¿Cómo respondemos? Una Pregunta a Los Artistas

¿Qué artista no ha reflexionado sobre su intención al crear arte? Nos preguntamos cuál es el propósito de nuestra obra y el efecto que esperamos lograr. Habla con una docena de artistas y obtendrás una docena de respuestas diferentes a esta pregunta.

Algunos podríamos estar explorando formalmente temas, colores, técnicas, materiales o estilos. Otros documentan observaciones de lugares, personas, animales y eventos. Quizás simplemente queremos decorar un espacio o capturar la belleza. Quizás expresamos sueños, exorcizamos nuestros demonios internos, evocamos emociones, buscamos la sanación. Quizás intentamos visibilizar lo espiritualmente invisible y comprender nuestro lugar en el mundo. Si nos perturban profundamente problemas sociales, políticos o económicos, el reto de nuestro arte podría ser incitar a la acción pública.

Detalle de "Red Disaster" (1963), de Andy Warhol. Tinta serigráfica sobre pintura de polímero sintético sobre lienzo. Museo de Bellas Artes de Boston. Derivado de una fotografía de las sillas eléctricas en la Penitenciaría de Sing Sing en Ossining, Nueva York, donde los presuntos espías soviéticos Julius y Ethel Rosenberg fueron ejecutados el 13 de enero de 1953, en pleno apogeo de la Guerra Fría.

Si nuestro deseo es confrontar las condiciones de nuestra época, o incluso de épocas anteriores, ¿cómo lo logramos? ¿Qué impulsará al público a abrirse y a ver las cosas con otra perspectiva? ¿Debe nuestra obra ser abiertamente política? ¿Podemos ofrecer algo que ayude a la gente a tranquilizarse en medio de la discordia y la agitación? ¿Creamos arte lleno de ira con la esperanza de que provoque a la gente a actuar, o empleamos el humor? ¿Qué será más eficaz para generar conciencia y debate sobre temas sensibles?

"La rica tierra de allá abajo" (2002), de Kara Walker. Papel recortado y adhesivo sobre pared pintada. Museo de Bellas Artes de Boston.

En los hogares estadounidenses del siglo XIX, pequeñas y delicadas siluetas de seres queridos y alegres escenas domésticas decoraban las paredes. Al encontrar siluetas, estereotipos raciales y reducciones de seres humanos, Walker transforma esta pintoresca tradición al convertir la pared entera de un museo en un gran cuadro de violencia racial y sexual en el Sur de Estados Unidos antes de la Guerra de Secesión.

"Sin voto, sin voz" (2017), de Alice Beasley. Textiles. Esta es la respuesta de Beasley al día en que la Corte Suprema desmanteló la Ley de Derecho al Voto y le dio la espalda al voto como elemento central de la democracia.

"Barco negrero (Esclavistas arrojando por la borda a los muertos y moribundos, tifón a punto de desatarse)", 1840, de Joseph WM Turner. Óleo sobre lienzo. Museo de Bellas Artes de Boston. Un año después de la reimpresión de la Historia de la Abolición de la Trata de Esclavos de Thomas Clarkson (1808), esta pintura coincide con la primera reunión en Londres de la Convención Mundial contra la Esclavitud para luchar por el fin de la esclavitud.

Detalle del Barco negrero de Joseph Turner (1840). Museo de Bellas Artes de Boston.

"Sin título" (2011), de la serie Shakyō rō jin nikki (Diario de un anciano loco por la fotografía), de Nobuyoshi Araki. Fuente: http://artradarjournal.com/2015/05/15/japan-after-fukushima-10-artists-making-art-about-the-disaster/.

Esta es la respuesta de Araki al desastre de la planta nuclear de Fukushima, el mayor incidente nuclear desde el de Chernóbil en 1986. Utilizando tijeras, creó cortes en 238 negativos fotográficos, creando la apariencia de lluvia negra, heridas abiertas o uñas arañando en busca de ayuda.

Representación de "Las buenas cercas hacen buenos vecinos", de Ai Weiwei.

Por encargo del Fondo de Arte Público, este artista y activista chino construirá más de 100 vallas en la ciudad de Nueva York como respuesta a la crisis migratoria internacional. Inmigró en Nueva York en la década de 1980 durante 10 años. Fuente: varios comunicados de prensa en línea.

No todos los artistas se sienten obligados a abordar temas complejos con una declaración visual directa. Al menos por ahora, soy uno de ellos. Sin embargo, esto no significa necesariamente guardar silencio. He optado por involucrarme en acciones prácticas para los inmigrantes de mi comunidad. Pero quienes sí deciden expresar públicamente sus preocupaciones y resistirse a los males que perciben, abordan sus proyectos artísticos de forma individual. Las imágenes que he recopilado revelan cómo ciertos artistas han respondido a las condiciones que conocen por experiencia personal o que conocen a través de las noticias, así como de amigos, familiares y colegas. En algunos casos, la obra de un mismo artista, como Doris Salcedo, puede variar enormemente en forma y material.

"Sin título" (2008), de Doris Salcedo. Mesas y armarios de madera, metal y hormigón. Museo de Arte de Harvard, Cambridge, MA.

Las imágenes de arriba y de abajo son obras de "La Materialidad del Duelo" de Salcedo, artista colombiano residente en Bogotá. Contienen objetos que transmiten tanto una sensación familiar como de inquietud. Los muebles están apilados en ángulos desorganizados; las sillas están parcialmente arrugadas o dañadas. Parecen hacer referencia a la vida doméstica, pero encarnan la tragedia, pues ya no son útiles y los hogares en los que podrían haber residido ya no son habitables para quienes han huido para salvar sus vidas.

"Thou-less" (2001-2002), de Doris Salcedo. Sillas de acero inoxidable talladas. Museo de Arte de Harvard, Cambridge, MA.

A principios de mis veintes, tuve la fortuna de vivir y trabajar en Colombia durante una época de paz, cuando un régimen de violencia terrible no azotaba a este hermoso país. Nacida en 1958, Salcedo sí experimentó la turbulencia y la brutalidad, y miembros de su propia familia estuvieron entre las muchas personas que desaparecieron. Sus esculturas e instalaciones abordan el dolor, el trauma y la pérdida que los colombianos han sufrido a causa de una feroz guerra civil entre las fuerzas gubernamentales, los cárteles de la droga, las guerrillas de izquierda y los paramilitares de derecha. Al mismo tiempo, ofrece un espacio para el duelo tanto individual como colectivo. Su obra aborda el hecho de que más allá del dolor se encuentra el vacío insoportable que deja la desaparición de seres queridos.

Haga clic en el enlace para ver un video corto en el que Salcedo guía a los espectadores a través de este terreno y demuestra por qué "el arte no puede explicar las cosas, pero puede exponerlas; por eso el arte aquí es tan importante y necesario": https://www.theguardian.com/cities/video/2016/jul/26/artist-doris-salcedo-bogota-forces-work-brutal-video

Si bien las imágenes de arriba son de materiales duros, la obra de Salcedo también es delicada. Una Flor de Piel , abajo, es un gran sudario hecho de pétalos de rosa auténticos cosidos a mano. Según el artista, la pieza está concebida como una ofrenda floral a una víctima de tortura, en un intento de realizar el ritual funerario que le fue negado.

A Flor de Piel (2013), de Doris Salcedo. Museo de Arte de Harvard, Cambridge, MA.

Este tapiz, que mide aproximadamente 11 pies x 16,5 pies, está compuesto de miles de pétalos de rosa tratados y conservados, cosidos a mano, y está destinado a usarse como mortaja para una enfermera que fue secuestrada y torturada hasta la muerte.

Detalle de A Flor de Piel (2013), de Doris Salcedo.

Primer plano de la sutura de pétalos de rosa para "A Flor de Piel", de Doris Salcedo. Fuente: http://www3.mcachicago.org/2015/salcedo/works/a_flor_de_piel/

Igualmente delicada es "Desremembered", una serie de blusas frágiles y fantasmales que Salcedo desarrolló tras entrevistar a madres que perdieron a sus hijos a causa de la violencia armada en Chicago. A través de estas esculturas, basadas en una de sus propias blusas, da forma a los cuerpos perdidos, profundamente llorados por sus familias, pero a menudo ignorados por la sociedad. Cada una está hecha de hilos de seda cruda intercalados en un patrón irregular con más de 12.000 diminutas agujas ennegrecidas. El resultado es una especie de cilicio que evoca y a la vez inflige dolor.

“Desrecordada” (2014, 2015-16), de Doris Salcedo. hilo de seda y acero niquelado.
Museos de Arte de Harvard, Cambridge MA.

Detalle de "Desmemoriada", de Doris Salcedo. Museo de Arte de Harvard, Cambridge, MA.

¿Qué más hacen los artistas ante algo tan atroz que resulta inimaginable? Cuando la Segunda Guerra Mundial reveló una inhumanidad a una escala nunca antes vista, reaccionaron ante los horrores en todos los medios.

El pintor alemán Max Beckmann (1884-1950) creó un retrato de la época con elementos tradicionales de la naturaleza muerta —calaveras, velas apagadas, naipes— para evocar la fragilidad, la imprevisibilidad y la transitoriedad de la vida. Creó Naturaleza muerta con tres calaveras en 1945, durante los últimos meses de la guerra, mientras vivía en Ámsterdam, adonde había huido en 1937. Describió aquellos años como «una época verdaderamente grotesca, llena de trabajo, persecución nazi, bombas y hambre».

Naturaleza muerta con tres calaveras (1945), de Max Beckmann. Museo de Bellas Artes de Boston.

Algunas personas intentaron capturar lo que sucedía mediante fotografías, con la esperanza de que alguien finalmente conociera la realidad, no las mentiras. Una exposición en el Museo de Bellas Artes de Boston, "Memoria Desenterrada: Las Fotografías del Gueto de Lodz de Henryk Ross", es solo uno de muchos esfuerzos similares. Entre 1940 y 1944, con gran riesgo para él y su familia, Ross se escondió en lugares donde tenía prohibido ir y escondió una cámara dentro de su abrigo para tomar fotografías que retratan la trágica y dolorosa experiencia de ser elegido para el genocidio: impulsados ​​por el hambre extrema, la gente busca desesperadamente las patatas podridas que tiran los soldados nazis; separados de sus padres, los niños son literalmente llevados a un campo de exterminio; forzados a la deportación, la gente deja atrás sus platos y cubos de comida. Escondió unos 6.000 negativos en jarras de hierro dentro de una caja con borde de hierro, que enterró en la tierra. Milagrosamente, sobrevivió y pudo desenterrar la documentación, muy dañada por las aguas subterráneas, una vez terminada la guerra.

Niños deportados a los campos de exterminio de Chelmno y Nerem (1942), foto de Henryk Ross. Museo de Bellas Artes de Boston; Galería de Arte de Ontario.

Cubetas y platos de comida abandonados por residentes deportados del gueto (1944), foto de Henryk Ross. Museo de Bellas Artes de Boston; Galería de Arte de Ontario.

Hay muchísimas otras obras de arte que podría incluir, famosas y no famosas, sobre la violencia contra mujeres, niños y otros seres, contra los océanos y los bosques, contra personas de una u otra religión, etnia, raza o nacionalidad; pero la lista es interminable y un blog no debería serlo. Solo quiero que sepan que artistas de todo el mundo resisten y protestan en nombre de los derechos de inmigración, la vivienda, la atención médica, la libertad de expresión, la igualdad de oportunidades, la libertad religiosa, los derechos de los indígenas, la protección del medio ambiente, los derechos LGBTQ+ y mucho más.

Pero ¿qué ocurre cuando el arte se utiliza con fines opuestos? En la obra "Leni" , presentada en el Teatro Aurora de Berkeley, California, la protagonista, Leni Riefenstahl, afirma: "Es solo una película. ¿Puede una sola obra de arte ser realmente tan peligrosa?". Es una pregunta importante. En el caso de Riefenstahl, la respuesta fue "sí". Aunque elogiadas por su arte, sus películas "El triunfo de la voluntad" (1935) y "Olympia" (1938) fueron financiadas por el gobierno nazi, que las utilizó como poderosas herramientas de propaganda: para glorificar las creencias arias sobre la "pureza" racial y la superioridad de la "raza dominante germánica" para dominar el mundo. Sí, el arte puede ser peligroso cuando se usa contra otros. Esto me lleva de vuelta a la pregunta del principio de esta publicación: ¿Cuál es el propósito de nuestro trabajo y el efecto que esperamos lograr? Además, ¿cuál es la responsabilidad de un artista en tiempos de polarización como el nuestro?

Terminaré con algunas palabras del último libro de la poeta Mary Oliver, Upstream: Selected Essays : "...el poder de cada idea se intensifica, si no se crea realmente, por su expresión en sustancia.... [A]quellos que son los artistas trabajadores del mundo no están tratando de ayudar a que el mundo gire, sino que avance".

Preguntas y comentarios
¿Cómo desempeñan los artistas un papel galvanizador en la formación de la opinión popular sobre los temas que definen nuestra época?
¿Es un artista responsable del modo en que se utilizan sus obras de arte?
¿Qué obra de arte cambió su mente y su corazón respecto de una condición política o social problemática?
¿Cómo utilizas tu voz artística para expresar tu postura sobre temas que te preocupan?