فنکار اور فطرت

میں صرف چہل قدمی کے لیے باہر گیا تھا، اور آخر کار سورج غروب ہونے تک باہر رہنے کا فیصلہ کیا، باہر جانے کے لیے، میں نے پایا، واقعی اندر جا رہا تھا ۔ -- جان مائر

فطرت ہمیں دریافت کرنے کے لیے کھینچتی ہے، پھر آہستہ سے ہمیں غور کرنے کے لیے اندر کی طرف بھیجتی ہے۔ اکثر، جب ہم سمندر، آسمان، پہاڑ، صحرا، جنگل، گھاس کا میدان، یا باغ میں لمحہ بہ لمحہ تبدیلیوں کو دیکھتے ہیں تو ہم بہتر محسوس کرتے ہیں۔ ہم سب سے چھوٹے پھول، پرندے، یا حشرات الارض سے حیران ہوسکتے ہیں، رنگوں کی بھرمار سے خوش ہوتے ہیں، کھانے یا ساتھی کی تلاش میں آنے والی مخلوقات کی طرف متوجہ ہوتے ہیں، آنے والے اور جانے والے جوار، جھیل میں لہراتی حلقوں، یا بڑبڑاتے ہوئے نالے کی وجہ سے ہم حیران ہوسکتے ہیں۔

بحرالکاہل میں غروب آفتاب

بطور فنکار، ہم اس تجربے کو کیسے حاصل کرتے ہیں؟ ہم اسے بصری طور پر، صوتی طور پر، یا چھونے سے کیسے ترجمہ کرتے ہیں؟ کیا ہم اسے حقیقت پسندانہ انداز میں پیش کرنے کی کوشش کرتے ہیں؟

جب میں نے میساچوسٹس کے ولیم ٹاؤن میں کلارک آرٹ انسٹی ٹیوٹ میں درج ذیل آرٹ ورک سے رابطہ کیا تو شروع میں میں نے سوچا کہ یہ ایک تصویر ہے۔ لیکن اس کا کوئی مطلب نہیں تھا، کیونکہ میں 19ویں صدی کے یورپی آرٹ کے لیے وقف ایک گیلری میں تھا۔ جب میں غور سے دیکھنے کے لیے کافی قریب پہنچا تو مجھے احساس ہوا کہ یہ دراصل ایک آئل پینٹنگ ہے۔ فوٹو گرافی نے حقیقت پسندی کے بادشاہ کا عہدہ سنبھالنے سے پہلے، سوئس آرٹسٹ الیگزینڈر کالم (1810-1864) کی طرف سے پیش کردہ نمائندگی کی عمدہ تفصیلات زمین کی تزئین کا واضح احساس دلاتی ہیں۔

"Riverbed at Rosenlaui sur Meyringen" (c.1862), از الیگزینڈر کالام۔ کلارک آرٹ انسٹی ٹیوٹ، ولیم ٹاؤن، ایم اے۔

"Riverbed at Rosenlaui sur Meyringen" (c.1862), از الیگزینڈر کالام۔ کلارک آرٹ انسٹی ٹیوٹ، ولیم ٹاؤن، ایم اے۔

اگر ہم حقیقت پسندی کی درستگی کا انتخاب نہیں کرتے ہیں، تو کیا ہم منظر کو خلاصہ کرتے ہیں تاکہ، اگرچہ یہ پہچانا نہیں جا سکتا، پھر بھی یہ زمین کی تزئین یا سمندری منظر کے جوہر کو ظاہر کرتا ہے؟ مختلف قسم کے اسٹروک کے ذریعے، تاثر دینے والوں نے تفصیلات کو دھندلا کر دیا اور اس کے بجائے ایک "تاثر" پیش کیا جیسا کہ فرانسیسی مصور پیئر-آگسٹ رینوئر (1841-1919) کی اس پینٹنگ میں ہے۔

"لو ٹائیڈ، یپورٹ" (1883)، بذریعہ پیئر-آگسٹ رینوئر۔ کلارک انسٹی ٹیوٹ، ولیم ٹاؤن، ایم اے۔

Pierre-Auguste Renoir کی طرف سے "لو ٹائیڈ، یپورٹ" (1883) کی تفصیل۔ کلارک انسٹی ٹیوٹ، ولیم ٹاؤن، ایم اے۔

تجرید کی طرف رجحان 20 ویں صدی میں اور بھی مضبوطی سے جاری رہا۔ نیو یارک کے اوپری حصے میں مناظر کے ساتھ کام کرتے ہوئے، امریکی آرٹسٹ آرتھر گارفیلڈ ڈو (1880-1946) نے حرکت کی عکاسی کرنے کا طریقہ دریافت کیا۔ جیسا کہ بوسٹن کے میوزیم آف فائن آرٹس کا ٹائٹل کارڈ بیان کرتا ہے، "بلیوز، گرینز، اور پیلے رنگ کی گونج اور اوورلیپنگ آرکس میں ہم آہنگی پیدا ہوتی ہے، درختوں کے تنوں سے موسوم ایک کینوس کو بھرتے ہیں جو افق کے اوپر چھلانگ لگتے ہیں۔" عنوان اور وضاحت کے بغیر، کیا ہم یہ جان سکتے ہیں؟

آرتھر گارفیلڈ ڈو کے ذریعہ "ڈانسنگ ولوز" (c.1944)۔ میوزیم آف فائن آرٹس، بوسٹن۔

امریکی پینٹر جان براؤن (1938-1990) نے اپنی تجریدی اظہار پسند پینٹنگ "برامبلز" کے مرکز میں پینٹ سٹروک کا ایک موٹا، جما ہوا ماس پیش کیا۔ یہاں تک کہ نمائندگی کا معمولی سا اشارہ بھی نہیں ہے، پھر بھی یہ احساس تقریباً ناقابل تسخیر ماس میں سے ایک ہے، جس طرح سے ہم حقیقی برمبلز ​​کا سامنا کرتے ہیں۔

"برامبلز" (1957)، بذریعہ جان براؤن۔ کیلیفورنیا کے آکلینڈ میوزیم۔

دنیا بھر میں فطرت کو پینٹ، لکڑی، مٹی، ریشوں، دھات اور بہت کچھ سے دکھایا گیا ہے۔ نتائج اسٹائلائزڈ، روایتی طور پر مقامی، کلاسیکی، avant-garde، خاص طور پر کسی جگہ یا دور کے لیے ہو سکتے ہیں۔

"خزاں کا منظر،" فیونا رابرٹسن کے ذریعہ۔ مشین اور ہاتھ کی کڑھائی۔ ماخذ: http://www.fionarobertsonartworks.co.uk/

یہاں تک کہ ایک جاپانی پتھر کا فن بھی ہے جسے سوسیکی کے نام سے جانا جاتا ہے، جو کئی صدیوں پہلے چینی اسکالر کی چٹانوں سے متاثر تھا۔ مجسمہ سازی کے برعکس، وہ جان بوجھ کر مناظر کی عکاسی کرنے کے لیے نہیں تراشے گئے ہیں، بلکہ دریاؤں، سمندروں اور کارسٹ میں برقرار پائے جاتے ہیں۔ ان کا انتخاب شکل، رنگ اور ساخت کے ذریعے اظہار خیال کی وجہ سے کیا جاتا ہے۔ خوبصورتی کی چیزوں پر غور کیا جاتا ہے اور اس سے لطف اندوز ہوتا ہے جس طرح سے کوئی پینٹنگ کے ساتھ تعامل کرسکتا ہے، سوسیکی اپنی فطری شکل میں غیر تبدیل شدہ رہتی ہے، لیکن اسے لکڑی کے اڈے میں رکھا جاتا ہے۔

سوسیکی کی سادگی کی طرح، مشرقی ایشیائی فطرت کی پینٹنگ کی کچھ شکلیں ان میں شامل سے کہیں زیادہ چھوڑ دیتی ہیں۔ ناظرین باقی کا تصور کرتا ہے۔ یہ ایک مختلف قسم کا خلاصہ ہے۔

"ہنس اور سرکنڈے، ولو اور چاند۔" چھ پینل فولڈنگ اسکرینوں کا جوڑا؛ سیاہی، رنگ اور کاغذ پر سونا، بذریعہ Maruyama ÅŒkyo (جاپانی، 1733–1795)۔ میٹروپولیٹن میوزیم آف آرٹ، NY

ہر کوئی اس کی مثال دینے کی کوشش نہیں کرتا، چاہے وہ حقیقت پسندانہ ہو یا تجریدی، وہ جو فطرت میں دیکھتے ہیں۔ کچھ فنکاروں کے لیے، درحقیقت اس کے خام مال کے ساتھ براہ راست کام کرنا ہی ایک مختلف قسم کے فن کا نتیجہ ہے۔ برطانوی مجسمہ ساز، فوٹوگرافر، اور ماہر ماحولیات اینڈی گولڈس ورتھی فوراً ذہن میں آتے ہیں۔

"ووڈ لائن" (2011)، از اینڈی گولڈس ورتھی ۔ سان فرانسسکو کے پریسیڈیو میں یوکلپٹس کے گروو کے ذریعے ڈھلوان، گندے گھماؤ میں رکھی ہوئی یوکلپٹس شاخوں سے بنایا گیا ہے۔
ماخذ: http://www.for-site.org/project/goldsworthy-in-the-presidio-wood-line/

اپنے زمینی فن کے لیے جانا جاتا ہے، خاص طور پر 2001 کی دستاویزی فلم ریورز اینڈ ٹائیڈز کے ذریعے، گولڈس ورتھی نے چٹانوں، پتوں، پھولوں، دیودار کے شنکوں، برف، پتھر، ٹہنیوں، کانٹوں اور برف کے ساتھ سائٹ کے لیے مخصوص عارضی مجسمے تخلیق کیے ہیں۔ اس کا ارادہ فطرت کو سمجھنا ہے اور اس میں براہ راست حصہ لے کر جتنا ممکن ہو سکتا ہے۔ وہ وضاحت کرتا ہے:

حرکت، تبدیلی، روشنی، نشوونما اور زوال فطرت کا زندہ خون ہیں، وہ توانائیاں جنہیں میں اپنے کام کے ذریعے استعمال کرنے کی کوشش کرتا ہوں۔ مجھے چھونے کا جھٹکا، جگہ کی مزاحمت، مواد اور موسم، زمین کو میرے ذریعہ کی ضرورت ہے۔ فطرت تبدیلی کی حالت میں ہے اور یہ تبدیلی سمجھنے کی کنجی ہے۔ میں چاہتا ہوں کہ میرا فن مادی، موسم اور موسم کی تبدیلیوں سے حساس اور چوکنا رہے۔ ہر کام بڑھتا، ٹھہرتا، زوال پذیر ہوتا ہے۔ عمل اور تنزل مضمر ہیں۔ میرے کام میں تبدیلی اس بات کی عکاسی کرتی ہے جو میں فطرت میں پاتا ہوں.... میں فطرت کو بہتر بنانے کی کوشش نہیں کر سکتا۔ میں اسے صرف اس کے کچھ عملوں میں شامل ہو کر سمجھنے کی کوشش کر رہا ہوں۔

"ٹچنگ نارتھ " (1989)، از اینڈی گولڈ ورتھی۔ ماخذ: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

"گرین ٹو یلو لیوز" (1980)، از اینڈی گولڈس ورتھی۔ ماخذ: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

اینڈی گولڈورتھی کے ذریعہ عارضی تنصیب۔ ماخذ: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

حال ہی میں، میں دوسرے فنکاروں سے ملا جو فطرت کو اپنے پیلیٹ اور کینوس کے طور پر استعمال کرتے ہیں۔ مثال کے طور پر، ایان راس اور اینڈریس اماڈور ریت میں ہیرا پھیری کرتے ہیں۔ راس کیلیفورنیا کے ساحلوں پر دیوہیکل ڈیزائن بنانے کے لیے ریک کے ساتھ کام کرتا ہے۔ ہموار سطح پر جہاں جوار کم ہو گیا ہے وہاں "نقش" کرنے سے، اس کی اپنی قسم کی عارضی اور غیر مستقل فن کی شکل ابھرتی ہے۔

ماخذ: http://ianrossart.com/project/installation/

ماخذ: http://ianrossart.com/project/installation/

سان فرانسسکو کے علاقے میں، آندرس اماڈور آرٹ کے کام تخلیق کرنے کے لیے ایک ریک بھی لگاتا ہے جو 100,000 مربع فٹ سے زیادہ ہو سکتا ہے۔ گیلی اور خشک ریت کے درمیان تضاد پیدا کرنے میں گھنٹوں گزارنے کے بعد، جوار اس سب کو دھو دیتا ہے۔ صرف ایک تصویر اور ایک یاد باقی ہے۔

ماخذ: http://www.viralnova.com/beach-art/

ماخذ: http://www.viralnova.com/beach-art/

یہ دیکھتے ہوئے کہ ہر چیز غیر مستقل ہے، جس میں ہم بھی شامل ہیں - آخر کار، ہم بھی فطرت ہیں - کیا اس سے کوئی فرق پڑتا ہے کہ ہماری فنکارانہ تخلیقات زندہ رہیں یا غائب رہیں؟

سوالات اور تبصرے:
قدرتی ماحول میں رہنا آپ کی فنکارانہ حساسیت کو کیسے متاثر کرتا ہے؟
کیا آپ تجربے کو اپنے اسٹوڈیو میں واپس لاتے ہیں اور اسے لاشعوری طور پر آپ کو مطلع کرنے دیتے ہیں؟ کیا آپ منظر کو دوبارہ حاصل کرنے کی کوشش کرتے ہیں؟
کیا آپ باہر کام کرتے ہیں؟ پینٹ یا مکمل ہوا؟ خاکے اور/یا تصاویر سے کام؟
کیا آپ قدرتی مناظر کی نمائندگی کرنے والے فن کو ترجیح دیتے ہیں یا آپ خلاصہ کی طرف زیادہ مائل ہیں؟
فطرت سے تعلق کے لیے کون سے فنکار ذہن میں آتے ہیں؟

بحرالکاہل میں غروب آفتاب۔