Hvordan Reagerer vi? Et spørsmål Til Kunstnere

Hvilken kunstner har ikke reflektert over hennes/hans intensjon med å skape kunst? Vi spør oss selv hva formålet med arbeidet vårt er og hvilken effekt vi håper å oppnå. Snakk med et dusin artister og du vil få et dusin forskjellige svar på dette spørsmålet.

Noen av oss kan være engasjert i en formell utforskning av temaer, farger, teknikker, materialer eller stiler. Andre registrerer observasjoner av steder, mennesker, dyr og hendelser. Kanskje vi rett og slett ønsker å dekorere plass eller fange skjønnhet. Kanskje uttrykker vi drømmer, driver ut indre demoner, vekker følelser, beveger oss mot helbredelse. Vi prøver kanskje å synliggjøre det som er åndelig usynlig og å forstå vår plass i verden. Hvis vi er dypt forstyrret av spørsmål av sosial, politisk og/eller økonomisk art, kan utfordringen med kunsten vår være å formane offentlig handling.

Detalj av "Red Disaster" (1963), av Andy Warhol. Silketrykkblekk på syntetisk polymermaling på lerret. Museum of Fine Arts, Boston. Avledet fra et fotografi av de elektriske stolene i Sing Sing Penitentiary i Ossining, New York, der påståtte sovjetiske spioner Julius og Ethel Rosenberg ble henrettet 13. januar 1953, på høyden av den kalde krigen.

Hvis vårt ønske er å konfrontere forholdene i vår tid eller til og med tidligere perioder, hvordan går vi frem for å gjøre det? Hva vil påvirke seerne til å åpne seg og se ting gjennom et annet hjerte og sinn? Må kunstverket vårt være åpenlyst politisk? Kan vi tilby noe som gjør folk i stand til å roe seg ned midt i splid og uro? Skaper vi kunst full av raseri i håp om at den skal provosere folk til å handle, eller bruker vi humor? Hva vil være mest effektivt for å skape bevissthet og diskusjon om belastede emner?

"The Rich Soil Down There" (2002), av Kara Walker. Klipp papir og lim på malt vegg. Museum of Fine Arts, Boston.

I amerikanske hjem fra 1800-tallet prydet veggene små og delikate silhuetter av kjære og glade hjemlige scener. Ved å finne silhuetter og rasemessige stereotyper, reduksjoner av mennesker, forvandler Walker denne sjarmerende tradisjonen ved å gjøre en hel museumsvegg om til et stort tablå av rasemessig og seksuell vold i sør før borgerkrigen.

"No Vote, No Voice" (2017), av Alice Beasley. Tekstiler. Dette er Beasleys svar på den dagen Høyesterett sløyfet stemmerettsloven og snudde ryggen til å stemme som sentralt i demokratiet.

"Slave Ship (Slavers Throwing Overboard the Dead and Dying, Typhoon Coming Out)," 1840, av Joseph WM Turner. olje på lerret. Museum of Fine Arts, Boston. Et år etter gjentrykkingen av Thomas Clarksons 1808 History of the Abolition of the Slave Trade, faller dette maleriet sammen med det første møtet i London av World Anti-Slavery Convention for å kampanje for slutten på slaveriet.

Detalj av Joseph Turners slaveskip (1840). Museum of Fine Arts, Boston.

"Uten tittel" (2011), fra serien ShakyÅ rÅ jin nikki (Diary of a Photo-Mad Old Man), av Nobuyoshi Araki. Kilde: http://artradarjournal.com/2015/05/15/japan-after-fukushima-10-artists-making-art-about-the-disaster/.

Dette er Arakis svar på Fukushima kjernekraftverk-katastrofen, den største kjernefysiske hendelsen siden den i Tsjernobyl i 1986. Ved hjelp av saks skapte han flekker i 238 fotografiske negativer, noe som skapte inntrykk av svart regn, gapende sår eller spiker som kloret etter hjelp.

Gjengivelse av "Good Fences Make Good Neighbors," av Ai Weiwei.

På oppdrag fra Public Art Fund vil denne kinesiske kunstneren og aktivisten bygge mer enn 100 gjerder over hele New York City som svar på den internasjonale migrasjonskrisen. Han var innvandrer i NY på 1980-tallet i 10 år. Kilde: diverse nyhetsmeldinger på nett.

Ikke alle artister føler seg tvunget til å takle irriterende problemer i en direkte visuell uttalelse. I det minste foreløpig er jeg en av dem. Dette betyr imidlertid ikke nødvendigvis å være stille. Jeg har valgt å være involvert i praktisk handling for innvandrermedlemmer i samfunnet mitt. Men de som velger å gi offentlig stemme til sine bekymringer og motstå feilene de oppfatter, nærmer seg kunstprosjektene sine på individuelle måter. Bildene jeg har samlet avslører hvordan enkelte artister har reagert på forholdene de kjenner til gjennom personlig erfaring eller lærer om gjennom nyhetene, så vel som venner, slektninger og kolleger. I noen tilfeller kan arbeidet til en enkelt kunstner, som Doris Salcedo, variere sterkt i form og materiale.

"Uten tittel" (2008), av Doris Salcedo. trebord, treskap, metall, betong. Harvard kunstmuseer, Cambridge, MA.

Bildet over og det nedenfor er av verk fra "The Materiality of Mourning" av Salcedo, en colombiansk kunstner med base i Bogotá. De inneholder elementer som formidler både en kjent følelse og en urolig følelse. Møblene er stablet sammen i disjunkte vinkler; stolene er delvis sammenkrøllet eller skadet på annen måte. De ser ut til å referere til husholdning, men de legemliggjør tragedier, for de er ikke lenger nyttige, og hjemmene de kunne ha bodd i er ikke lenger beboelige av dem som har flyktet for livet.

"Thou-less" (2001-2002), av Doris Salcedo. utskårne stoler i rustfritt stål. Harvard kunstmuseer, Cambridge, MA.

I begynnelsen av tjueårene var jeg så heldig å bo og jobbe i Colombia i en periode, da en grufull voldsperiode ikke grep dette vakre landet. Født i 1958, Salcedo, gikk gjennom turbulensen og brutaliteten, og medlemmer av hennes egen familie var blant de mange menneskene som forsvant. Skulpturene og installasjonene hennes tar for seg smerten, traumene og tapet som colombianere har lidd på grunn av en voldsom borgerkrig blant regjeringsstyrker, narkotikakarteller, venstreorienterte geriljaer og høyreorienterte paramilitære. Samtidig gir hun rom for både individuell og kollektiv sorg. Kunstverket hennes tar for seg det faktum at bortenfor sorgen ligger den uutholdelige tomheten etter å ha forsvunnet kjære.

Klikk på linken for en kort video der Salcedo guider seerne gjennom dette terrenget og demonstrerer hvorfor "kunst ikke kan forklare ting, men den kan avsløre dem - det er derfor kunst her er så viktig og nødvendig": https://www.theguardian.com/cities/video/2016/jul/26/artist-doris-salcedo-bogota-videos-work-brutal

Mens bildene ovenfor er av harde materialer, er Salcedos arbeid også av en delikat karakter. En Flor de Piel , nedenfor, er et stort "likklede" laget av ekte roseblader sydd sammen for hånd. I følge kunstneren er stykket ment som "et blomsteroffer til et torturoffer, i et forsøk på å utføre begravelsesritualet som ble nektet henne."

A Flor de Piel (2013), av Doris Salcedo. Harvard kunstmuseer, Cambridge, MA.

Måler ca. 11 fot x 16,5 fot, denne billedvev består av tusenvis av behandlede og bevarte, håndsydde roseblader og ment som et likklede for en sykepleier som ble kidnappet og torturert til døde.

Detalj av A Flor de Piel (2013), av Doris Salcedo.

Nærbilde av suturering av roseblader for A Flor de Piel, av Doris Salcedo. Kilde: http://www3.mcachicago.org/2015/salcedo/works/a_flor_de_piel/

Like delikat er Disremembered, en serie skjøre, spøkelsesaktige bluser som Salcedo utviklet etter å ha intervjuet mødre som hadde mistet barna sine på grunn av våpenvold i Chicago. Gjennom disse skulpturene, basert på en av hennes egne bluser, gir hun form til de tapte kroppene som er dypt sørget av familiene deres, men ofte ignorert av samfunnet. Hver av dem er laget av rå silketråder ispedd et uregelmessig mønster med mer enn 12 000 bittesmå, svertede nåler. Resultatet er en slags hårskjorte som både antyder og påfører smerte.

"Disremembered" (2014, 2015-16), av Doris Salcedo. silketråd og nikkelbelagt stål.
Harvard kunstmuseer, Cambridge MA.

Detalj av "Disremembered," av Doris Salcedo. Harvard kunstmuseer, Cambridge MA.

Hva annet gjør kunstnere når de står overfor noe så grusomt at det er utenkelig? Da andre verdenskrig avslørte umenneskelighet i en skala som aldri før har vært vitne til, reagerte de på grusomhetene i alle medier.

Den tyske maleren Max Beckmann (1884-1950) skapte et portrett av epoken med tradisjonelle stilleelementer - hodeskaller, slukket stearinlys, spillkort - for å vise livets skrøpelighet, uforutsigbarhet og forgjengelighet. Han skapte Still Life with Three Skulls i 1945, under krigens siste måneder, mens han bodde i Amsterdam, dit han hadde flyktet i 1937. Han beskrev disse årene som «en virkelig grotesk tid, full til randen av arbeid, naziforfølgelse, bomber og sult».

"Still Life with. Three Skulls" (1945), av Max Beckmann. Museum of Fine Arts, Boston.

Noen prøvde å fange det som skjedde gjennom fotografier, i håp om at noen til slutt ville kjenne til virkeligheten, ikke løgnene. En utstilling på Museum of Fine Arts, Boston, "Memory Unearthed: The Lodz Ghetto Photographs of Henryk Ross," er bare en av mange slike bestrebelser. Mellom 1940 og 1944, med stor fare for seg selv og familien, gjemte Ross seg på steder der han var forbudt å gå og skjulte et kamera inne i frakken for å ta bilder som skildrer den tragiske gripekraften ved å bli utpekt for folkemord: drevet av ekstrem sult graver folk desperat etter de råtne potetene som kastes av nazistene; tatt fra foreldrene, blir barn bokstavelig talt fraktet til en dødsleir; tvunget til deportasjon, etterlater folk tallerkenen og matspannene sine. Han gjemte rundt 6000 negativer i jernkrukker i en boks med jernkant, som han begravde i bakken. Mirakuløst overlevde han og var i stand til å avdekke dokumentasjonen, mye skadet av grunnvann, når krigen tok slutt.

Barn som blir deportert til Chelmno og Nerem dødsleir (1942), foto av Henryk Ross. Museum of Fine Arts, Boston; Art Gallery of Ontario.

Matspann og fat etterlatt av deporterte ghettobeboere (1944), foto av Henryk Ross. Museum of Fine Arts, Boston; Art Gallery of Ontario.

Det er så mange andre kunstverk som jeg kan inkludere – kjente og ikke kjente – om vold begått mot kvinner, barn og andre vesener, mot havet og skogene, mot mennesker av en religion, etnisk gruppe, rase, nasjonalitet eller en annen – men listen er uendelig, og en blogg skal ikke være det. Bare vit at kunstnere overalt gjør motstand og protesterer i navnet til immigrasjonsrettigheter, bolig, helsetjenester, ytringsfrihet, like muligheter, religionsfrihet, urfolks rettigheter, miljøvern, LHBTQ-rettigheter og mye mer.

Men hva skjer når kunst brukes av motsatte grunner? I stykket Leni , på Aurora Theatre i Berkeley, California, sier hovedpersonen, Leni Riefenstahl: Det er bare en film. Kan et enkelt kunstverk virkelig være så farlig? Det er et viktig spørsmål. I Riefenstahls tilfelle var svaret «ja». Selv om de ble hyllet for artisteri, ble filmene hennes "Triumph of the Will" (1935) og "Olympia" (1938) finansiert av den nazistiske regjeringen, som brukte dem som kraftige propagandaverktøy: å glorifisere ariske tro om rasemessig "renhet" og overlegenheten til den "germanske mesterrasen" for å ta over verden. Ja, kunst kan være farlig når den brukes mot andre. Noe som leder meg tilbake til spørsmålet i begynnelsen av dette innlegget: Hva er formålet med arbeidet vårt og effekten vi håper å oppnå? I tillegg til det, hva er en kunstners ansvar i polariserende tider, som vår egen?

Jeg avslutter med noen ord fra poeten Mary Olivers siste bok, Upstream: Selected Essays : "...kraften til enhver idé blir intensivert, om ikke faktisk skapt, av dens uttrykk i substans...[T]hose who is the world's working artists are not trying to help the world go around, but forward."

Spørsmål og kommentarer
Hvordan spiller kunstnere en galvaniserende rolle i å forme folkelig mening om de avgjørende spørsmålene i vår tid?
Er en kunstner ansvarlig for hvordan kunstverket hans/hennes blir brukt?
Hvilket kunstverk endret ditt sinn og hjerte om en urovekkende politisk/sosial tilstand?
Hvordan bruker du din kunstneriske stemme til å uttrykke din holdning til bekymringssaker?