Artisti E Natura

Sono uscito solo per una passeggiata e alla fine ho deciso di restare fuori fino al tramonto, perché ho scoperto che uscire significava in realtà entrare . -- John Muir

La natura ci spinge a esplorare, poi ci spinge dolcemente verso l'interno per riflettere. Il più delle volte, finiamo per sentirci meglio osservando i cambiamenti istantanei nell'oceano, nel cielo, in montagna, nel deserto, nella foresta, nel prato o nel giardino. Potremmo essere incantati dal più piccolo fiore, uccello o insetto, rallegrati da una profusione di colori, incuriositi da creature in cerca di cibo o di un compagno, cullati dalle maree che salgono e scendono, dai cerchi increspati di un lago o dal mormorio di un ruscello.

Tramonto sull'Oceano Pacifico

Come artisti, come catturiamo quell'esperienza? Come la traduciamo visivamente, acusticamente o tattilmente? Cerchiamo di renderla il più realisticamente possibile?

Quando mi sono avvicinato alla seguente opera d'arte al Clark Art Institute di Williamstown, Massachusetts, inizialmente ho pensato che fosse una fotografia. Ma non aveva senso, perché mi trovavo in una galleria dedicata all'arte europea del XIX secolo. Quando mi sono avvicinato abbastanza da poterla osservare attentamente, mi sono reso conto che in realtà si trattava di un dipinto a olio. Prima che la fotografia assumesse il ruolo di regina del realismo, i raffinati dettagli della rappresentazione resi dall'artista svizzero Alexandre Calame (1810-1864) trasmettono un senso palpabile del paesaggio.

"Alveo del fiume a Rosenlaui sur Meyringen" (1862 circa), di Alexandre Calame. Il Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts.

"Alveo del fiume a Rosenlaui sur Meyringen" (1862 circa), di Alexandre Calame. Il Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts.

Se non scegliamo l'esattezza del realismo, astraiamo forse la scena in modo che, pur non essendo riconoscibile, trasmetta comunque l'essenza di un paesaggio o di una marina? Attraverso diversi tipi di pennellate, gli impressionisti hanno offuscato i dettagli e, invece, hanno offerto un'"impressione", come in questo dipinto dell'artista francese Pierre-Auguste Renoir (1841-1919).

"Bassa marea, Yport" (1883), di Pierre-Auguste Renoir. The Clark Institute, Williamstown, MA.

Dettaglio di "Bassa marea, Yport" (1883), di Pierre-Auguste Renoir. The Clark Institute, Williamstown, MA.

La tendenza all'astrazione continuò con ancora più forza nel XX secolo. Lavorando con scene ambientate nel nord dello stato di New York, l'artista americano Arthur Garfield Dove (1880-1946) esplorò il modo di rappresentare il movimento. Come descritto nel titolo dell'opera al Museum of Fine Arts di Boston, "Blu, verdi e gialli risuonano e si armonizzano in archi sovrapposti, riempiendo una tela punteggiata da tronchi d'albero che sembrano svettare sopra l'orizzonte". Senza il titolo e la descrizione, lo sapremmo?

"Salici danzanti" (c.1944), di Arthur Garfield Dove. Museum of Fine Arts, Boston.

La pittrice americana Joan Brown (1938-1990) presenta una massa densa e densa di pennellate al centro del suo dipinto espressionista astratto "Rovi". Non c'è il minimo accenno di rappresentazione, eppure la sensazione è quella di una massa quasi impenetrabile, proprio come accade con i veri rovi.

"Brambles" (1957), di Joan Brown. Oakland Museum of California.

In tutto il mondo, la natura viene raffigurata con pittura, legno, argilla, fibre, metallo e altro ancora. I risultati possono essere stilizzati, tradizionalmente indigeni, classici, d'avanguardia, specifici di un luogo o di un'epoca.

"Vista autunnale", di Fiona Robertson. Ricamo a macchina e a mano. Fonte: http://www.fionarobertsonartworks.co.uk/

Esiste persino un'arte giapponese della pietra nota come suiseki , influenzata dalle rocce create dagli studiosi cinesi molti secoli fa. A differenza della scultura, non sono scolpiti deliberatamente per riflettere paesaggi, ma si trovano intatti nei fiumi, negli oceani e nei terreni carsici. Sono selezionati per la loro espressività attraverso forma, colore e consistenza. Considerati oggetti di bellezza da ammirare e ammirare come si potrebbe interagire con un dipinto, i suiseki rimangono inalterati nella loro forma naturale, ma collocati su una base di legno.

Come la semplicità del suiseki, alcune forme di pittura naturalistica dell'Asia orientale omettono più di quanto includano; il resto lo immagina l'osservatore. È un tipo diverso di astrazione.

"Oca e canne, salice e luna". Coppia di paraventi pieghevoli a sei ante; inchiostro, colore e oro su carta, di Maruyama Ōkyo (giapponese, 1733–1795). Metropolitan Museum of Art, New York.

Non tutti cercano di illustrare, in modo realistico o astratto, ciò che vedono in natura. Per alcuni artisti, lavorare direttamente con le materie prime è ciò che dà vita a un'arte diversa. Mi viene subito in mente lo scultore, fotografo e ambientalista britannico Andy Goldsworthy.

"Wood Line" (2011), di Andy Goldsworthy . Realizzata con rami di eucalipto disposti in una curva sinuosa e inclinata attraverso un boschetto di eucalipti nel Presidio di San Francisco.
Fonte: http://www.for-site.org/project/goldsworthy-in-the-presidio-wood-line/

Noto per la sua land art, in particolare attraverso il documentario del 2001 "River and Tides" , Goldsworthy crea sculture effimere site-specific con rocce, foglie, fiori, pigne, neve, pietre, ramoscelli, spine e ghiaccioli. Il suo intento è comprendere la natura partecipandovi direttamente e nel modo più intimo possibile. Spiega:

Movimento, cambiamento, luce, crescita e decadimento sono la linfa vitale della natura, le energie che cerco di attingere attraverso il mio lavoro. Ho bisogno dello shock del tatto, della resistenza del luogo, dei materiali e delle condizioni atmosferiche, della terra come mia fonte. La natura è in uno stato di cambiamento e questo cambiamento è la chiave per la comprensione. Voglio che la mia arte sia sensibile e attenta ai cambiamenti di materiali, stagioni e condizioni atmosferiche. Ogni opera cresce, si mantiene, decade. Processo e decadimento sono impliciti. La transitorietà nel mio lavoro riflette ciò che trovo in natura... Non potrei mai cercare di migliorare la Natura. Cerco solo di comprenderla attraverso il coinvolgimento in alcuni dei suoi processi.

"Touching North " (1989), di Andy Goldworthy. Fonte: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

"Green to Yellow Leaves" (1980), di Andy Goldsworthy. Fonte: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Installazione effimera di Andy Goldworthy. Fonte: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Di recente, mi sono imbattuto in altri artisti che utilizzano la natura come tavolozza e tela. Ad esempio, Ian Ross e Andrés Amador manipolano la sabbia. Ross lavora con un rastrello per creare disegni giganteschi sulle spiagge della California. "Incidendo" la superficie liscia dove la marea si è ritirata, emerge il suo tipo di forma d'arte effimera e impermanente.

Fonte: http://ianrossart.com/project/installation/

Fonte: http://ianrossart.com/project/installation/

Nella zona di San Francisco, Andrés Amador usa anche un rastrello per creare opere d'arte che possono superare i 9.000 metri quadrati. Dopo aver trascorso ore a sviluppare contrasti tra sabbia bagnata e asciutta, la marea spazza via tutto. Rimangono solo una fotografia e un ricordo.

Fonte: http://www.viralnova.com/beach-art/

Fonte: http://www.viralnova.com/beach-art/

Dato che tutto è comunque impermanente, compresi noi stessi (dopotutto anche noi siamo natura), ha importanza se le nostre creazioni artistiche sopravvivono o scompaiono?

Domande e commenti:
In che modo la presenza in un ambiente naturale influenza la tua sensibilità artistica?
Riporti l'esperienza nel tuo studio e lasci che ti informi inconsciamente? Cerchi di ricatturare la scena?
Lavori all'aperto? Dipingi all'aria aperta? Lavori partendo da schizzi e/o fotografie?
Preferisci l'arte figurativa di scene naturali o sei più portato per l'astratto?
Quali artisti ti vengono in mente per il loro rapporto con la Natura?

Tramonto sull'Oceano Pacifico.