Уметници и природа

Изашао сам само у шетњу и коначно одлучио да останем напољу до заласка сунца, јер сам открио да је излазак заправо био улазак унутра . -- Џон Мјур

Природа нас вуче напоље да истражујемо, а затим нас нежно шаље унутра да размишљамо. Најчешће се на крају осећамо боље док посматрамо промене из тренутка у тренутак у океану, небу, планини, пустињи, шуми, ливади или башти. Можемо бити задивљени најситнијим цветом, птицом или инсектом, развеселити обиљем боја, заинтригирани створењима која траже храну или партнера, успавани долазећим и одлазећим плимама, таласастим круговима у језеру или жуборећим потоком.

Залазак сунца на Тихом океану

Као уметници, како да забележимо то искуство? Како га преводимо визуелно, акустично или тактилно? Да ли покушавамо да га прикажемо што је могуће реалистичније?

Када сам пришао следећем уметничком делу у Уметничком институту Кларк у Вилијамстауну, Масачусетс, у почетку сам помислио да је то фотографија. Али то није имало смисла, јер сам био у галерији посвећеној европској уметности 19. века. Када сам се довољно приближио да пажљиво погледам, схватио сам да је то заправо уљана слика. Пре него што је фотографија преузела примат реализма, фини детаљи представљања које је изнео швајцарски уметник Александар Каламе (1810-1864) преносе опипљив осећај пејзажа.

„Речно корито у Розенлауи сур Мајрингену“ (око 1862), Александра Калама. Тхе Цларк Арт Институте, Виллиамстовн, МА.

„Речно корито у Розенлауи сур Мајрингену“ (око 1862), Александра Калама. Тхе Цларк Арт Институте, Виллиамстовн, МА.

Ако не бирамо тачност реализма, да ли апстрахујемо сцену тако да, иако није препознатљива, ипак преноси суштину пејзажа или морског пејзажа? Различитим врстама потеза, импресионисти су замагљивали детаље и уместо тога нудили „утисак“, као на овој слици француског уметника Пјера-Огиста Реноара (1841-1919).

„Осима, Ипор“ (1883), Пјер-Огист Реноар. Институт Кларк, Вилијамстаун, Масачусетс.

Детаљ слике „Осима, Ипор“ (1883), аутора Пјера-Огиста Реноара. Институт Кларк, Вилијамстаун, Масачусетс.

Тенденција ка апстракцији наставила се још снажније у 20. веку. Радећи са сценама у северном делу државе Њујорк, амерички уметник Артур Гарфилд Дав (1880-1946) истраживао је како да прикаже кретање. Као што описује насловна картица у Музеју ликовних уметности у Бостону, „Плаве, зелене и жуте боје резонују и хармонизују се у преклапајућим луковима, испуњавајући платно испрекидано стаблима дрвећа која као да скачу изнад хоризонта.“ Да ли бисмо ово знали без наслова и описа?

„Плесајуће врбе“ (око 1944), аутора Артура Гарфилда Дава. Музеј ликовних уметности, Бостон.

Америчка сликарка Џоан Браун (1938-1990) представља густу, згрушану масу потеза боје у средишту своје апстрактно експресионистичке слике „Купине“. Нема ни најмањег наговештаја репрезентације, али је осећај готово непробојне масе, начина на који се сусрећемо са правим купинама.

„Купине“ (1957), ауторке Џоан Браун. Музеј Оукланд у Калифорнији.

Широм света, природа се приказује бојама, дрветом, глином, влакнима, металом и још много тога. Резултати могу бити стилизовани, традиционално аутохтони, класични, авангардни, специфични за одређено место или еру.

„Јесење поглед“, ауторке Фионе Робертсон. Машински и ручни вез. Извор: http://www.fionarobertsonartworks.co.uk/

Постоји чак и јапанска камена уметност позната као суисеки , на коју је утицало камење кинеских научника од пре много векова. За разлику од скулптуре, оне нису намерно исклесане да би одражавале пејзаже, већ се налазе нетакнуте у рекама, океанима и кршу. Бирају се због своје изражајности кроз облик, боју и текстуру. Сматрани предметима лепоте које треба посматрати и уживати у њима на начин на који би се комуницирало са сликом, суисеки остају непромењени у свом природном облику, али постављени у дрвену подлогу.

Као и једноставност суисекија, неки облици источноазијског сликарства природе изостављају више него што укључују; посматрач замишља остало. То је другачија врста апстракције.

„Гуска и трска, врба и месец.“ Пар шестоделних преклопних паравана; мастило, боја и злато на папиру, аутор Марујама Окјо (Јапански, 1733–1795). Метрополитен музеј уметности, Њујорк.

Не покушавају сви да илуструју, било реалистично или апстрактно, оно што виде у природи. За неке уметнике, директан рад са њеним сировим материјалима је оно што резултира другачијом врстом уметности. Британски вајар, фотограф и еколог Енди Голдсвортхи одмах пада на памет.

„Дрвена линија“ (2011), аутора Ендија Голдсвордија . Направљена од грана еукалиптуса поређаних у косој, вијугавој кривини кроз гај еукалиптуса у Пресидију у Сан Франциску.
Извор: http://www.for-site.org/project/goldsworthy-in-the-presidio-wood-line/

Познат по својој ленд арт уметности, посебно кроз документарни филм „Реке и плиме“ из 2001. године, Голдсворти ствара специфичне за локацију ефемерне скулптуре са камењем, лишћем, цвећем, шишаркама, снегом, камењем, гранчицама, трњем и леденицама. Његова намера је да разуме природу тако што ће директно у њој учествовати што је могуће интимније. Он објашњава:

Кретање, промена, светлост, раст и пропадање су животна снага природе, енергије које покушавам да искористим кроз свој рад. Потребан ми је шок додира, отпор места, материјала и времена, земља као мој извор. Природа је у стању промене и та промена је кључ разумевања. Желим да моја уметност буде осетљива и будна на промене у материјалу, годишњем добу и времену. Свако дело расте, остаје, пропада. Процес и пропадање су имплицитни. Пролазност у мом раду одражава оно што налазим у природи... Не бих могао никако да покушам да побољшам природу. Само покушавам да је разумем учешћем у неким њеним процесима.

„Додиривање севера “ (1989), аутора Ендија Голдвортија. Извор: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

„Зелено до жутог лишћа“ (1980), аутора Ендија Голдсвордија. Извор: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Ефемерна инсталација Ендија Голдвортија. Извор: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Недавно сам наишао на друге уметнике који користе природу као своју палету и платно. На пример, Ијан Рос и Андрес Амадор манипулишу песком. Рос ради са грабуљама како би направио џиновске дизајне на плажама у Калифорнији. „Урезивањем“ у глатку површину где се плима повукла, настаје његова сопствена врста ефемерне и пролазне уметничке форме.

Извор: http://ianrossart.com/project/installation/

Извор: http://ianrossart.com/project/installation/

У области Сан Франциска, Андрес Амадор такође користи грабуље да би створио уметничка дела која могу бити већа од 9.000 квадратних метара. Након што сатима развија контраст кроз мокар и сув песак, плима све то однесе. Остају само фотографија и сећање.

Извор: http://www.viralnova.com/beach-art/

Извор: http://www.viralnova.com/beach-art/

С обзиром на то да је све ионако пролазно, укључујући и нас саме – на крају крајева, и ми смо природа – да ли је важно да ли наше уметничке креације живе даље или нестају?

Питања и коментари:
Како боравак у природном окружењу утиче на ваш уметнички сензибилитет?
Да ли то искуство враћате у свој студио и дозвољавате му да вас подсвесно информише? Да ли покушавате да поново доживите сцену?
Да ли радите напољу? Сликате на отвореном? Радите по скицама и/или фотографијама?
Да ли више волите репрезентативну уметност природних сцена или сте више склони апстрактном?
Који уметници вам падају на памет због њиховог односа према природи?

Залазак сунца на Тихом океану.