Konstnärer Och Natur

Jag gick bara ut på en promenad, och bestämde mig slutligen för att stanna ute till solnedgången, för att gå ut, upptäckte jag, var verkligen att gå in . -- John Muir

Naturen lockar oss ut för att utforska, och skickar oss sedan försiktigt inåt för att reflektera. Oftast mår vi bättre när vi betraktar de ögonblickliga förändringarna i havet, himlen, berget, öknen, skogen, ängen eller trädgården. Vi kan bli imponerade av den minsta blomma, fågel eller insekt, uppmuntrade av ett överflöd av färger, fascinerade av varelser som letar efter mat eller en partner, vaggas av inkommande och utgående tidvatten, de porlande cirklarna i en sjö eller en porlande bäck.

Solnedgång vid Stilla havet

Hur fångar vi som konstnärer den upplevelsen? Hur översätter vi den visuellt, akustiskt eller taktilt? Försöker vi återge den så realistiskt som möjligt?

När jag närmade mig följande konstverk på The Clark Art Institute i Williamstown, Massachusetts, trodde jag först att det var ett fotografi. Men det verkade inte logiskt, för jag befann mig i ett galleri tillägnat europeisk 1800-talskonst. När jag kom tillräckligt nära för att titta noga insåg jag att det faktiskt är en oljemålning. Innan fotografiet tog över som kung av realism, förmedlade de fina detaljerna i representationen av den schweiziska konstnären Alexandre Calame (1810-1864) en påtaglig känsla av landskapet.

"Flodbädd vid Rosenlaui sur Meyringen" (c.1862), av Alexandre Calame. Clark Art Institute, Williamstown, MA.

"Flodbädd vid Rosenlaui sur Meyringen" (c.1862), av Alexandre Calame. Clark Art Institute, Williamstown, MA.

Om vi ​​inte väljer realismens exakthet, abstraherar vi då scenen så att den, även om den inte är igenkännbar, ändå förmedlar essensen av ett landskap eller en marinlandskap? Genom olika typer av penseldrag suddade impressionisterna ut detaljerna och erbjöd istället ett "intryck", som i denna målning av den franske konstnären Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)

"Lågvatten, Yport" (1883), av Pierre-Auguste Renoir. Clark Institute, Williamstown, MA.

Detalj av "Edge, Yport" (1883), av Pierre-Auguste Renoir. Clark Institute, Williamstown, MA.

Tendensen mot abstraktion fortsatte ännu starkare under 1900-talet. Den amerikanske konstnären Arthur Garfield Dove (1880-1946) arbetade med scener i norra New York och utforskade hur man kan avbilda rörelse. Som titelkortet på Museum of Fine Arts i Boston beskriver: "Blå, grön och gul resonerar och harmoniserar i överlappande bågar och fyller en duk som är punkterad av trädstammar som verkar hoppa över horisonten." Skulle vi veta detta utan titeln och beskrivningen?

"Dansande pilträd" (ca 1944), av Arthur Garfield Dove. Museum of Fine Arts, Boston.

Den amerikanska målaren Joan Brown (1938-1990) presenterar en tjock, klumpig massa av penseldrag i mitten av sin abstrakt expressionistiska målning "Brambles". Det finns inte ens den minsta antydan till representation, men känslan är en nästan ogenomtränglig massa, på samma sätt som vi möter verkliga björnbär.

"Brambles" (1957), av Joan Brown. Oakland Museum i Kalifornien.

Runt om i världen avbildas naturen med färg, trä, lera, fibrer, metall och mer. Resultaten kan vara stiliserade, traditionellt inhemska, klassiska, avantgardistiska, specifika för en plats eller era.

"Höstvy", av Fiona Robertson. Maskin- och handbroderi. Källa: http://www.fionarobertsonartworks.co.uk/

Det finns till och med en japansk stenkonst som kallas suiseki , influerad av kinesiska lärdas stenar för många århundraden sedan. Till skillnad från skulpturer är de inte avsiktligt huggna för att återspegla landskap, utan finns intakta i floder, hav och karst. De väljs ut på grund av sin uttryckskraft genom form, färg och textur. Suiseki betraktas som vackra föremål som ska betraktas och avnjutas på samma sätt som man interagerar med en målning, och förblir oförändrade i sin naturliga form, men placerade i en träbas.

Precis som enkelheten i suiseki utelämnar vissa former av östasiatisk naturmålning mer än de inkluderar; betraktaren föreställer sig resten. Det är en annan sorts abstraktion.

"Gås och vass, pil och måne." Par vikbara skärmar med sex paneler; bläck, färg och guld på papper, av Maruyama ÅŒkyo (japanska, 1733–1795). Metropolitan Museum of Art, NY.

Inte alla försöker illustrera, vare sig realistiskt eller abstrakt, vad de ser i naturen. För vissa konstnärer är det att faktiskt arbeta direkt med dess råmaterial som resulterar i en annan typ av konst. Den brittiske skulptören, fotografen och miljöaktivisten Andy Goldsworthy kommer omedelbart i tankarna.

"Wood Line" (2011), av Andy Goldsworthy . Tillverkad av eukalyptusgrenar utlagda i en sluttande, slingrande kurva genom en eukalyptuslund i San Franciscos Presidio.
Källa: http://www.for-site.org/project/goldsworthy-in-the-presidio-wood-line/

Goldsworthy är känd för sin land art, särskilt genom dokumentärfilmen Rivers and Tides från 2001, och skapar platsspecifika, efemära skulpturer med stenar, löv, blommor, kottar, snö, sten, kvistar, taggar och istappar. Hans avsikt är att förstå naturen genom att delta direkt i den så intimt som möjligt. Han förklarar:

Rörelse, förändring, ljus, tillväxt och förfall är naturens livsnerv, de energier som jag försöker utnyttja genom mitt arbete. Jag behöver beröringens chock, motståndet från plats, material och väder, jorden som min källa. Naturen är i ett tillstånd av förändring och den förändringen är nyckeln till förståelse. Jag vill att min konst ska vara känslig och uppmärksam på förändringar i material, årstid och väder. Varje verk växer, stannar kvar, förfaller. Process och förfall är underförstådda. Förgänglighet i mitt arbete återspeglar vad jag finner i naturen.... Jag skulle omöjligt kunna försöka förbättra naturen. Jag försöker bara förstå den genom ett engagemang i några av dess processer.

"Touching North " (1989), av Andy Goldworthy. Källa: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

"Gröna till gula löv" (1980), av Andy Goldsworthy. Källa: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Efemerisk installation av Andy Goldworthy. Källa: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Nyligen stötte jag på andra konstnärer som använder naturen som sin palett och målarduk. Till exempel manipulerar Ian Ross och Andrés Amador sand. Ross arbetar med en kratta för att skapa jättelika mönster på stränder i Kalifornien. Genom att "rista" in i den släta ytan där tidvattnet har dragit sig tillbaka, framträder hans egen typ av flyktig och förgänglig konstform.

Källa: http://ianrossart.com/project/installation/

Källa: http://ianrossart.com/project/installation/

I San Francisco-området använder Andrés Amador också en kratta för att skapa konstverk som kan vara större än 9 000 kvadratfot. Efter att han tillbringat timmar med att utveckla kontrast genom våt och torr sand, sköljer tidvattnet bort allt. Endast ett fotografi och ett minne återstår.

Källa: http://www.viralnova.com/beach-art/

Källa: http://www.viralnova.com/beach-art/

Med tanke på att allt ändå är förgängligt, inklusive vi själva – trots allt är vi också naturen – spelar det då någon roll om våra konstnärliga skapelser lever vidare eller försvinner?

Frågor och kommentarer:
Hur påverkar det att vara i en naturlig miljö din konstnärliga förmåga?
Tar du med dig upplevelsen tillbaka till din studio och låter den påverka dig undermedvetet? Försöker du återskapa scenen?
Arbetar du utomhus? Målar du utomhus? Arbetar du utifrån skisser och/eller fotografier?
Föredrar du föreställande konst av naturliga scener eller lutar du mer åt det abstrakta?
Vilka konstnärer tänker man på för sin relation till naturen?

Solnedgång vid Stilla havet.