは砂を巧みに操ります。ロスはカリフォルニアのビーチで熊手を使って巨大な模様を描きます。潮が引いた滑らかな表面に「彫り込む」ことで、彼独自の儚く、はかない芸術形態が生み出されます。

出典: http://ianrossart.com/project/installation/

出典: http://ianrossart.com/project/installation/

サンフランシスコ地域では、アンドレス・アマドールも熊手を使って、10万平方フィート（約9,000平方メートル）を超える作品を制作しています。乾いた砂と濡れた砂のコントラストを何時間もかけて描き出した後、潮が全てを洗い流してしまいます。残るのは一枚の写真と記憶だけです。

出典: http://www.viralnova.com/beach-art/

出典: http://www.viralnova.com/beach-art/

結局のところ、私たち自身も含め、すべてのものは永続的ではないのだから、私たち自身の芸術作品が生き続けるか、それとも消えてしまうかは重要なことなのだろうか？

質問とコメント:
自然環境にいることはあなたの芸術的感性にどのような影響を与えますか？
その経験をスタジオに持ち帰って、無意識のうちにその情報を得ているのですか？そのシーンを再現しようと努力するのですか？
屋外で制作しますか？野外で絵を描きますか？スケッチや写真を参考に制作しますか？
あなたは自然の風景を描いた具象芸術を好みますか、それとも抽象的な芸術に傾倒しますか?
自然との関係で思い浮かぶアーティストは誰ですか?

太平洋の夕日。