Come rispondiamo? Una Domanda Agli Artisti

Quale artista non ha mai riflettuto sul proprio intento creativo? Ci chiediamo qual è lo scopo del nostro lavoro e l'effetto che speriamo di ottenere. Parlate con una dozzina di artisti e otterrete una dozzina di risposte diverse a questa domanda.

Alcuni di noi potrebbero dedicarsi a un'esplorazione formale di temi, colori, tecniche, materiali o stili. Altri registrano osservazioni di luoghi, persone, animali ed eventi. Forse vogliamo semplicemente decorare uno spazio o catturare la bellezza. Forse stiamo esprimendo sogni, esorcizzando demoni interiori, evocando emozioni, muovendoci verso la guarigione. Potremmo cercare di rendere visibile ciò che è spiritualmente invisibile e di comprendere il nostro posto nel mondo. Se siamo profondamente turbati da questioni di natura sociale, politica e/o economica, la sfida della nostra arte potrebbe essere quella di esortare all'azione pubblica.

Dettaglio di "Red Disaster" (1963), di Andy Warhol. Serigrafia su pittura polimerica sintetica su tela. Museum of Fine Arts, Boston. Tratto da una fotografia delle sedie elettriche nel penitenziario di Sing Sing a Ossining, New York, dove le presunte spie sovietiche Julius ed Ethel Rosenberg furono giustiziate il 13 gennaio 1953, al culmine della Guerra Fredda.

Se il nostro desiderio è quello di confrontarci con le condizioni del nostro tempo o addirittura di periodi precedenti, come possiamo farlo? Cosa spingerà gli spettatori ad aprirsi e a vedere le cose con un cuore e una mente diversi? La nostra opera d'arte deve essere palesemente politica? Possiamo offrire qualcosa che permetta alle persone di calmarsi in mezzo a discordia e tumulto? Creiamo un'arte carica di rabbia nella speranza che spinga le persone ad agire, oppure utilizziamo l'umorismo? Cosa sarà più efficace nel generare consapevolezza e dibattito su argomenti controversi?

"The Rich Soil Down There" (2002), di Kara Walker. Carta ritagliata e adesivo su muro dipinto. Museum of Fine Arts, Boston.

Nelle case americane del XIX secolo, piccole e delicate sagome di persone care e di felici scene domestiche decoravano le pareti. Ritrovando silhouette, stereotipi razziali e riduzioni di esseri umani, Walker trasforma questa pittoresca tradizione trasformando un'intera parete di un museo in un grande tableau di violenza razziale e sessuale nel Sud prima della Guerra Civile.

"No Vote, No Voice" (2017), di Alice Beasley. Tessili. Questa è la risposta di Beasley al giorno in cui la Corte Suprema ha smantellato il Voting Rights Act e ha voltato le spalle al voto come elemento centrale della democrazia.

"Nave negriera (Schiavisti che gettano in mare morti e morenti, tifone in arrivo)", 1840, di Joseph W. M. Turner. Olio su tela. Museum of Fine Arts, Boston. Un anno dopo la ristampa della "Storia dell'abolizione della tratta degli schiavi" di Thomas Clarkson del 1808, questo dipinto coincide con la prima riunione a Londra della Convenzione Mondiale Anti-Schiavitù, per promuovere la fine della schiavitù.

Dettaglio della Nave negriera di Joseph Turner (1840). Museum of Fine Arts, Boston.

"Senza titolo" (2011), dalla serie Shakyōrōjin nikki (Diario di un vecchio pazzo per le foto), di Nobuyoshi Araki. Fonte: http://artradarjournal.com/2015/05/15/japan-after-fukushima-10-artists-making-art-about-the-disaster/.

Questa è la risposta di Araki al disastro della centrale nucleare di Fukushima, il più grande incidente nucleare dopo quello di Chernobyl del 1986. Usando delle forbici, ha creato dei tagli in 238 negativi fotografici, creando l'effetto di una pioggia nera, di ferite profonde o di unghie che cercano aiuto.

Rendering di "Good Fences Make Good Neighbors" di Ai Weiwei.

Su commissione del Public Art Fund, questo artista e attivista cinese costruirà più di 100 recinzioni in tutta New York City in risposta alla crisi migratoria internazionale. È stato immigrato a New York negli anni '80 per 10 anni. Fonte: vari comunicati stampa online.

Non tutti gli artisti si sentono in dovere di affrontare questioni spinose in una dichiarazione visiva diretta. Almeno per ora, io sono uno di loro. Tuttavia, questo non significa necessariamente rimanere in silenzio. Ho scelto di impegnarmi in azioni concrete a favore degli immigrati della mia comunità. Ma coloro che scelgono di dare voce pubblica alle proprie preoccupazioni e di opporsi ai torti che percepiscono affrontano i loro progetti artistici in modo individuale. Le immagini che ho raccolto rivelano come alcuni artisti abbiano reagito alle condizioni di cui sono a conoscenza per esperienza personale o attraverso le notizie, oltre che tramite amici, parenti e colleghi. In alcuni casi, l'opera di un singolo artista, come Doris Salcedo, può variare notevolmente per forma e materiale.

"Senza titolo" (2008), di Doris Salcedo. Tavoli in legno, armadi in legno, metallo, cemento. Harvard Art Museums, Cambridge, MA.

L'immagine sopra e quella sotto sono opere tratte da "La materialità del lutto" di Salcedo, artista colombiano residente a Bogotà. Contengono oggetti che trasmettono sia un senso di familiarità che una sensazione di inquietudine. I mobili sono ammucchiati ad angoli disgiunti; le sedie sono parzialmente accartocciate o comunque danneggiate. Sembrano alludere alla vita domestica, ma incarnano la tragedia, perché non sono più utili e le case in cui avrebbero potuto risiedere non sono più abitabili da coloro che sono fuggiti per salvarsi la vita.

"Thou-less" (2001-2002), di Doris Salcedo. Sedie in acciaio inossidabile intagliato. Harvard Art Museums, Cambridge, MA.

Nei miei vent'anni, ho avuto la fortuna di vivere e lavorare in Colombia durante un periodo sereno, quando un regno di orribile violenza non attanagliava questo splendido Paese. Nata nel 1958, Salcedo ha vissuto la turbolenza e la brutalità, e tra le tante persone scomparse ci sono anche membri della sua famiglia. Le sue sculture e installazioni affrontano il dolore, il trauma e la perdita che i colombiani hanno sofferto a causa di una feroce guerra civile tra forze governative, cartelli della droga, guerriglie di sinistra e paramilitari di destra. Allo stesso tempo, offre spazio al lutto individuale e collettivo. Le sue opere affrontano il fatto che oltre il dolore si cela il vuoto insopportabile lasciato dalla scomparsa dei propri cari.

Clicca sul link per un breve video in cui Salcedo guida gli spettatori attraverso questo territorio e dimostra perché "l'arte non può spiegare le cose ma può esporle: ecco perché l'arte qui è così importante e necessaria": https://www.theguardian.com/cities/video/2016/jul/26/artist-doris-salcedo-bogota-forces-work-brutal-video

Sebbene le immagini qui sopra siano realizzate con materiali duri, l'opera di Salcedo è anche di natura delicata. Un Flor de Piel , qui sotto, è un grande "sudario" fatto di veri petali di rosa cuciti insieme a mano. Secondo l'artista, l'opera è intesa come "un'offerta floreale a una vittima di tortura, nel tentativo di compiere il rituale funebre che le è stato negato".

A Flor de Piel (2013), di Doris Salcedo. Harvard Art Museums, Cambridge, MA.

Questo arazzo, che misura circa 3,3 x 5,1 metri, è composto da migliaia di petali di rosa, trattati e conservati, cuciti a mano e destinato a fungere da sudario per un'infermiera rapita e torturata a morte.

Dettaglio di A Flor de Piel (2013), di Doris Salcedo.

Primo piano di petali di rosa suturati per "A Flor de Piel", di Doris Salcedo. Fonte: http://www3.mcachicago.org/2015/salcedo/works/a_flor_de_piel/

Altrettanto delicata è Disremembered, una serie di camicette fragili e spettrali che Salcedo ha sviluppato dopo aver intervistato madri che avevano perso i figli a causa della violenza armata a Chicago. Attraverso queste sculture, ispirate a una delle sue camicette, dà forma a corpi perduti, profondamente rimpianti dalle famiglie ma spesso ignorati dalla società. Ognuna è realizzata con fili di seta grezza intervallati in un motivo irregolare da oltre 12.000 minuscoli aghi anneriti. Il risultato è una sorta di cilicio che al tempo stesso suggerisce e infligge dolore.

"Disremembered" (2014, 2015-16), di Doris Salcedo. filo di seta e acciaio nichelato.
Musei d'arte di Harvard, Cambridge MA.

Dettaglio di "Disremembered", di Doris Salcedo. Harvard Art Museums, Cambridge, Massachusetts.

Cos'altro fanno gli artisti quando si trovano di fronte a qualcosa di così atroce da essere inimmaginabile? Quando la Seconda Guerra Mondiale rivelò una disumanità di proporzioni mai viste prima, reagirono agli orrori in ogni mezzo espressivo.

Il pittore tedesco Max Beckmann (1884-1950) creò un ritratto dell'epoca con elementi fissi tradizionali – teschi, candele spente, carte da gioco – per evocare la fragilità, l'imprevedibilità e la transitorietà della vita. Realizzò Natura morta con tre teschi nel 1945, durante gli ultimi mesi della guerra, mentre viveva ad Amsterdam, dove era fuggito nel 1937. Descrisse quegli anni come "un periodo davvero grottesco, pieno zeppo di lavoro, persecuzioni naziste, bombe e fame".

"Natura morta con tre teschi" (1945), di Max Beckmann. Museum of Fine Arts, Boston.

Alcuni cercarono di catturare l'accaduto attraverso fotografie, nella speranza che qualcuno potesse finalmente conoscere la realtà, non le bugie. La mostra al Museum of Fine Arts di Boston, "Memory Unearthed: The Lodz Ghetto Photographs of Henryk Ross", è solo una delle tante iniziative di questo tipo. Tra il 1940 e il 1944, a rischio per sé e per la sua famiglia, Ross si nascose in luoghi in cui gli era proibito andare e nascose una macchina fotografica sotto il cappotto per scattare foto che descrivono la tragica struggente esperienza di essere predestinati al genocidio: spinti dalla fame estrema, le persone scavano disperatamente per trovare le patate marce gettate via dai soldati nazisti; strappati ai genitori, i bambini vengono letteralmente deportati in un campo di sterminio; costretti alla deportazione, le persone abbandonano piatti e secchi per il cibo. Nascose circa 6.000 negativi in ​​barattoli di ferro, in una scatola con il bordo di ferro, che seppellì nel terreno. Miracolosamente sopravvisse e, una volta finita la guerra, riuscì a riportare alla luce la documentazione, notevolmente danneggiata dalle falde acquifere.

Bambini deportati nei campi di sterminio di Chelmno e Nerem (1942), foto di Henryk Ross. Museum of Fine Arts, Boston; Art Gallery of Ontario.

Secchi e piatti per il cibo abbandonati dai residenti del ghetto deportati (1944), foto di Henryk Ross. Museum of Fine Arts, Boston; Art Gallery of Ontario.

Ci sono così tante altre opere d'arte che potrei includere – famose e non – sulla violenza commessa contro donne, bambini e altri esseri viventi, contro oceani e foreste, contro persone di una religione, etnia, razza, nazionalità o altro – ma la lista è infinita e un blog non dovrebbe esserlo. Sappiate solo che artisti di tutto il mondo stanno resistendo e protestando in nome dei diritti di immigrazione, della casa, dell'assistenza sanitaria, della libertà di parola, delle pari opportunità, della libertà religiosa, dei diritti degli indigeni, della tutela ambientale, dei diritti LGBTQ e molto altro.

Ma cosa succede quando l'arte viene usata per ragioni opposte? Nella pièce teatrale "Leni" , all'Aurora Theatre di Berkeley, in California, la protagonista, Leni Riefenstahl, dice: "È solo un film. Può una singola opera d'arte essere davvero così pericolosa?". È una domanda importante. Nel caso della Riefenstahl, la risposta è stata "sì". Sebbene lodati per la loro arte, i suoi film "Il trionfo della volontà" (1935) e "Olympia" (1938) furono finanziati dal governo nazista, che li usò come potenti strumenti di propaganda: per glorificare le credenze ariane sulla "purezza" razziale e la superiorità della "razza germanica superiore" per conquistare il mondo. Sì, l'arte può essere pericolosa quando viene usata contro gli altri. Il che mi riporta alla domanda iniziale di questo post: qual è lo scopo del nostro lavoro e l'effetto che speriamo di ottenere? Inoltre, qual è la responsabilità di un artista in tempi di polarizzazione come i nostri?

Concluderò con alcune parole tratte dall'ultimo libro della poetessa Mary Oliver, Upstream: Selected Essays : "...il potere di ogni idea è intensificato, se non addirittura creato, dalla sua espressione nella sostanza....[G]li artisti che lavorano nel mondo non cercano di aiutare il mondo ad andare avanti, ma a girare."

Domande e commenti
In che modo gli artisti svolgono un ruolo determinante nel plasmare l'opinione pubblica sui temi più importanti della nostra epoca?
Un artista è responsabile del modo in cui viene utilizzata la sua opera?
Quale opera d'arte ti ha fatto cambiare idea e cuore riguardo a una preoccupante condizione politica/sociale?
Come utilizzi la tua voce artistica per esprimere la tua posizione su questioni di interesse?