Cum răspundem? O întrebare Pentru artiști

Ce artist nu a reflectat asupra intenției sale de a crea artă? Ne întrebăm care este scopul muncii noastre și efectul pe care sperăm să îl obținem. Vorbește cu o duzină de artiști și vei primi o duzină de răspunsuri diferite la această întrebare.

Unii dintre noi ar putea fi angajați într-o explorare formală a temelor, culorilor, tehnicilor, materialelor sau stilurilor. Alții înregistrează observații ale locurilor, oamenilor, animalelor și evenimentelor. Poate că vrem pur și simplu să decoram spațiul sau să surprindem frumusețea. Poate că exprimăm vise, exorcizăm demonii interiori, evocăm emoții, ne îndreptăm spre vindecare. S-ar putea să încercăm să facem vizibil ceea ce este invizibil din punct de vedere spiritual și să înțelegem locul nostru în lume. Dacă suntem profund deranjați de probleme de natură socială, politică și/sau economică, provocarea artei noastre ar putea fi să îndemnăm la acțiune publică.

Detaliu din „Red Disaster” (1963), de Andy Warhol. Cerneală serigrafică pe vopsea polimer sintetică pe pânză. Muzeul de Arte Frumoase, Boston. Derivat dintr-o fotografie a scaunelor electrice din penitenciarul Sing Sing din Ossining, New York, unde presupușii spioni sovietici Julius și Ethel Rosenberg au fost executați la 13 ianuarie 1953, în apogeul Războiului Rece.

Dacă dorința noastră este să ne confruntăm cu condițiile vremurilor noastre sau chiar în perioadele anterioare, cum facem asta? Ce va afecta telespectatorii să se deschidă și să vadă lucrurile printr-o altă inimă și minte? Opera noastră de artă trebuie să fie în mod evident politică? Putem oferi ceva care să le permită oamenilor să se calmeze în mijlocul discordiei și tulburărilor? Creăm artă plină de furie în speranța că îi va provoca pe oameni să acționeze sau folosim umorul? Ce va fi cel mai eficient în generarea de conștientizare și discuții despre subiecte încărcate?

„Pământul bogat de acolo” (2002), de Kara Walker. Tăiați hârtie și adeziv pe peretele vopsit. Muzeul de Arte Frumoase, Boston.

În casele americane din secolul al XIX-lea, siluete mici și delicate ale celor dragi și scene domestice fericite decorau pereții. Găsind siluete și stereotipuri rasiale, reduceri ale ființelor umane, Walker transformă această tradiție ciudată transformând un întreg zid de muzeu într-un tablou mare de violență rasială și sexuală în sudul Războiului Civil dinaintea Războiului Civil.

„No Vote, No Voice” (2017), de Alice Beasley. Textile. Acesta este răspunsul lui Beasley cu privire la ziua în care Curtea Supremă a demontat Legea privind drepturile de vot și a întors spatele votului ca element central al democrației.

„Slave Ship (Slaver Throwing Overboard the Dead and Dying, Typhoon Coming Out),” 1840, de Joseph WM Turner. ulei pe pânză. Muzeul de Arte Frumoase, Boston. La un an după retipărirea istoriei abolirii comerțului cu sclavi a lui Thomas Clarkson din 1808, acest tablou coincide cu prima întâlnire la Londra a Convenției Mondiale Anti-Sclavie pentru a campanie pentru sfârșitul sclaviei.

Detaliu al navei de sclavi a lui Joseph Turner (1840). Muzeul de Arte Frumoase, Boston.

„Fără titlu” (2011), din serialul ShakyÅ rÅ jin nikki (Jurnalul unui bătrân foto-nebun), de Nobuyoshi Araki. Sursa: http://artradarjournal.com/2015/05/15/japan-after-fukushima-10-artists-making-art-about-the-disaster/.

Acesta este răspunsul lui Araki la dezastrul centralei nucleare de la Fukushima, cel mai mare incident nuclear de la cel de la Cernobîl în 1986. Folosind foarfecele, el a creat tăieturi în 238 de negative fotografice, creând aspectul de ploaie neagră, răni căscate sau unghii care se gheare după ajutor.

Redarea „Gardurile bune fac vecini buni”, de Ai Weiwei.

Comandat de Public Art Fund, acest artist și activist chinez va construi peste 100 de garduri în New York, ca răspuns la criza migrației internaționale. A fost imigrant în NY în anii 1980 timp de 10 ani. Sursa: diverse comunicate de presă online.

Nu orice artist se simte obligat să abordeze problemele supărătoare într-o declarație vizuală directă. Cel puțin deocamdată, eu sunt unul dintre ei. Totuși, asta nu înseamnă neapărat să taci. Am ales să mă implic în acțiuni practice pentru membrii imigranți ai comunității mele. Dar cei care aleg să dea voce publică preocupărilor lor și să reziste greșelilor pe care le percep abordează proiectele lor de artă în moduri individuale. Imaginile pe care le-am adunat dezvăluie modul în care anumiți artiști au răspuns la condițiile pe care le cunosc prin experiență personală sau despre care află prin știri, precum și prieteni, rude și colegi. În unele cazuri, opera unui singur artist, cum ar fi Doris Salcedo, poate varia foarte mult ca formă și material.

„Fără titlu” (2008), de Doris Salcedo. mese din lemn, dulapuri din lemn, metal, beton. Muzeele de Artă Harvard, Cambridge, MA.

Imaginea de mai sus și cea de mai jos sunt cu lucrări din „The Materiality of Mourning” de Salcedo, un artist columbian cu sediul în Bogotá. Acestea conțin articole care transmit atât un sentiment familiar, cât și un sentiment nestabilit. Mobilierul este îngrămădit împreună în unghiuri disjunse; scaunele sunt parțial mototolite sau deteriorate în alt mod. Ei par să facă referire la domesticitate, dar întruchipează tragedia, pentru că nu mai sunt de folos, iar casele în care ar fi putut locui nu mai sunt locuibile de cei care au fugit pentru a-și salva viața.

„Thou-less” (2001-2002), de Doris Salcedo. scaune sculptate, din oțel inoxidabil. Muzeele de Artă Harvard, Cambridge, MA.

La începutul meu de douăzeci de ani, am avut norocul să trăiesc și să lucrez în Columbia într-o perioadă plină de timp, când o domnie a violenței îngrozitoare nu a cuprins această țară frumoasă. Născută în 1958, Salcedo, a trecut prin turbulențe și brutalitate, iar membrii propriei ei familii au fost printre multele persoane care au dispărut. Sculpturile și instalațiile ei abordează durerea, traumele și pierderile pe care columbienii le-au suferit din cauza unui război civil feroce între forțele guvernamentale, cartelurile de droguri, gherilele de stânga și paramilitarii de dreapta. În același timp, ea oferă spațiu atât pentru doliu individual, cât și pentru colectiv. Opera ei de artă tratează faptul că dincolo de durere se află golul insuportabil lăsat de dispariția celor dragi.

Faceți clic pe linkul pentru un scurt videoclip în care Salcedo ghidează spectatorii prin acest teren și demonstrează de ce „arta nu poate explica lucrurile, dar le poate expune – de aceea arta aici este atât de importantă și necesară”: https://www.theguardian.com/cities/video/2016/jul/26/artist-doris-salcedo-bogota-forces-video-work-brutal

În timp ce imaginile de mai sus sunt din materiale dure, munca lui Salcedo este și ea de natură delicată. O Flor de Piel , dedesubt, este un „giulgiu” mare făcut din petale de trandafir adevărate suturate împreună manual. Potrivit artistului, piesa este concepută ca „o ofrandă de flori pentru o victimă a torturii, în încercarea de a îndeplini ritualul funerar care i-a fost refuzat”.

A Flor de Piel (2013), de Doris Salcedo. Muzeele de Artă Harvard, Cambridge, MA.

Măsurând cca. 11 ft. x 16,5 ft., această tapiserie este compusă din mii de petale de trandafir tratate și conservate, cusute manual și destinată drept giulgiu pentru o asistentă care a fost răpită și torturată până la moarte.

Detaliu din A Flor de Piel (2013), de Doris Salcedo.

Prim-plan cu suturarea petale de trandafir pentru A Flor de Piel, de Doris Salcedo. Sursa: http://www3.mcachicago.org/2015/salcedo/works/a_flor_de_piel/

La fel de delicată este Disremembered, o serie de bluze fantomatice, fragile, pe care Salcedo le-a dezvoltat după ce a intervievat mame care și-au pierdut copiii din cauza violenței cu armele din Chicago. Prin aceste sculpturi, bazate pe una dintre propriile ei bluze, ea dă formă trupurilor pierdute profund jelite de familiile lor, dar adesea ignorate de societate. Fiecare este realizat din fire de mătase brută intercalate într-un model neregulat cu peste 12.000 de ace minuscule, înnegrite. Rezultatul este un fel de cămașă de păr care sugerează și provoacă durere.

„Disremembered” (2014, 2015-16), de Doris Salcedo. fir de mătase și oțel nichelat.
Muzeele de Artă Harvard, Cambridge MA.

Detaliu din „Disremembered”, de Doris Salcedo. Muzeele de Artă Harvard, Cambridge MA.

Ce mai fac artiștii când se confruntă cu ceva atât de atroce încât să fie de neimaginat? Când cel de-al Doilea Război Mondial a dezvăluit o inumanitate la o scară nemaivăzută până acum, ei au răspuns ororilor din fiecare mediu.

Pictorul german Max Beckmann (1884-1950) a creat un portret al epocii cu elemente de statică tradiționale - cranii, lumânare stinsă, cărți de joc - pentru a intima fragilitatea, imprevizibilitatea și impermanența vieții. A creat Natura moartă cu trei cranii în 1945, în ultimele luni ale războiului, în timp ce locuia la Amsterdam, unde fugise în 1937. El a descris acei ani drept „o perioadă cu adevărat grotesc, plină până la refuz de muncă, persecuții naziste, bombe și foame”.

„Natura moartă cu. Trei cranii” (1945), de Max Beckmann. Muzeul de Arte Frumoase, Boston.

Unii oameni au încercat să surprindă ceea ce se întâmplă prin fotografii, în speranța că cineva va cunoaște în cele din urmă realitatea, nu minciunile. O expoziție la Muzeul de Arte Frumoase din Boston, „Memory Unearthed: The Lodz Ghetto Photographs of Henryk Ross”, este doar una dintre multele astfel de eforturi. Între 1940 și 1944, cu mare risc pentru el și pentru familia sa, Ross s-a ascuns în locurile în care i-a fost interzis să meargă și și-a ascuns un aparat de fotografiat în haină pentru a face fotografii care înfățișează tragicul gravitate de a fi scos în evidență pentru genocid: mânați de foamete extremă, oamenii sapă cu disperare după cartofii putrezi de către soldații naziști aruncați; luați de la părinți, copiii sunt literalmente transportați într-un lagăr de exterminare; forțați să fie deportați, oamenii își lasă în urmă vasele și gălețile cu mâncare. A ascuns aproximativ 6.000 de negative în borcane de fier într-o cutie cu ramă de fier, pe care a îngropat-o în pământ. În mod miraculos, el a supraviețuit și a reușit să dezgroape documentația, mult deteriorată de apele subterane, odată cu încheierea războiului.

Copii fiind deportați în lagărul de exterminare din Chelmno și Nerem (1942), fotografie de Henryk Ross. Muzeul de Arte Frumoase, Boston; Galeria de Artă din Ontario.

Găleți de mâncare și vase lăsate în urmă de rezidenții din ghetou deportați (1944), fotografie de Henryk Ross. Muzeul de Arte Frumoase, Boston; Galeria de Artă din Ontario.

Există atât de multe alte opere de artă pe care le-aș putea include - celebre și nu faimoase - despre violența comisă împotriva femeilor, copiilor și altor ființe, împotriva oceanelor și pădurilor, împotriva oamenilor de o religie, grup etnic, rasă, naționalitate sau alta - dar lista este nesfârșită și un blog nu ar trebui să fie. Doar să știți că artiștii de pretutindeni rezistă și protestează în numele drepturilor de imigrare, locuințe, asistență medicală, libertate de exprimare, șanse egale, libertate religioasă, drepturi indigene, protecția mediului, drepturile LGBTQ și multe altele.

Dar ce se întâmplă când arta este folosită din motive opuse? În piesa Leni , de la Aurora Theatre din Berkeley, California, personajul principal, Leni Riefenstahl, spune: Este doar un film. Poate o singură piesă de artă să fie într-adevăr atât de periculoasă? Este o întrebare importantă. În cazul lui Riefenstahl, răspunsul a fost „da”. Deși lăudate pentru artă, filmele ei „Triumph of the Will” (1935) și „Olympia” (1938) au fost finanțate de guvernul nazist, care le-a folosit ca instrumente puternice de propagandă: pentru a glorifica convingerile ariene despre „puritatea” rasială și superioritatea „rasei stăpâne germane” de a cuceri lumea. Da, arta poate fi periculoasă atunci când este folosită împotriva altora. Ceea ce mă readuce la întrebarea de la începutul acestei postări: Care este scopul muncii noastre și efectul pe care sperăm să îl obținem? În plus, care este responsabilitatea unui artist în vremuri de polarizare, precum a noastră?

Voi încheia cu câteva cuvinte din cea mai recentă carte a poetei Mary Oliver, Upstream: Selected Essays : „...puterea fiecărei idei este intensificată, dacă nu chiar creată, prin exprimarea ei în substanță....[C]ei care sunt artiștii lucrători ai lumii nu încearcă să ajute lumea să meargă în jur, ci înainte.”

Întrebări și comentarii
Cum joacă artiștii un rol de galvanizare în formarea opiniei populare cu privire la problemele definitorii ale vremurilor noastre?
Este un artist responsabil pentru modul în care este folosită opera sa de artă?
Ce operă de artă ți-a schimbat mintea și inima cu privire la o condiție politică/socială tulburătoare?
Cum îți folosești vocea artistică pentru a-ți exprima poziția cu privire la problemele de interes?