Hoe Reageren we? Een Vraag Aan Kunstenaars

Welke kunstenaar heeft niet nagedacht over zijn of haar intentie bij het maken van kunst? We vragen ons af wat het doel van ons werk is en welk effect we hopen te bereiken. Praat met een dozijn kunstenaars en je krijgt een dozijn verschillende antwoorden op deze vraag.

Sommigen van ons houden zich bezig met een formele verkenning van thema's, kleuren, technieken, materialen of stijlen. Anderen leggen observaties vast van plaatsen, mensen, dieren en gebeurtenissen. Misschien willen we gewoon een ruimte decoreren of schoonheid vastleggen. Misschien uiten we dromen, verdrijven we innerlijke demonen, roepen we emoties op, werken we aan genezing. Misschien proberen we zichtbaar te maken wat spiritueel onzichtbaar is en onze plaats in de wereld te begrijpen. Als we diep verontrust zijn door kwesties van sociale, politieke en/of economische aard, kan de uitdaging van onze kunst zijn om aan te zetten tot publieke actie.

Detail van "Red Disaster" (1963) van Andy Warhol. Zeefdrukinkt op synthetische polymeerverf op canvas. Museum of Fine Arts, Boston. Afkomstig van een foto van de elektrische stoelen in de Sing Sing-gevangenis in Ossining, New York, waar vermeende Sovjetspionnen Julius en Ethel Rosenberg op 13 januari 1953 werden geëxecuteerd, op het hoogtepunt van de Koude Oorlog.

Als we de omstandigheden van onze tijd, of zelfs van eerdere periodes, onder ogen willen zien, hoe pakken we dat dan aan? Wat zal kijkers ertoe bewegen zich open te stellen en de dingen met een ander hart en een andere geest te bekijken? Moet ons kunstwerk openlijk politiek zijn? Kunnen we iets bieden dat mensen tot rust brengt te midden van onenigheid en onrust? Maken we kunst vol woede in de hoop dat het mensen tot actie aanzet, of gebruiken we humor? Wat is het meest effectief om bewustzijn en discussie over beladen onderwerpen te creëren?

"The Rich Soil Down There" (2002), van Kara Walker. Knip papier en lijm op een beschilderde muur. Museum of Fine Arts, Boston.

In 19e-eeuwse Amerikaanse huizen sierden kleine, delicate silhouetten van geliefden en vrolijke huiselijke taferelen de muren. Walker vond silhouetten, raciale stereotypen en menselijke reducties en transformeerde deze eigenaardige traditie door een hele museummuur om te toveren tot een groot tableau van raciaal en seksueel geweld in het Zuiden van vóór de Amerikaanse Burgeroorlog.

"No Vote, No Voice" (2017), van Alice Beasley. Textiel. Dit is Beasley's reactie op de dag dat het Hooggerechtshof de Voting Rights Act uitholde en stemmen als essentieel voor de democratie de rug toekeerde.

"Slavenschip (Slavenhandelaren gooien de doden en stervenden overboord, tyfoon komt eraan)", 1840, door Joseph WM Turner. Olieverf op doek. Museum of Fine Arts, Boston. Een jaar na de herdruk van Thomas Clarksons History of the Abolition of the Slave Trade uit 1808, valt dit schilderij samen met de eerste bijeenkomst in Londen van de World Anti-Slavery Convention om campagne te voeren voor de afschaffing van de slavernij.

Detail van het slavenschip van Joseph Turner (1840). Museum of Fine Arts, Boston.

"Untitled" (2011), uit de serie Shakyō rō jin nikki (Dagboek van een fotogekke oude man), van Nobuyoshi Araki. Bron: http://artradarjournal.com/2015/05/15/japan-after-fukushima-10-artists-making-art-about-the-disaster/.

Dit is Araki's reactie op de ramp met de kerncentrale van Fukushima, het grootste nucleaire incident sinds dat van Tsjernobyl in 1986. Met een schaar maakte hij kerven in 238 fotonegatieven, waardoor het leek alsof er zwarte regen viel, gapende wonden waren of nagels die om hulp klauwden.

Weergave van "Goede hekken maken goede buren" door Ai Weiwei.

In opdracht van het Public Art Fund zal deze Chinese kunstenaar en activist meer dan 100 hekken in New York City bouwen als reactie op de internationale migratiecrisis. Hij was in de jaren 80 een immigrant in New York, waar hij tien jaar verbleef. Bron: diverse online persberichten.

Niet elke kunstenaar voelt zich genoodzaakt om lastige kwesties aan te kaarten in een directe visuele verklaring. Voorlopig ben ik er in ieder geval één van. Dit betekent echter niet per se dat hij of zij zwijgt. Ik heb ervoor gekozen om actief betrokken te zijn bij de actie voor immigranten in mijn gemeenschap. Maar degenen die er wel voor kiezen om hun zorgen publiekelijk kenbaar te maken en zich te verzetten tegen de misstanden die zij waarnemen, benaderen hun kunstprojecten op een individuele manier. De beelden die ik heb verzameld, laten zien hoe bepaalde kunstenaars hebben gereageerd op de omstandigheden die ze kennen uit eigen ervaring of die ze leren kennen via het nieuws, maar ook via vrienden, familie en collega's. In sommige gevallen kan het werk van één kunstenaar, zoals Doris Salcedo, sterk variëren in vorm en materiaal.

"Untitled" (2008), van Doris Salcedo. Houten tafels, houten kasten, metaal, beton. Harvard Art Museums, Cambridge, MA.

De afbeelding hierboven en hieronder zijn werken uit "The Materiality of Mourning" van Salcedo, een Colombiaanse kunstenaar gevestigd in Bogotá. Ze bevatten voorwerpen die zowel een vertrouwd gevoel als een onrustig gevoel oproepen. De meubels staan ​​schuin opgestapeld; de stoelen zijn gedeeltelijk gekreukt of anderszins beschadigd. Ze lijken te verwijzen naar huiselijkheid, maar ze belichamen tragedie, want ze zijn niet langer bruikbaar en de huizen waarin ze hadden kunnen wonen, zijn niet langer bewoonbaar voor degenen die voor hun leven zijn gevlucht.

"Thou-less" (2001-2002), van Doris Salcedo. Gebeeldhouwde, roestvrijstalen stoelen. Harvard Art Museums, Cambridge, MA.

Begin twintig had ik het geluk in Colombia te wonen en te werken tijdens een gouden periode, toen een periode van gruwelijk geweld dit prachtige land niet in zijn greep hield. Salcedo, geboren in 1958, maakte de turbulentie en wreedheid wel mee, en haar eigen familieleden behoorden tot de vele mensen die verdwenen. Haar sculpturen en installaties behandelen de pijn, het trauma en het verlies dat Colombianen hebben geleden door een hevige burgeroorlog tussen regeringstroepen, drugskartels, linkse guerrillastrijders en rechtse paramilitairen. Tegelijkertijd biedt ze ruimte voor zowel individuele als collectieve rouw. Haar kunstwerken gaan over het feit dat achter verdriet de ondraaglijke leegte schuilt die de verdwijning van dierbaren achterlaat.

Klik op de link voor een korte video waarin Salcedo kijkers door dit terrein leidt en laat zien waarom "kunst dingen niet kan verklaren, maar ze wel kan blootleggen. Daarom is kunst hier zo belangrijk en noodzakelijk": https://www.theguardian.com/cities/video/2016/jul/26/artist-doris-salcedo-bogota-forces-work-brutal-video

Hoewel de afbeeldingen hierboven van harde materialen zijn gemaakt, is Salcedo's werk ook van delicate aard. Een Flor de Piel , hieronder, is een grote "lijkwade" gemaakt van echte rozenblaadjes die met de hand aan elkaar zijn gehecht. Volgens de kunstenaar is het werk bedoeld als "een bloemenoffer aan een slachtoffer van marteling, in een poging het begrafenisritueel uit te voeren dat haar werd ontzegd."

A Flor de Piel (2013), van Doris Salcedo. Harvard Art Museums, Cambridge, MA.

Dit wandtapijt is ongeveer 3,35 x 5 meter groot en bestaat uit duizenden behandelde en geconserveerde, met de hand gestikte rozenblaadjes. Het was bedoeld als lijkwade voor een verpleegster die werd ontvoerd en gemarteld tot de dood erop volgde.

Detail van A Flor de Piel (2013), door Doris Salcedo.

Close-up van het hechten van rozenblaadjes voor A Flor de Piel, van Doris Salcedo. Bron: http://www3.mcachicago.org/2015/salcedo/works/a_flor_de_piel/

Even delicaat is Disremembered, een serie fragiele, spookachtige blouses die Salcedo ontwikkelde na interviews met moeders die hun kinderen verloren door wapengeweld in Chicago. Met deze sculpturen, gebaseerd op een van haar eigen blouses, geeft ze vorm aan de verloren lichamen waar hun families diep om rouwen, maar die vaak door de maatschappij worden genegeerd. Elk exemplaar is gemaakt van ruwe zijden draden, verweven in een onregelmatig patroon met meer dan 12.000 kleine, zwartgeblakerde naaldjes. Het resultaat is een soort haren hemd dat zowel pijn suggereert als veroorzaakt.

"Disremembered" (2014, 2015-16), van Doris Salcedo. zijden draad en vernikkeld staal.
Harvard Art Museums, Cambridge MA.

Detail van "Disremembered" van Doris Salcedo. Harvard Art Museums, Cambridge MA.

Wat doen kunstenaars anders als ze geconfronteerd worden met iets zo gruwelijks dat het onvoorstelbaar is? Toen de Tweede Wereldoorlog onmenselijkheid aan het licht bracht op een schaal die nog nooit eerder was gezien, reageerden ze op de gruwelen in elk medium.

De Duitse schilder Max Beckmann (1884-1950) schetste een tijdsbeeld met traditionele stillevens – schedels, een gedoofde kaars, speelkaarten – om de broosheid, onvoorspelbaarheid en vergankelijkheid van het leven te benadrukken. Hij maakte Stilleven met drie schedels in 1945, tijdens de laatste oorlogsmaanden, toen hij in Amsterdam woonde, waar hij in 1937 naartoe was gevlucht. Hij beschreef die jaren als "een waarlijk groteske tijd, tot de nok toe gevuld met werk, nazi-vervolging, bommen en honger."

"Stilleven met drie schedels" (1945), van Max Beckmann. Museum of Fine Arts, Boston.

Sommige mensen probeerden vast te leggen wat er gebeurde met foto's, in de hoop dat iemand uiteindelijk de realiteit zou kennen, niet de leugens. Een tentoonstelling in het Museum of Fine Arts in Boston, "Memory Unearthed: The Lodz Ghetto Photographs of Henryk Ross", is slechts een van de vele dergelijke projecten. Tussen 1940 en 1944, met groot gevaar voor eigen leven en dat van zijn familie, verborg Ross zich op plekken waar hij niet mocht komen en verstopte hij een camera in zijn jas om foto's te maken die de tragische aangrijping van het slachtoffer worden van genocide weergeven: gedreven door extreme honger graven mensen wanhopig naar de rotte aardappelen die door nazisoldaten zijn weggegooid; kinderen worden bij hun ouders weggehaald en letterlijk afgevoerd naar een vernietigingskamp; gedwongen tot deportatie laten mensen hun borden en emmers met eten achter. Hij verstopte zo'n 6000 negatieven in ijzeren potten in een doos met ijzeren rand, die hij in de grond begroef. Wonder boven wonder overleefde hij de oorlog en kon hij de documentatie, die grotendeels door het grondwater was beschadigd, na afloop van de oorlog weer opgraven.

Kinderen worden gedeporteerd naar het vernietigingskamp Chelmno en Nerem (1942), foto door Henryk Ross. Museum of Fine Arts, Boston; Art Gallery of Ontario.

Emmers met eten en schalen achtergelaten door gedeporteerde gettobewoners (1944), foto door Henryk Ross. Museum of Fine Arts, Boston; Art Gallery of Ontario.

Er zijn zoveel andere kunstwerken die ik zou kunnen noemen – beroemd en minder beroemd – over geweld tegen vrouwen, kinderen en andere wezens, tegen de oceanen en bossen, tegen mensen van de ene religie, etnische groep, ras, nationaliteit of een andere – maar de lijst is eindeloos en een blog hoort dat niet te zijn. Weet dat kunstenaars overal ter wereld zich verzetten en protesteren in naam van immigratierechten, huisvesting, gezondheidszorg, vrijheid van meningsuiting, gelijke kansen, godsdienstvrijheid, rechten van inheemse volkeren, milieubescherming, LGBTQ-rechten en nog veel meer.

Maar wat gebeurt er als kunst om tegengestelde redenen wordt gebruikt? In het toneelstuk Leni , in het Aurora Theatre in Berkeley, Californië, zegt hoofdpersoon Leni Riefenstahl: "Het is maar een film. Kan één kunstwerk echt zo gevaarlijk zijn?" Het is een belangrijke vraag. In Riefenstahls geval was het antwoord "ja". Hoewel geprezen om haar kunstenaarschap, werden haar films "Triumph of the Will" (1935) en "Olympia" (1938) gefinancierd door de naziregering, die ze gebruikte als krachtige propagandamiddelen: om Arische overtuigingen over raciale "zuiverheid" en de superioriteit van het "Germaanse meesterras" te verheerlijken en de wereld over te nemen. Ja, kunst kan gevaarlijk zijn wanneer het tegen anderen wordt gebruikt. Dat brengt me terug bij de vraag aan het begin van dit bericht: wat is het doel van ons werk en welk effect hopen we te bereiken? En wat is daarbij de verantwoordelijkheid van een kunstenaar in polariserende tijden zoals de onze?

Ik sluit af met enkele woorden uit het nieuwste boek van dichter Mary Oliver, Upstream: Selected Essays : "...de kracht van elk idee wordt versterkt, of zelfs gecreëerd, door de uitdrukking ervan in substantie... [D]iemand die wereldwijd de werkende kunstenaars zijn, proberen de wereld niet te helpen draaiende te blijven, maar vooruit te helpen."

Vragen en opmerkingen
Hoe spelen kunstenaars een stimulerende rol bij het vormen van de publieke opinie over de belangrijkste kwesties van onze tijd?
Is een kunstenaar verantwoordelijk voor de manier waarop zijn/haar kunstwerk gebruikt wordt?
Welk kunstwerk heeft jouw mening en hart veranderd over een verontrustende politieke/sociale situatie?
Hoe gebruik je je artistieke stem om jouw standpunt over actuele kwesties kenbaar te maken?