Как реагираме? Въпрос към артистите

Кой художник не е обмислял намерението си да създава изкуство? Задаваме си въпроса каква е целта на нашата работа и ефекта, който се надяваме да постигнем. Говорете с дузина артисти и ще получите дузина различни отговори на този въпрос.

Някои от нас може да се занимават с официално изследване на теми, цветове, техники, материали или стилове. Други записват наблюдения на места, хора, животни и събития. Може би просто искаме да украсим пространството или да уловим красотата. Може би изразяваме мечти, прогонваме вътрешни демони, предизвикваме емоции, вървим към изцеление. Може би се опитваме да направим видимо духовно невидимото и да разберем мястото си в света. Ако сме дълбоко обезпокоени от въпроси от социално, политическо и/или икономическо естество, предизвикателството на нашето изкуство може да бъде да подтикнем към обществено действие.

Детайл от "Red Disaster" (1963), от Анди Уорхол. Ситопечатно мастило върху синтетична полимерна боя върху платно. Музей на изящните изкуства, Бостън. Извлечено от снимка на електрическите столове в затвора Синг Синг в Осининг, Ню Йорк, където предполагаемите съветски шпиони Юлиус и Етел Розенберг бяха екзекутирани на 13 януари 1953 г., в разгара на Студената война.

Ако нашето желание е да се изправим пред условията на нашето време или дори по-ранни периоди, как да го направим? Какво ще повлияе на зрителите да се отворят и да видят нещата през друго сърце и ум? Трябва ли нашите произведения на изкуството да са явно политически? Можем ли да предложим нещо, което позволява на хората да се успокоят насред раздора и сътресенията? Създаваме ли изкуство, изпълнено с гняв, с надеждата, че то ще провокира хората да действат, или използваме хумор? Какво ще бъде най-ефективно за генериране на осведоменост и обсъждане на натоварени теми?

„The Rich Soil Down There“ (2002), от Кара Уокър. Нарежете хартия и лепило върху боядисана стена. Музей на изящните изкуства, Бостън.

В американските домове от 19-ти век малки и деликатни силуети на любими хора и щастливи домашни сцени украсяваха стените. Откривайки силуети и расови стереотипи, умалявания на човешки същества, Уокър трансформира тази странна традиция, като превръща цяла музейна стена в голяма картина на расово и сексуално насилие в Юга преди Гражданската война.

„Няма глас, няма глас“ (2017), от Алис Бийзли. Текстил. Това е отговорът на Бийзли на деня, в който Върховният съд отмени Закона за избирателните права и загърби гласуването като централно за демокрацията.

„Кораб на роби (робите хвърлят зад борда мъртвите и умират, излиза тайфун)“, 1840 г., от Джоузеф У.М. Търнър. масло върху платно. Музей на изящните изкуства, Бостън. Една година след преиздаването на „История на премахването на търговията с роби“ от 1808 г. на Томас Кларксън, тази картина съвпада с първата среща в Лондон на Световната конвенция против робството, която води кампания за края на робството.

Детайл от кораба на роби на Джоузеф Търнър (1840). Музей на изящните изкуства, Бостън.

„Без заглавие“ (2011), от поредицата ShakyÅ rÅ jin nikki (Дневникът на фото-лудия старец), от Нобуйоши Араки. Източник: http://artradarjournal.com/2015/05/15/japan-after-fukushima-10-artists-making-art-about-the-disaster/.

Това е отговорът на Араки на катастрофата в атомната електроцентрала Фукушима, най-големият ядрен инцидент след този в Чернобил през 1986 г. С помощта на ножица той направи прорези в 238 фотографски негатива, създавайки вид на черен дъжд, зейнали рани или нокти, които се стърчат за помощ.

Представяне на „Добрите огради правят добри съседи“ от Ай Вейвей.

По поръчка на Public Art Fund, този китайски художник и активист ще построи повече от 100 огради в Ню Йорк в отговор на международната миграционна криза. Той е бил имигрант в Ню Йорк през 80-те години на миналия век в продължение на 10 години. Източник: различни онлайн новини.

Не всеки артист се чувства длъжен да се заеме с неприятни проблеми в директно визуално изявление. Поне засега аз съм един от тях. Това обаче не означава непременно мълчание. Избрах да участвам в практическо действие за членове на моята общност имигранти. Но тези, които избират да дадат публичен глас на своите опасения и да се противопоставят на грешките, които възприемат, подхождат към своите арт проекти по индивидуален начин. Изображенията, които събрах, разкриват как определени художници са реагирали на условията, за които знаят от личен опит или научават от новините, както и от приятели, роднини и колеги. В някои случаи работата на един художник, като Дорис Салседо, може да варира значително по форма и материал.

„Без заглавие“ (2008), от Дорис Салседо. дървени маси, дървени шкафове, метал, бетон. Музеи на изкуствата в Харвард, Кеймбридж, Масачузетс.

Изображението по-горе и това по-долу са на произведения от „Материалността на траура“ от Салседо, колумбийски художник, базиран в Богота. Те съдържат елементи, които предават както познат смисъл, така и неустановено чувство. Мебелите са струпани заедно под различни ъгли; столовете са частично смачкани или повредени по друг начин. Изглежда, че се позовават на домашния живот, но въплъщават трагедията, тъй като вече не са полезни и домовете, в които може да са живели, вече не са обитаеми от онези, които са избягали, за да спасят живота си.

"Thou-less" (2001-2002), от Дорис Салседо. резбовани столове от неръждаема стомана. Музеи на изкуствата в Харвард, Кеймбридж, Масачузетс.

В началото на двадесетте години имах късмета да живея и работя в Колумбия по време на спокоен период, когато царуването на ужасяващо насилие не обхвана тази красива страна. Салседо, родена през 1958 г., наистина премина през турбуленцията и бруталността и членовете на собственото й семейство бяха сред многото хора, които изчезнаха. Нейните скулптури и инсталации са насочени към болката, травмата и загубата, които колумбийците са претърпели поради свирепа гражданска война между правителствените сили, наркокартелите, левите партизани и десните паравоенни формирования. В същото време тя осигурява пространство както за индивидуален, така и за колективен траур. Нейното изкуство се занимава с факта, че отвъд скръбта се крие непоносимата празнота, оставена от изчезването на любими хора.

Щракнете върху връзката за кратко видео, в което Салседо води зрителите през този терен и демонстрира защо „изкуството не може да обясни нещата, но може да ги изложи – ето защо изкуството тук е толкова важно и необходимо“: https://www.theguardian.com/cities/video/2016/jul/26/artist-doris-salcedo-bogota-forces-work-brutal-video

Въпреки че изображенията по-горе са от твърди материали, работата на Salcedo също е от деликатен характер. Flor de Piel , отдолу, е голям "саван", направен от истински розови листенца, зашити заедно на ръка. Според художника произведението е замислено като „поднасяне на цвете на жертва на мъчения, в опит да изпълни погребалния ритуал, който й е бил отказан“.

A Flor de Piel (2013), от Дорис Салседо. Музеи на изкуствата в Харвард, Кеймбридж, Масачузетс.

С размери прибл. С размери 11 фута x 16,5 фута, този гоблен се състои от хиляди обработени и консервирани, ръчно зашити листенца от рози и предназначен като саван за медицинска сестра, която е била отвлечена и измъчвана до смърт.

Детайл от A Flor de Piel (2013), от Дорис Салседо.

Едър план на зашиване на розови листенца за A Flor de Piel, от Дорис Салседо. Източник: http://www3.mcachicago.org/2015/salcedo/works/a_flor_de_piel/

Също толкова деликатен е Disremembered, поредица от крехки призрачни блузи, които Salcedo разработи след интервюиране на майки, които са загубили децата си от насилие с оръжие в Чикаго. Чрез тези скулптури, базирани на една от собствените й блузи, тя придава форма на изгубените тела, дълбоко скърбени от семействата си, но често игнорирани от обществото. Всеки един е направен от сурови копринени нишки, разпръснати в неправилен модел с повече от 12 000 малки, почернели игли. Резултатът е нещо като тениска, която едновременно внушава и причинява болка.

„Disremembered“ (2014, 2015-16), от Дорис Салседо. копринена нишка и никелирана стомана.
Музеи на изкуствата в Харвард, Кеймбридж Масачузетс.

Детайл от "Disremembered" от Дорис Салседо. Музеи на изкуствата в Харвард, Кеймбридж Масачузетс.

Какво друго правят артистите, когато са изправени пред нещо толкова жестоко, че е невъобразимо? Когато Втората световна война разкри нечовечност в мащаб, невиждан досега, те отговориха на ужасите във всяка медия.

Германският художник Макс Бекман (1884-1950) създава портрет на епохата с традиционни неподвижни елементи - черепи, загасени свещи, карти за игра - за да покаже крехкостта, непредсказуемостта и непостоянството на живота. Той създава „Натюрморт с три черепа“ през 1945 г., през последните месеци на войната, докато живее в Амстердам, където е избягал през 1937 г. Той описва тези години като „наистина гротескно време, изпълнено до краен предел с работа, нацистко преследване, бомби и глад“.

„Натюрморт с. Три черепа“ (1945), от Макс Бекман. Музей на изящните изкуства, Бостън.

Някои хора се опитаха да уловят случващото се чрез снимки с надеждата, че някой в ​​крайна сметка ще разбере реалността, а не лъжите. Изложбата в Музея за изящни изкуства, Бостън, „Откритата памет: Снимките на Хенрик Рос от гетото в Лодз“ е само едно от многото подобни начинания. Между 1940 г. и 1944 г., изложен на голям риск за себе си и семейството си, Рос се крие на места, където му е забранено да ходи, и крие фотоапарат в палтото си, за да направи снимки, които изобразяват трагичната трогателност да бъдеш избран за геноцид: водени от краен глад, хората отчаяно копаят за гнилите картофи, изхвърлени от нацистките войници; отнети от родителите им, децата буквално са откарани с каруца в лагер на смъртта; принудени да бъдат депортирани, хората оставят чиниите и кофите с храна. Той скрил около 6000 негатива в железни буркани в кутия с железни рамки, които заровил в земята. Като по чудо той оцеля и успя да разкрие документацията, силно повредена от подпочвените води, след края на войната.

Деца, депортирани в лагера на смъртта Хелмно и Нерем (1942), снимка на Хенрик Рос. Музей на изящните изкуства, Бостън; Художествена галерия на Онтарио.

Кофи с храна и съдове, оставени от депортирани жители на гетото (1944 г.), снимка от Хенрик Рос. Музей на изящните изкуства, Бостън; Художествена галерия на Онтарио.

Има толкова много други произведения на изкуството, които бих могъл да включа – известни и неизвестни – за насилието, извършено срещу жени, деца и други същества, срещу океаните и горите, срещу хора от една религия, етническа група, раса, националност или друга – но списъкът е безкраен и един блог не трябва да бъде такъв. Просто знайте, че артистите навсякъде се съпротивляват и протестират в името на имиграционните права, жилищното настаняване, здравеопазването, свободата на словото, равните възможности, религиозната свобода, правата на коренното население, опазването на околната среда, правата на LGBTQ и много други.

Но какво се случва, когато изкуството се използва по противоположни причини? В пиесата Leni , в Aurora Theatre в Бъркли, Калифорния, главният герой, Лени Рифенщал, казва: Това е просто филм. Може ли едно произведение на изкуството наистина да бъде толкова опасно? Това е важен въпрос. В случая с Рифенщал отговорът беше „да“. Въпреки че са възхвалявани за артистичност, нейните филми „Триумфът на волята“ (1935) и „Олимпия“ (1938) са финансирани от нацисткото правителство, което ги използва като мощни пропагандни инструменти: за възхвала на арийските вярвания относно расовата „чистота“ и превъзходството на „германската господска раса“, която да превземе света. Да, изкуството може да бъде опасно, когато се използва срещу другите. Което ме връща към въпроса в началото на тази публикация: Каква е целта на нашата работа и ефекта, който се надяваме да постигнем? В допълнение към това, каква е отговорността на художника в поляризирани времена, като нашето?

Ще завърша с някои думи от най-новата книга на поетесата Мери Оливър, Upstream: Selected Essays : „...силата на всяка идея се засилва, ако не всъщност се създава, чрез нейното изразяване в същността... [Т]ези, които са работещите художници в света, не се опитват да помогнат на света да се движи, а напред.”

Въпроси и коментари
Как художниците играят стимулираща роля при оформянето на общественото мнение по определящите проблеми на нашето време?
Художникът носи ли отговорност за това как се използват произведенията му?
Кое произведение на изкуството промени ума и сърцето ви относно тревожно политическо/социално състояние?
Как използвате своя артистичен глас, за да изразите позицията си по въпроси, които ви притесняват?