Com responem? Una Pregunta Als Artistes

Quin artista no ha reflexionat sobre la seva intenció a l'hora de crear art? Ens preguntem quin és el propòsit del nostre treball i l'efecte que esperem aconseguir. Parleu amb una dotzena d'artistes i obtindreu una dotzena de respostes diferents a aquesta pregunta.

Alguns de nosaltres podríem estar involucrats en una exploració formal de temes, colors, tècniques, materials o estils. Altres estan enregistrant observacions de llocs, persones, animals i esdeveniments. Potser només volem decorar l'espai o captar la bellesa. Potser estem expressant somnis, exorcisant dimonis interiors, evocant emocions, avançant cap a la curació. Potser estem intentant fer visible allò que és espiritualment invisible i entendre el nostre lloc al món. Si estem profundament pertorbats per qüestions de caràcter social, polític i/o econòmic, el repte del nostre art podria ser exhortar a l'acció pública.

Detall de "Red Disaster" (1963), d'Andy Warhol. Tinta de serigrafia sobre pintura de polímer sintètic sobre tela. Museu de Belles Arts, Boston. Derivat d'una fotografia de les cadires elèctriques a la penitenciaria de Sing Sing a Ossining, Nova York, on els presumptes espies soviètics Julius i Ethel Rosenberg van ser executats el 13 de gener de 1953, en plena Guerra Freda.

Si el nostre desig és enfrontar-nos a les condicions del nostre temps o fins i tot a períodes anteriors, com ho fem? Què afectarà els espectadors a obrir-se i veure les coses amb un altre cor i ment? La nostra obra d'art ha de ser descaradament política? Podem oferir alguna cosa que permeti a la gent calmar-se enmig de la discòrdia i l'agitació? Creem art ple de ràbia amb l'esperança que provoqui que la gent actuï, o fem servir l'humor? Què serà el més efectiu per generar consciència i discussió sobre temes carregats?

"The Rich Soil Down There" (2002), de Kara Walker. Tallar paper i adhesiu a la paret pintada. Museu de Belles Arts, Boston.

A les cases americanes del segle XIX, les parets decoraven siluetes petites i delicades dels éssers estimats i escenes domèstiques alegres. Trobant siluetes i estereotips racials, reduccions d'éssers humans, Walker transforma aquesta pintoresca tradició convertint tot un mur del museu en un gran quadre de violència racial i sexual al sud d'abans de la Guerra Civil.

"No Vote, No Voice" (2017), d'Alice Beasley. Tèxtils. Aquesta és la resposta de Beasley al dia que el Tribunal Suprem va eliminar la Llei de drets de vot i va donar l'esquena al vot com a central de la democràcia.

"Slave Ship (Slavers Throwing Overboard the Dead and Dying, Typhoon Coming Out)", 1840, de Joseph WM Turner. oli sobre tela. Museu de Belles Arts, Boston. Un any després de la reedició de la Història de l'abolició del comerç d'esclaus de Thomas Clarkson de 1808, aquest quadre coincideix amb la primera reunió a Londres de la Convenció Mundial contra l'Esclavitud per fer campanya per la fi de l'esclavitud.

Detall del vaixell d'esclaus de Joseph Turner (1840). Museu de Belles Arts, Boston.

"Sense títol" (2011), de la sèrie ShakyÅ rÅ jin nikki (Diary of a Photo-Mad Old Man), de Nobuyoshi Araki. Font: http://artradarjournal.com/2015/05/15/japan-after-fukushima-10-artists-making-art-about-the-disaster/.

Aquesta és la resposta d'Araki al desastre de la central nuclear de Fukushima, l'incident nuclear més gran des del de Txernòbil el 1986. Amb unes tisores, va crear retallades en 238 negatius fotogràfics, creant l'aparença de pluja negra, ferides obertes o ungles arrancant per ajuda.

Representació de "Les bones tanques fan bons veïns", d'Ai Weiwei.

Per encàrrec del Public Art Fund, aquest artista i activista xinès construirà més de 100 tanques a la ciutat de Nova York en resposta a la crisi migratòria internacional. Va ser un immigrant a Nova York als anys vuitanta durant 10 anys. Font: diversos comunicats de notícies en línia.

No tots els artistes se senten obligats a abordar problemes molestos en una declaració visual directa. Almenys de moment, sóc un d'ells. Tanmateix, això no vol dir necessàriament romandre en silenci. He escollit participar en accions pràctiques per als membres immigrants de la meva comunitat. Però aquells que opten per donar veu pública a les seves preocupacions i resistir els errors que perceben s'apropen als seus projectes artístics de manera individual. Les imatges que he recopilat revelen com determinats artistes han respost a les condicions que coneixen a través de l'experiència personal o de les quals coneixen a través de les notícies, així com d'amics, familiars i companys. En alguns casos, l'obra d'un sol artista, com Doris Salcedo, pot variar molt en la forma i el material.

"Sense títol" (2008), de Doris Salcedo. taules de fusta, armaris de fusta, metall, formigó. Museus d'Art de Harvard, Cambridge, MA.

La imatge de dalt i la de sota són obres de "La materialitat del dol" de Salcedo, un artista colombià establert a Bogotà. Contenen articles que transmeten tant un sentit familiar com un sentiment inquiet. Els mobles s'amunteguen en angles disjunts; les cadires estan parcialment arrugades o danyades d'una altra manera. Sembla que fan referència a la domesticitat, però encarnen la tragèdia, perquè ja no són útils i les cases on podrien haver residit ja no són habitables per aquells que han fugit per salvar la vida.

"Thou-less" (2001-2002), de Doris Salcedo. cadires d'acer inoxidable tallades. Museus d'Art de Harvard, Cambridge, MA.

Als meus primers vint anys, vaig tenir la sort de viure i treballar a Colòmbia durant un període fulgurant, quan un regnat de violència horrible no va dominar aquest bell país. Nascuda el 1958, Salcedo, sí que va passar per la turbulència i la brutalitat, i els membres de la seva pròpia família van ser entre les moltes persones que van desaparèixer. Les seves escultures i instal·lacions aborden el dolor, el trauma i la pèrdua que han patit els colombians a causa d'una feroç guerra civil entre forces governamentals, càrtels de la droga, guerrilles d'esquerres i paramilitars de dreta. Al mateix temps, ofereix espai per al dol tant individual com col·lectiu. La seva obra d'art tracta el fet que més enllà del dolor hi ha el buit insuportable que deixa la desaparició dels éssers estimats.

Feu clic a l'enllaç per veure un vídeo breu en què Salcedo guia els espectadors per aquest terreny i demostra per què "l'art no pot explicar les coses, però les pot exposar; per això l'art aquí és tan important i necessari": https://www.theguardian.com/cities/video/2016/jul/26/artist-doris-salcedo-bogota-forces-video-work-brutal

Si bé les imatges de dalt són de materials durs, l'obra de Salcedo també és de caràcter delicat. Una Flor de Piel , a sota, és un gran " sudari " fet de pètals de rosa reals suturats a mà. Segons l'artista, la peça està pensada com "una ofrena floral a una víctima de tortura, en un intent de realitzar el ritual funerari que se li va negar".

A Flor de Piel (2013), de Doris Salcedo. Museus d'Art de Harvard, Cambridge, MA.

Mesura aprox. 11 peus x 16,5 peus, aquest tapís està format per milers de pètals de rosa tractats i conservats, cosits a mà i pensat com a sudari per a una infermera que va ser segrestada i torturada fins a la mort.

Detall d'A Flor de Piel (2013), de Doris Salcedo.

Primer pla de la sutura de pètals de rosa per a A Flor de Piel, de Doris Salcedo. Font: http://www3.mcachicago.org/2015/salcedo/works/a_flor_de_piel/

Igualment delicat és Disremembered, una sèrie de bruses fantasmals i fràgils que Salcedo va desenvolupar després d'entrevistar mares que havien perdut els seus fills a causa de la violència armada a Chicago. A través d'aquestes escultures, basades en una de les seves pròpies bruses, dona forma als cossos perduts, profundament plorats per les seves famílies però sovint ignorats per la societat. Cadascun està fet de fils de seda crua intercalats en un patró irregular amb més de 12.000 agulles diminutes i ennegrides. El resultat és una mena de camisa de pèl que suggereix i provoca dolor.

"Disremembered" (2014, 2015-16), de Doris Salcedo. fil de seda i acer niquelat.
Museus d'Art de Harvard, Cambridge MA.

Detall de "Disremembered", de Doris Salcedo. Museus d'Art de Harvard, Cambridge MA.

Què més fan els artistes davant d'una cosa tan atroç que resulta inimaginable? Quan la Segona Guerra Mundial va revelar la inhumanitat a una escala mai vista abans, van respondre als horrors de tots els mitjans.

El pintor alemany Max Beckmann (1884-1950) va crear un retrat de l'època amb elements tranquils tradicionals (cranis, espelma apagada, cartes) per donar a conèixer la fragilitat, la imprevisibilitat i la impermanència de la vida. Va crear Natura morta amb tres calaveres l'any 1945, durant els darrers mesos de la guerra, mentre vivia a Amsterdam, d'on havia fugit el 1937. Va descriure aquells anys com "una època realment grotesc, plena de treball, persecució nazi, bombes i fam".

"Natura morta amb. Tres cranis" (1945), de Max Beckmann. Museu de Belles Arts, Boston.

Algunes persones van intentar captar el que estava passant a través de fotografies, amb l'esperança que algú finalment conegués la realitat, no les mentides. Una exposició al Museu de Belles Arts de Boston, "Memory Unearthed: The Lodz Ghetto Photographs of Henryk Ross", és només un dels molts esforços d'aquest tipus. Entre 1940 i 1944, amb un gran risc per a ell i la seva família, Ross es va amagar en llocs on se li prohibia anar i va amagar una càmera dins de l'abric per fer fotografies que representessin la tràgica punyància d'haver estat assenyalat per genocidi: moguts per una fam extrema, la gent excava desesperadament a la recerca de les patates podrides dels soldats nazis; presos dels seus pares, els nens són literalment transportats a un camp d'extermini; forçada a ser deportada, la gent deixa enrere els seus plats i cubells de menjar. Va amagar uns 6.000 negatius en pots de ferro dins d'una caixa amb vora de ferro, que va enterrar a terra. Miraculosament, va sobreviure i va poder desenterrar la documentació, molt malmesa per les aigües subterrànies, un cop acabada la guerra.

Nens deportats al camp d'extermini de Chelmno i Nerem (1942), foto de Henryk Ross. Museu de Belles Arts, Boston; Galeria d'Art d'Ontario.

Cubs de menjar i plats deixats pels residents del gueto deportats (1944), foto de Henryk Ross. Museu de Belles Arts, Boston; Galeria d'Art d'Ontario.

Hi ha tantes altres obres d'art que podria incloure--famoses i no famoses--sobre la violència comesa contra dones, nens i altres éssers, contra els oceans i els boscos, contra persones d'una religió, grup ètnic, raça, nacionalitat o una altra, però la llista és interminable i se suposa que no hi ha un bloc. Només s'ha de saber que els artistes de tot arreu resisteixen i protesten en nom dels drets d'immigració, habitatge, salut, llibertat d'expressió, igualtat d'oportunitats, llibertat religiosa, drets indígenes, protecció del medi ambient, drets LGBTQ i molt més.

Però què passa quan l'art s'utilitza per raons oposades? A l'obra Leni , a l'Aurora Theatre de Berkeley, Califòrnia, el personatge principal, Leni Riefenstahl, diu: És només una pel·lícula. Una única obra d'art pot ser realment tan perillosa? És una pregunta important. En el cas de Riefenstahl, la resposta va ser "sí". Encara que elogiades per l'art, les seves pel·lícules "Triumph of the Will" (1935) i "Olympia" (1938) van ser finançades pel govern nazi, que les va utilitzar com a poderoses eines de propaganda: per glorificar les creences aries sobre la "puresa" racial i la superioritat de la "raça mestra germànica" per apoderar-se del món. Sí, l'art pot ser perillós quan s'utilitza contra els altres. La qual cosa em porta de nou a la pregunta de l'inici d'aquest post: quin és l'objectiu del nostre treball i l'efecte que esperem aconseguir? A més, quina és la responsabilitat de l'artista en temps de polarització, com el nostre?

Acabaré amb algunes paraules de l'últim llibre de la poetessa Mary Oliver, Upstream: Selected Essays : "... el poder de cada idea s'intensifica, si no es crea realment, per la seva expressió en la substància.... [A]quells que són els artistes que treballen al món no estan intentant ajudar el món a girar, sinó endavant".

Preguntes i comentaris
Com juguen els artistes un paper dinamitzador a l'hora de donar forma a l'opinió popular sobre els problemes que defineixen els nostres temps?
Un artista és responsable de com s'utilitza la seva obra d'art?
Quina obra d'art et va canviar d'opinió i cor sobre una situació política/social preocupant?
Com fas servir la teva veu artística per expressar la teva posició sobre temes que preocupen?