Seniman Dan Alam Semula Jadi

Saya hanya keluar untuk berjalan-jalan, dan akhirnya membuat kesimpulan untuk tinggal di luar sehingga matahari terbenam, kerana keluar, saya dapati, benar-benar akan masuk . -- John Muir

Alam semula jadi menarik kita untuk meneroka, kemudian dengan lembut menghantar kita ke dalam untuk merenung. Selalunya, kita berasa lebih baik apabila kita melihat perubahan dari semasa ke semasa di lautan, langit, gunung, padang pasir, hutan, padang rumput atau taman. Kita mungkin terpesona dengan bunga, burung, atau serangga yang paling kecil, diceriakan oleh kelimpahan warna, tertarik dengan makhluk yang mencari makanan atau pasangan, dibuai oleh air pasang yang masuk dan keluar, lingkaran beralun di tasik, atau anak sungai yang bergelora.

Matahari terbenam di Lautan Pasifik

Sebagai artis, bagaimana kita menangkap pengalaman itu? Bagaimanakah kita menterjemahkannya secara visual, akustik atau sentuhan? Adakah kita cuba untuk menjadikannya serealistik mungkin?

Apabila saya mendekati karya seni berikut di The Clark Art Institute di Williamstown, Massachusetts, pada mulanya saya fikir ia adalah gambar. Tetapi itu tidak masuk akal, kerana saya berada di galeri yang dikhaskan untuk seni Eropah abad ke-19. Apabila saya cukup dekat untuk melihat dengan teliti, saya menyedari ia sebenarnya lukisan minyak. Sebelum fotografi mengambil alih sebagai raja realisme, butiran terperinci representasi yang diberikan oleh artis Switzerland Alexandre Calame (1810-1864) menyampaikan rasa landskap yang jelas.

"Bersungai di Rosenlaui sur Meyringen" (c.1862), oleh Alexandre Calame. Institut Seni Clark, Williamstown, MA.

"Bersungai di Rosenlaui sur Meyringen" (c.1862), oleh Alexandre Calame. Institut Seni Clark, Williamstown, MA.

Jika kita tidak memilih ketepatan realisme, adakah kita mengabstraksikan pemandangan itu supaya, walaupun ia tidak dapat dikenali, ia masih menyampaikan intipati landskap atau pemandangan laut? Melalui pelbagai jenis pukulan, Impresionis mengaburkan butiran dan, sebaliknya, menawarkan "kesan," seperti dalam lukisan ini oleh artis Perancis Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)

"Low Tide, Yport" (1883), oleh Pierre-Auguste Renoir. Institut Clark, Williamstown, MA.

Butiran "Low Tide, Yport" (1883), oleh Pierre-Auguste Renoir. Institut Clark, Williamstown, MA.

Kecenderungan ke arah abstraksi berterusan dengan lebih kuat pada abad ke-20. Bekerja dengan adegan di bahagian utara New York, artis Amerika Arthur Garfield Dove (1880-1946) meneroka cara menggambarkan gerakan. Seperti yang diterangkan oleh kad tajuk di Muzium Seni Halus di Boston, "Biru, hijau dan kuning bergema dan harmoni dalam lengkok yang bertindih, mengisi kanvas yang diselingi oleh batang pokok yang kelihatan melompat di atas ufuk." Tanpa tajuk dan huraian, adakah kita akan tahu ini?

"Dancing Willows" (c.1944), oleh Arthur Garfield Dove. Muzium Seni Halus, Boston.

Pelukis Amerika Joan Brown (1938-1990) mempersembahkan jisim cat yang tebal dan bergumpal di tengah-tengah lukisan Abstrak Ekspresionisnya "Brables." Tidak ada sedikit pun gambaran, namun perasaan itu adalah satu jisim yang hampir tidak dapat ditembusi, seperti cara kita menghadapi semak semak yang sebenar.

"Brambles" (1957), oleh Joan Brown. Muzium Oakland California.

Di seluruh dunia, alam semula jadi digambarkan dengan cat, kayu, tanah liat, gentian, logam dan banyak lagi. Hasilnya mungkin digayakan, secara tradisinya asli, klasik, avant-garde, khususnya pada sesuatu tempat atau era.

"Autumn View," oleh Fiona Robertson. Mesin dan sulaman tangan. Sumber: http://www.fionarobertsonartworks.co.uk/

Malah terdapat seni batu Jepun yang dikenali sebagai suiseki , dipengaruhi oleh batu cendekiawan China berabad-abad yang lalu. Tidak seperti arca, ia tidak sengaja diukir untuk mencerminkan landskap, tetapi didapati utuh di sungai, lautan, dan karst. Mereka dipilih kerana ekspresif mereka melalui bentuk, warna, dan tekstur. Dianggap sebagai objek keindahan untuk dipandang dan dinikmati dengan cara seseorang berinteraksi dengan lukisan, suiseki kekal tidak berubah dalam bentuk semula jadinya, tetapi diletakkan di dalam tapak kayu.

Seperti kesederhanaan suiseki, beberapa bentuk lukisan alam Asia Timur meninggalkan lebih daripada yang termasuk; penonton membayangkan selebihnya. Ia adalah jenis abstraksi yang berbeza.

"Angsa dan Buluh, Willow dan Bulan." Sepasang skrin lipat enam panel; dakwat, warna dan emas di atas kertas, oleh Maruyama ÅŒkyo (Bahasa Jepun, 1733–1795). Muzium Seni Metropolitan, NY.

Tidak semua orang cuba menggambarkan, sama ada secara realistik atau abstrak, apa yang mereka lihat dalam alam semula jadi. Bagi sesetengah artis, sebenarnya bekerja secara langsung dengan bahan mentahnya adalah yang menghasilkan jenis seni yang berbeza. Pengukir, jurugambar dan ahli alam sekitar British Andy Goldsworthy serta-merta terlintas di fikiran.

"Wood Line" (2011), oleh Andy Goldsworthy . Diperbuat daripada dahan kayu putih yang dibentangkan dalam lengkung yang landai dan berliku-liku melalui hutan kayu putih di Presidio di San Francisco.
Sumber: http://www.for-site.org/project/goldsworthy-in-the-presidio-wood-line/

Terkenal dengan seni tanahnya, terutamanya menerusi filem dokumentari Rivers and Tides 2001, Goldsworthy mencipta arca fana khusus tapak dengan batu, daun, bunga, kon pain, salji, batu, ranting, duri dan es. Niatnya adalah untuk memahami alam semula jadi dengan mengambil bahagian secara langsung di dalamnya sedekat mungkin. Dia menerangkan:

Pergerakan, perubahan, cahaya, pertumbuhan dan pereputan adalah nadi alam, tenaga yang saya cuba gunakan melalui kerja saya. Saya memerlukan kejutan sentuhan, rintangan tempat, bahan dan cuaca, bumi sebagai sumber saya. Alam semula jadi berada dalam keadaan berubah dan perubahan itu adalah kunci kepada pemahaman. Saya mahu seni saya peka dan berwaspada terhadap perubahan bahan, musim dan cuaca. Setiap kerja tumbuh, kekal, reput. Proses dan pereputan adalah tersirat. Transience dalam kerja saya mencerminkan apa yang saya temui dalam alam semula jadi.... Saya tidak mungkin cuba memperbaiki Alam Semulajadi. Saya hanya cuba memahaminya dengan penglibatan dalam beberapa prosesnya.

"Menyentuh Utara " (1989), oleh Andy Goldworthy. Sumber: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

"Daun Hijau hingga Kuning" (1980), oleh Andy Goldsworthy. Sumber: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Pemasangan sementara oleh Andy Goldworthy. Sumber: http://visualmelt.com/Andy-Goldsworthy

Baru-baru ini, saya terjumpa artis lain yang menggunakan alam semula jadi sebagai palet dan kanvas mereka. Contohnya, Ian Ross dan Andrés Amador memanipulasi pasir. Ross bekerja dengan garu untuk membuat reka bentuk gergasi di pantai di California. Dengan "mengukir" ke permukaan licin di mana air pasang surut, jenis seninya yang fana dan tidak kekal muncul.

Sumber: http://ianrossart.com/project/installation/

Sumber: http://ianrossart.com/project/installation/

Di kawasan San Francisco, Andrés Amador juga menggunakan garu untuk mencipta karya seni yang boleh menjadi lebih besar daripada 100,000 kaki persegi. Selepas dia menghabiskan berjam-jam mengembangkan kontras melalui pasir basah dan kering, air pasang menghanyutkan semuanya. Hanya tinggal sekeping gambar dan kenangan.

Sumber: http://www.viralnova.com/beach-art/

Sumber: http://www.viralnova.com/beach-art/

Memandangkan segala-galanya adalah tidak kekal, termasuk diri kita sendiri--lagipun, kita juga adalah alam semula jadi--adakah penting sama ada ciptaan seni kita hidup atau hilang?

Soalan & Komen:
Bagaimanakah berada dalam persekitaran semula jadi mempengaruhi kepekaan artistik anda?
Adakah anda membawa pengalaman itu kembali ke studio anda dan membiarkannya memberitahu anda secara tidak sedar? Adakah anda cuba menangkap semula adegan itu?
Adakah anda bekerja di luar rumah? Cat au plein air? Bekerja daripada lakaran dan/atau gambar?
Adakah anda lebih suka seni representasi pemandangan semula jadi atau adakah anda lebih cenderung kepada abstrak?
Artis apa yang terlintas di fikiran untuk hubungan mereka dengan Alam?

Matahari terbenam di Lautan Pasifik.