艺术家与自然

我只是出去散散步，最后决定待到日落，因为我发现，出去其实就是进去。——约翰·缪尔

大自然引领我们去探索，然后又温柔地引导我们向内沉思。很多时候，当我们凝视着海洋、天空、山脉、沙漠、森林、草地或花园中瞬息万变的景象时，内心都会感到平静愉悦。我们或许会被最小的花朵、鸟儿或昆虫所震撼，会被绚丽的色彩所愉悦，会被觅食或寻找配偶的生物所吸引，会被潮起潮落、湖面涟漪或潺潺溪流所催眠。

太平洋的日落

作为艺术家，我们如何捕捉这种体验？我们如何用视觉、听觉或触觉来表达它？我们是否应该尽可能真实地呈现它？

当我来到位于马萨诸塞州威廉斯敦的克拉克艺术学院，走近这幅画作时，起初我以为它是一张照片。但这似乎不太合理，因为我身处一个专门展示19世纪欧洲艺术的展厅。走近仔细观察后，我才意识到它实际上是一幅油画。在摄影成为现实主义的王者之前，瑞士艺术家亚历山大·卡拉姆（1810-1864）笔下精细的描绘，赋予了风景一种触手可及的质感。

《迈林根河畔罗森劳伊的河床》（约 1862 年），亚历山大·卡拉梅 (Alexandre Calame) 创作。克拉克艺术学院，威廉斯敦，马萨诸塞州。

《迈林根河畔罗森劳伊的河床》（约 1862 年），亚历山大·卡拉梅 (Alexandre Calame) 创作。克拉克艺术学院，威廉斯敦，马萨诸塞州。

如果我们不选择写实主义的精确性，是否应该对场景进行抽象处理，使其虽然无法辨认，却仍然传达出风景或海景的精髓？印象派画家通过不同的笔触模糊了细节，转而呈现出一种“印象”，正如法国画家皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿（1841-1919）的这幅画作所示。

皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿的画作《伊波特的低潮》（1883年）。克拉克艺术学院，威廉斯敦，马萨诸塞州。

皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿的画作《伊波特低潮》（1883年）局部。克拉克艺术学院，威廉斯敦，马萨诸塞州。

抽象艺术的趋势在20世纪愈演愈烈。美国艺术家亚瑟·加菲尔德·多夫（1880-1946）以纽约州北部的景色为创作题材，探索如何描绘动态。正如波士顿美术博物馆的展品说明卡所描述的那样：“蓝色、绿色和黄色在交叠的弧线中相互呼应、和谐统一，填满画布，而树干则仿佛跃出地平线。” 如果没有标题和说明，我们又怎能了解这幅画作呢？

《舞动的柳树》（约1944年），亚瑟·加菲尔德·多夫作品。波士顿美术博物馆藏。

美国画家琼·布朗（1938-1990）在其抽象表现主义绘画作品《荆棘》的中心呈现了一大团厚重、凝结的颜料笔触。画面中丝毫没有具象的痕迹，却给人一种几乎无法穿透的厚重感，就像我们面对真正的荆棘时的感觉一样。

琼·布朗的画作《荆棘》（1957年）。加州奥克兰博物馆藏。

世界各地都用颜料、木材、黏土、纤维、金属等材料来描绘自然。其作品风格多样，可以是程式化的、具有传统本土特色的、古典的、前卫的，或是具有地域或时代特色的。

《秋景》，作者：菲奥娜·罗伯逊。机绣与手工刺绣。来源：http://www.fionarobertsonartworks.co.uk/

日本甚至有一种名为“水石”的石雕艺术，其灵感源自数百年前中国文人石。与雕塑不同，水石并非刻意雕刻以描绘自然景观，而是天然存在于河流、海洋和喀斯特地貌之中。人们选择水石，是因为它们在形状、色彩和纹理上都极具表现力。水石被视为赏心悦目的艺术品，如同欣赏绘画一般，它们保持着自然形态，但通常被放置在木质底座上。

如同水石的简洁，某些东亚自然绘画形式也省略了更多内容，其余部分则留给观者想象。这是一种别样的抽象艺术。

《鹅与芦苇，柳与月》。六扇屏风一对；纸本水墨设色，鎏金，丸山昭京（日本，1733–1795）作品。纽约大都会艺术博物馆藏。

并非所有人都试图以写实或抽象的方式描绘他们在自然界中所见的景象。对一些艺术家而言，直接使用自然原材料进行创作，才能创造出别具一格的艺术。英国雕塑家、摄影师和环保主义者安迪·戈兹沃斯（Andy Goldsworthy）便是最好的例证。

《木线》（2011），安迪·戈兹沃斯作品。由桉树枝组成，呈倾斜蜿蜒的曲线，穿过旧金山普雷西迪奥的一片桉树林。
来源：http://www.for-site.org/project/goldsworthy-in-the-presidio-wood-line/

戈兹沃斯以其大地艺术而闻名，尤其通过2001年的纪录片《河流与潮汐》而为人熟知。他用岩石、树叶、花朵、松果、雪、石头、树枝、荆棘和冰柱等材料创作特定场域的短暂雕塑。他的目的是通过尽可能直接地参与其中来理解自然。他解释说：

运动、变化、光线、生长和衰败是自然的生命之源，也是我试图通过作品汲取的能量。我需要触觉的冲击，需要场地、材料和天气的阻力，大地是我的源泉。自然处于变化之中，而这种变化正是理解的关键。我希望我的艺术能够敏锐地捕捉材料、季节和天气的变化。每一件作品都会生长、停留、衰败。过程和衰败是其内在的组成部分。作品中的短暂性反映了我在自然界中的发现……我不可能超越自然。我只是试图通过参与自然的某些过程来理解它。

《触摸北方》 （1989），安迪·戈兹沃西作品。来源：http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

安迪·戈兹沃斯作品《绿叶变黄》（1980）。来源：http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

安迪·戈兹沃西的短暂性装置作品。来源：http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

最近，我发现了一些以自然为调色板和画布的艺术家。例如，伊恩·罗斯和安德烈斯·阿马多尔都以沙子为创作媒介。罗斯用耙子在加州的海滩上创作巨型图案。通过在退潮后光滑的沙面上“雕刻”，他独创的短暂易逝的艺术形式便由此诞生。

来源：http://ianrossart.com/project/installation/

来源：http://ianrossart.com/project/installation/

在旧金山地区，安德烈斯·阿马多尔也使用耙子创作艺术作品，其面积可超过10万平方英尺。他花费数小时在干湿沙地上营造对比效果，最终潮水会将一切冲刷殆尽。只留下照片和记忆。

来源：http://www.viralnova.com/beach-art/

来源：http://www.viralnova.com/beach-art/

既然一切事物都是无常的，包括我们自身——毕竟，我们也是自然的一部分——那么，我们的艺术创作是流传下去还是消失，真的重要吗？

问题与评论：
身处自然环境中会如何影响你的艺术感性？
你会把这种经历带回工作室，让它潜移默化地影响你吗？你会尝试重现当时的场景吗？
你经常在户外工作吗？进行户外写生吗？根据素描和/或照片进行创作吗？
您更喜欢描绘自然景色的具象艺术，还是更倾向于抽象艺术？
提到与自然相关的艺术家，你会想到哪些？

太平洋的日落。