Aber die Sensibilität, die entsteht, wenn man wahrnimmt, dass jeden Tag etwas anders ist, hat nichts mit einer echten wissenschaftlichen Einstellung zu tun. Mein Bruder beschloss eines Tages – er konnte den Sonnenuntergang von seinem Gehweg an einem Gebäude aus sehen, an dem er arbeitete –, ein Jahr lang die Position der Sonne am Horizont zu kartieren. Und das tat er ein Jahr lang. Das ist der wissenschaftliche Impuls. Es geht darum, ein Gespür für diese Unterschiede zu entwickeln.
Die Vorstellung, dass etwas jedes Mal gleich sein sollte, widerspricht dem Forschungsgedanken. In der Musik spielt man dasselbe, aber jedes Mal ein wenig anders, und so entdeckt man etwas über die Musik.
Ich war einmal mit Alice Parker auf einem Workshop. Sie recherchierte und arrangierte für Robert Shaw. Er war der große Dirigent, aber sie war diejenige, die recherchierte und komponierte. Sie brachte einer Gruppe ein Lied bei, ohne ein Wort zu sagen. Ihre Methode bestand darin, eine Phrase zu singen und alle dazu zu bringen, sie nachzusingen. Dann sang sie sie ein wenig anders – und dann noch ein wenig anders. Und als die Leute es verstanden und tatsächlich nachsingen konnten, wusste sie, dass sie wirklich zuhörten. Dann sang sie die Phrase so, wie sie es wollte.
Sie brachte die Leute dazu, ihr zuzuhören, indem sie diese kleinen Variationen vortrug und sie dazu brachte, sie ihr nachzusingen. Das ist eine echte Lektion in Sachen Unterrichten. Es war inspirierend, ihr bei der Arbeit zuzusehen.
RW: Das ist wunderbar.
GN: Man muss den Mut finden, etwas zu wiederholen. Nach einer Weile beginnen die Schüler, etwas zu hören, was sie vorher nicht gehört haben. Dann können wir gemeinsam etwas weiterführen: Was der Komponist in die Musik einfließen ließ oder, wenn es ein Volkslied ist, was eine Reihe von Interpreten mündlich überlieferten, was sie für wichtig hielten und was über Generationen weitergegeben wurde. Denn wenn es nicht die Gefühle der Menschen ansprach, wurde es nicht weitergegeben. Gerade deshalb hat traditionelle Volksmusik eine große Kraft. Sie trägt etwas von unserer gemeinsamen Erfahrung in sich.
RW: Das lässt mich vermuten, dass Folkmusik heutzutage wohl keine Chance mehr hat. Ich meine, es scheint, als würden sich die Leute ständig mit Musik vollstopfen, fast wie eine Art Selbstmedikation. Dieser ständige Musikkonsum scheint ein Symptom dafür zu sein, dass etwas nicht stimmt.
GN: Wie Junkfood. Es ist wie Süßigkeiten essen. Etwas wird dadurch nicht genährt, sonst müsste man es nicht ständig essen. Und um beim Lebensmittelvergleich zu bleiben: Wenn Menschen nur Junkfood essen, wissen sie eigentlich nicht, was ihnen entgeht. Kürzlich stand in der Zeitung ein Artikel über einen fünfjährigen Jungen, der beim Essen eines Pfirsichs weinte, weil er noch nie richtiges Obst gegessen hatte. Und vor fünfzig Jahren sagten Ernährungswissenschaftler, es gäbe keine guten und schlechten Lebensmittel. Vielleicht besteht also Hoffnung, dass auch diese Vorstellung, es gäbe keine gute und schlechte Musik, verschwindet. Kodály sagte, wenn Kinder früh mit guter Musik in Berührung kämen, würden sie gegen schlechte Musik immun.
RW: Meine Enkelkinder gehen auf die St. Paul's Schule, und die haben dort ein tolles Musikprogramm. Ich bin sicher, alle Lehrer sind sehr gut, aber ein paar stechen besonders hervor. Musik wird dort sehr wichtig genommen, und die Kinder reagieren darauf mit Begeisterung. Es ist schwer, das in Worte zu fassen, aber allein durch ihre Auftritte bekomme ich ein intuitives Gefühl dafür, wie wichtig Musik für die Entwicklung eines Kindes sein kann. Ich wünschte, ich könnte das, was ich dort gesehen habe, sichtbar machen. Es würde zeigen, warum wir Musik in der Schule brauchen.
GN: Ich wünschte, mehr Leute könnten das erkennen. Es spricht für sich selbst, wie Sie sagten.
RW: Ja. Aber es muss da sein. Das sind nicht nur ein paar zappelnde Kinder, von denen einige konzentriert und andere abgelenkt sind. Das ging weit darüber hinaus.
GN: Wenn man so etwas in kleinen Kindern erlebt, ist das unvergesslich. Und selbst bei älteren Kindern. Wir hatten einmal ein Chorfestival an der High School, und da war dieser Chor aus Hayward. In diesem Schulbezirk werden zu Hause vielleicht 120 Sprachen gesprochen. Ein multikulturelles Zentrum! Und das war ihr Kammerchor mit etwa 36 Kindern aller möglichen ethnischen Hintergründe. Dieser Mann, der dort Musikdirektor war, hat etwas aus diesen Kindern herausgeholt. Ich kann es nur so beschreiben: Sie sangen mit einer absoluten Einheit der Absicht. Es war unverkennbar. Es war außergewöhnlich.
Es gibt Hoffnung, so etwas zu sehen, und es gibt heutzutage so viel, worüber man keine Hoffnung haben kann. Inmitten all der Technologie, der Depression, der Drogen und all dem Unheil hat Musik immer noch etwas, das die Seele in gewisser Weise befreien kann.
Und was ich außerdem für sehr wichtig halte, ist, dass das Vertrauen in die eigene Erfahrung für unser gesellschaftliches Leben von zentraler Bedeutung ist. Wer sich auf die Bestätigung der Wahrheit durch andere verlässt, ist nicht nur demagogischen Angriffen ausgesetzt, sondern es kann auch keine partizipatorische Kultur geben, wenn sie aus Menschen besteht, die kein Vertrauen in ihre eigene Erfahrung haben.
RW: Das stimmt.
GN: Bernice Johnson Reagon ist Wissenschaftlerin am Smithsonian und eine der Gründerinnen von „Sweet Honey in the Rock“. Sie sprach darüber, wie diese Menschen in der Bürgerrechtsbewegung, die ganz normale Menschen waren, Dienstmädchen, Ladenangestellte, aufstehen und zu Führungspersönlichkeiten werden konnten. Sie führte das auf zwei Dinge zurück: zum einen auf die schwarze Kirche und das Gemeinschaftsgefühl dort; zum anderen darauf, dass sie mit diesen traditionellen Kindersingspielen aufwuchsen, bei denen jeder an die Reihe kam. Wenn man an der Reihe war, in der Mitte zu stehen, wurde man von allen unterstützt. Dann ging man zurück, wurde Teil des Kreises und unterstützte die nächste Person. Mit diesen Fähigkeiten aufzuwachsen, ermöglichte es Menschen, für einen Moment die Führung zu übernehmen, und diese Art von Führungsstärke konnte entstehen.
Ein Aspekt dieser Musikkultur ist eine Probe für Demokratie, eine Probe für bürgerliches Leben, für Geben und Nehmen und für die Beziehung des Einzelnen zur Gemeinschaft als eine von gegenseitiger Unterstützung geprägte. Vieles wird gewissermaßen spielerisch erlernt.
RW: Mir fallen da ein paar Dinge ein. Ich glaube, für viele amerikanische Ureinwohner ist es ein entscheidender Teil ihrer Entwicklung, ihren eigenen Song zu finden. Vielleicht geschieht das in einem schweißtreibenden Prozess oder auf einer Visionssuche.
Ich aß mit Freunden zu Abend, und CK Ladzekpo, der Trommelmeister aus Westafrika, war da. Ich konnte ihn ein wenig über das Trommeln befragen. Die Bandbreite und Tiefe des Trommelns ist erstaunlich. Mir wurde klar, wie unwissend ich darüber war. Allein durch diesen Einblick wurde mir klar, wie wenig wir als Kultur über die Musik anderer Kulturen wissen. Haben Sie Einblicke in die Musik anderer Kulturen?
GN: Wir wissen wirklich nicht, was uns entgeht. Ich habe ein paar Tage in einem Indianerreservat in Montana verbracht, während dort die Sonnentanzzeremonie stattfand. Man muss nicht viel Zeit mit traditionellen Menschen verbringen, um zu erkennen, was für ein Weißer man ist, wissen Sie? Es ist so offensichtlich, dass diese Menschen, selbst wenn sie arm sind, etwas haben. Und sie haben etwas Besonderes in ihren Beziehungen.
Ich war mit einer Freundin zusammen. Ihr Vater war in den Stamm aufgenommen worden. Wir hatten unser Zelt und lagerten im Kreis. Sobald wir unser Zelt aufgebaut hatten, kamen alle Teenager vorbei und hingen in unserem Zelt herum. Also taten wir, was anscheinend das Richtige war. Wir gaben ihnen zu essen. Und dann waren wir drin. [lacht] Einer der Jungen erzählte uns von seiner Visionssuche und sang uns das Lied vor, das er bekommen hatte.
RW: Das klingt sehr berührend.
GN: Es war sehr berührend. Ein sechzehnjähriger Junge, und er hatte etwas, was wir nicht haben.
Aber deine Trommelgeschichte erinnerte mich an das erste Mal, als ich Hamza Al Din hörte. Er trat an der San Francisco State University auf. Er hatte eine große Rahmentrommel und erzählte uns, dass die Trommel vier verschiedene Klänge erzeugen könne. Einer war Erde. Einer war Luft. Einer war Feuer. Und einer war Wasser. Dann führte er jeden einzelnen vor. Dann begann er zu spielen.
Nun, zunächst dachte ich: „Oh, da steckt diese ganze Kosmologie der Beziehung von Erde, Luft, Feuer und Wasser in den Klängen der Trommel!“ Dann erzeugte die Trommel einen Nachhall im Raum, sodass man viel mehr Klänge hörte, als er spielte. Und mir wurde klar, dass er ein Meistermusiker war. Und das ist nicht einmal sein Hauptinstrument.
RW: Ich erinnere mich an ihn bei einem Konzert. Er spielte die Rahmentrommel und drehte sich dabei langsam im Kreis. Ich erinnere mich an seine Präsenz. In gewisser Weise scheint es mir, dass ich darauf vorbereitet sein muss, das zu empfangen, was jemand wie Hamza Al Din mitbringt. Ich kann nicht einfach in den Raum gehen und es bekommen. Ich denke, wir brauchen eine gewisse Einführung, um das überhaupt empfangen zu können. Wir wissen nicht, was uns entgeht, wie Sie sagten.
GN: Und wir wissen nicht, was wir empfangen. Vielleicht ist es nur ein Bruchteil. Bruno Nettl, ein bekannter Musikethnologe, schrieb einen Artikel mit dem Titel „Sie werden diese Musik nie verstehen“. Er studierte ich weiß nicht wie viele Jahre klassische persische Musik, und irgendwann sagte ihm sein Lehrer: „Sie werden diese Musik nie verstehen.“ Das ist also eine Warnung.
Ja, wir haben heute durch Aufnahmen und reisende Musiker Zugang zu unterschiedlichsten Musikrichtungen aus aller Welt. Aber können wir sie wirklich empfangen? Oder ist das eine Art Kolonialismus?
RW: Ja. Und unsere Konsumgewohnheiten sind irgendwie widerlich. Vielleicht gibt es bestimmte Dinge, die vor dem Konsum geschützt sind, weil sie vor uns verborgen sind.
GN: Oder es ist eine bestimmte Art von Aktivität erforderlich. Und wir werden zur Passivität erzogen. Das ist sicher, als Konsumenten. Manche Dinge kann man nur erhalten, wenn man aktiv mitmacht.
RW: Ein Teilnehmer. Ja. Was halten Sie von der Sache, ständig diese kleinen musikalischen Einlagen einzubauen? Zum Beispiel in einer Nachrichtensendung, sogar auf NPR. Da gibt es diese kurzen Nachrichtenfetzen: 67 Menschen wurden von einem Selbstmordattentäter getötet … Dann gibt es ein kleines musikalisches Zwischenspiel. Was halten Sie davon?
GN: Ich habe da eine Theorie. Es ist alles darauf ausgelegt, dass man sich wohlfühlt. Man weiß, dass die Stimme dieser Person jeden Tag genau gleich klingt. Nachdem er „Alle Nachrichten, immer“ gesagt hat, folgt dieser kleine musikalische Riff, der einem sagt, dass als Nächstes die Nachrichten des Tages kommen. Und jetzt haben wir noch einen weiteren kleinen Riff, und der bedeutet…
RW: Verkehr. Wetter.
GN: Es ist also so, als ob Sie in Ihrem chaotischen Zustand, in dem Sie kein Innenleben haben und von äußeren Umständen hin- und hergerissen werden, auf dem Weg zur Arbeit Ihr Radio einschalten und das Gefühl haben können: „Ich weiß, was als Nächstes kommt.“
Ich könnte mich beschweren, aber ich glaube nicht, dass das sinnvoll ist. Kennen Sie das schon einmal: Sie sind irgendwo, es ist ganz still, und plötzlich hören Sie in der Ferne eine Flöte spielen? Etwas in Ihnen bewegt sich auf dieses wunderbare Etwas zu, und es fühlt sich an wie eine ganz natürliche Funktion des Gehörs. Es ist, als wären Sie im Wald und würden auf jedes Geräusch achten. Sie bewegen sich auf eine ganz organische Weise in Ihre Umgebung hinein, ganz anders als die Fokussierung der Augen.
Diese Funktion des Ohrs muss das Gehirn auf eine bestimmte Weise entwickeln. Und es muss das Gehirn anders entwickeln, damit das Ohr ständig Geräusche ausblenden und sich auf das konzentrieren muss, was man hören möchte – nicht, dass man das nicht tun müsste. Es ist eine weitere Funktion des Ohrs, Geräusche aus dem Hintergrund herauszuhören. Aber ich kann mir nicht vorstellen, dass die ständige Ausblendung unsere Fähigkeit beeinträchtigt, in unserer Umgebung zu sein, sei sie nun natürlich oder sozial.
RW: Bevor ich heute Morgen hierherkam, war ich mit meinem Hund spazieren. Und es ist heute so ein schöner Tag, fast wie Frühling. Als ich nach Hause kam, saß ein Fink oben auf einem Baum.
GN: Ja, die Vögel haben heute Morgen wirklich gesungen.
RW: Mein Gott! Ich habe diesem Vogel zugehört, und es war einfach wunderschön. Ich glaube, du hast einen Moment beschrieben, in dem dir klar wurde, dass Vögel einander zuhören.
GN: Ich weiß noch genau, wo ich war. Es war auf Hartstene Island im Puget Sound. Normalerweise höre ich diesen Vogel singen und jenen. Aber plötzlich hörte ich sie abwechselnd rufen. Es war kein gegenseitiges Rufen, weil es nicht dieselbe Vogelart war. Es war eher so, als ob dieser Vogel einen Laut von sich gibt und dann der andere. Es war nicht so, als würden sie miteinander reden. Sie befanden sich im selben Klangraum und sagten: „Hier bin ich“, „Hier bin ich“, „Hier bin ich“. Es war, als würden sie alle sagen: „Hier bin ich“.
Vielleicht ist das zu anthropomorph. Aber sie hörten einander zu, wenn auch nicht direkt. Und ich lauschte diesem ganzen autarken Ding. Es war eine Welt.
RW: Was Sie beschreiben, ist ein schwer zu beschreibender Moment, aber ein echtes Erlebnis. Solche Dinge sind schwer zu vermitteln.
GN: Sie sind sehr schwer zu vermitteln. Man versucht es. Manchmal fragt man sich – die Dinge, die mich verändert haben, sind meine eigenen Erfahrungen, nicht die von jemand anderem. Vielleicht muss ich sie also in gewisser Weise nicht vermitteln. Vielleicht hilft es auch nicht. Es ist wie beim Unterrichten. Wenn man erst einmal erkennt, dass man nie etwas gelernt hat, wenn es einem jemand erzählt hat, fühlt man sich nicht mehr so verpflichtet, Schülern Dinge zu erzählen.
RW: Es gibt noch eine andere Sichtweise. Ich traf einen sehr interessanten Mann, Ron Nakasone. Er verwendete den Begriff „Kartografie und Kunst“. Er ist ein buddhistischer Priester und eine Art Meister der Kalligrafie mit großem Pinsel. Er meinte damit, dass der Künstler manchmal in der Lage ist, einer Erfahrung Form zu geben. Ohne diese Form bliebe sie anderen verborgen. Im Idealfall wäre dies also eine wichtige Aufgabe für den Künstler – Erfahrungen in eine Form zu bringen, die anderen zugänglich wird.
GN: Aber genau deshalb ist Kunst nicht nur Erzählen. Das ist es, was ich sagen will. Kunst soll die eigene Erfahrung transformieren, nicht nur beschreiben.
RW: Ja. Und wenn Ihnen irgendwie etwas Verborgenes zugänglich gemacht wird, könnte das ebenfalls transformierend sein.
GN: Könnte sein. Das stimmt. Und ich meine nicht, dass ich nichts von anderen gelernt habe. Es ist nur so, dass man beim Lehren den Wunsch hat, seine Entdeckungen zu teilen, aber man erkennt, dass es die eigenen Entdeckungen waren. Und jeder braucht seine eigenen Entdeckungen. Nicht die eigenen. Wie kann meine Erfahrung dann helfen? Das ist eine offene Frage. Vielleicht versuche ich zu verstehen, unter welchen Bedingungen ich etwas erfahren konnte.
RW: Ja. Sie möchten Ihre Erfahrung teilen, aber ist sie nützlich? Ist sie überhaupt möglich? Und hier ist jemand, der eine ähnliche Erfahrung wie Sie gemacht hat, sich aber nie darauf konzentrieren, sie nie annehmen oder in den Mittelpunkt seiner Aufmerksamkeit rücken konnte. Sie ist da, aber sie liegt im Verborgenen. Doch dank Ihres Versuchs, Ihrer Erfahrung Gestalt zu verleihen, tritt die im Verborgenen verborgene Erfahrung dieser Person plötzlich in das Licht, das Sie ihr schenken. Jetzt kann sie einen Stellenwert erlangen, den sie vorher nie hatte.
Das kann ich mir vorstellen. Tatsächlich habe ich diese Erfahrung gemacht. Ich entdeckte die Poesie auf diese Weise durch Wallace Stevens‘ Gedicht „Sunday Morning“. Es war eine tiefgreifende Erfahrung. Seine Worte erinnerten mich an Erlebnisse, auf die ich mich nie richtig konzentrieren konnte. Das Gedicht wurde zu einer Schnittstelle, an der durch die Lektüre der Worte, die Stevens mühsam geschrieben hatte, etwas aus meiner eigenen Erfahrung zum Leben erweckt wurde.
GN: Das ist wirklich interessant, denn ich denke, es führt zurück zu der Frage nach verschiedenen Musikrichtungen oder, wenn man so will, verschiedenen Ebenen. Ein bestimmter Popsong ist beliebt, weil sich die Menschen mit dem, was er ausdrückt, verbunden fühlen. Aber es ist nicht unbedingt der edelste Teil des Menschen, den er anspricht. Vielleicht liegt der Grund dafür darin, dass er die Zuhörer in Selbstmitleid schwelgen lässt. Verstehen Sie, was ich meine?
RW: Einige Arten von Country-Musik zum Beispiel.
GN: Wohingegen der gregorianische Gesang etwas Tieferes anspricht. Man muss die Worte nicht unbedingt verstehen. Die Form spricht direkt. Oder Bachs Musik, die so konstruiert ist, dass sie ein Gefühl von Ordnung vermittelt, und man kann dieses Gefühl von Ordnung direkt erfahren.
Wir waren einmal in Paris, und es war richtig heiß. Also schlüpften wir in diese kleine Steinkirche, weil wir dachten, drinnen wäre es kühl. Kaum waren wir drin, begann der Organist – der wohl gerade übte – eine Fuge von Bach zu spielen, die Fuge in g-Moll. Wir saßen einfach da und hörten uns die Fuge an. Sie beginnt mit einer sehr starken Melodie, die sich dann in verschiedene Stimmen entwickelt, und man verliert sich irgendwie in, man weiß nicht was – einem Universum aus rotierenden Planeten und Sternen. Dann kommt das Thema zurück, BUM! – der Bass, wissen Sie, mit BUM, BUM, BUM, BUM, BUM. Es ist, als hätte Gott gesprochen. Ich meine, in dieser Musik steckt diese unglaubliche Vision von Ordnung im Universum. Und das ist Bachs Vision. Das ist seine Wahrnehmung.
Es tut mir leid, das ist nicht dasselbe wie: „Meine Freundin hat mich verlassen. Ich gehe jetzt in die Bar.“ [lacht] Ich meine, es gibt verschiedene Ebenen allgemeiner menschlicher Erfahrung.
RW: Ich erinnere mich, wie ich eines Nachmittags allein saß und dieses Bach-Stück hörte. Dabei hatte ich das Gefühl, einer Art ruhiger, ewiger Bewegung beizuwohnen. Es ist eine meiner schönsten Musikerinnerungen.
Hier ist etwas, das ich an Ihnen ausprobieren wollte: ein kurzer Auszug über Musik von der Malerin Agnes Martin. Sie war ungewöhnlich. Sie gelangte zu einer spirituellen Erkenntnis, die ich ziemlich erstaunlich finde. Das stammt aus einem kurzen Interview aus ihrer späteren Lebensphase. Sie sagte dem Interviewer, Musik sei die Kunstform, die die Gefühle am unmittelbarsten berühre. Und sie hielt inne, als würde sie etwas berechnen. Dann sagte sie: „Musik vermittelt etwa zwölfmal so viel Gefühl wie Malerei.“ [lacht]
GN: [lacht] Nun, ich könnte jetzt klugscheißen und sagen: Unsere Tonleiter hat zwölf Töne, also meinte sie vielleicht, ein reines Gemälde stelle einen einzigen Ton dar. Aber Musik repräsentiert keine einzelne Reinheit. Sie repräsentiert Beziehung. Sie repräsentiert Bewegung. Auch in der Malerei gibt es Bewegung. Wenn das Gemälde fertig ist, ist die Bewegung vorbei.
RW: Ihr Auge muss umherwandern.
GN: Ja, all das. Aber es ist nicht die gleiche Art von Bewegung, bei der man getragen wird. Ich empfinde Musik eher als Skulptur. Bei Skulptur muss man sich um sie herum bewegen. Ich weiß eigentlich nichts über Skulptur, außer dass ich das Gefühl habe, dass die Form direkt kommuniziert.
RW: Und Musik kommuniziert direkt.
GN: Musik kommuniziert in diesem Sinne direkt, denke ich. Wenn Sie sagen, sie modelliere innere Reisen, dann gibt es verschiedene Arten innerer Reisen. Es gibt Reisen zu Wahrheit und Schönheit, und nicht alle Musiker sind daran interessiert.
Es gibt immer Leute, die sich mehr für die Mechanik interessieren – in jedem Bereich, denke ich. Aber die Ausbildung von Musikern war früher mehr oder weniger Privatsache. Man arbeitete mit einem Lehrer zusammen, und dieser Lehrer arbeitete mit einem zusammen, um sein Wissen weiterzugeben – fast wie eine Lehre. Dann begann man, Musik in Klassen zu unterrichten, und so wurden die Dinge stärker in Regeln ausgedrückt, etwas, das man einer Gruppe unterschiedlicher Menschen beibringen konnte. Heute gibt es Konservatorien und Musikschulen, und der Wettbewerb ist groß.
Viele Menschen sind stolz auf ihre Einstellung, dass die Welt da draußen hart ist und man hart sein muss, um zu bestehen. Das System benachteiligt daher die sensibleren Menschen, die eine individuellere Herangehensweise benötigen, was schon zu Mozarts und Bachs Zeiten üblich war. Daher gibt es zunehmend wettbewerbsorientierte Menschen, die das System auszutricksen wissen. Sie sind diejenigen, die erfolgreich sein können, aber viele von ihnen brennen aus. Eine Freundin von uns sagte, sie sei die Einzige aus ihrem Jahrgang an der Juilliard School, die ihren Lebensunterhalt als Musikerin verdiente. Wie kommt es, dass sie alle mit der Musik aufgehört haben?
RW: Nun, Sie wissen, dass es in der Kunstwelt dasselbe ist.
GN: Wirklich?
RW: Oh ja. Man macht jedes Jahr so viele Master-Abschlüsse, und fünf Jahre später sind nicht mehr viele von ihnen künstlerisch tätig.
GN: Aber liegt es daran, dass sie ausbrennen?
RW: Ich denke, es ist kompliziert. Aber es gibt in der Kultur kaum Platz für all diese Menschen, die Künstler werden wollen.
GN: Ein Ort. Ich denke, was ich meine, ist, dass Sie eine Tätigkeit ausüben, die Sensibilität und Kooperation erfordert, und der Grundstein für diesen Beruf liegt in der Belohnung von Wettbewerbsfähigkeit und einem dicken Fell.
RW: Ja. Ich glaube, so etwas gibt es auch in der Kunstwelt. Ein wichtiger Grund dafür ist, dass es in der Kunstwelt auch um Geld geht. Wer berühmt wird, hat immer etwas Geld in der Hand. Es ist eine Henne-Ei-Sache. Künstler mit echter Magie hingegen sind oft nur einer kleinen Gruppe bekannt. Und diese Gruppen sind voneinander isoliert. Ich weiß nicht, ob das in der Musik so ist.
GN: Musik hat den Vorteil, dass die meisten musikalischen Aktivitäten Gruppen von Musikern erfordern. Daher denke ich, dass sie davon weniger betroffen ist, da jemand heute mit dieser Gruppe spielt und morgen mit einer anderen. Das ist eine schöne Sache. Ich glaube, das war schon immer so. Musikalische Einflüsse reisen mit Musikern, und daher denke ich, dass Musik in dieser Hinsicht wahrscheinlich besser dran ist.
Aber dieser andere Aspekt der Musik ist etwas, das man tut. Auch Kunst ist etwas, das man tut, und ich glaube, dass die Kunstwelt noch stärker vom Kunstschaffen als normaler menschlicher Aktivität getrennt ist als die Musikwelt.
RW: Da stimme ich zu. Ich wollte Sie noch etwas fragen: die Pentatonik. Das ist doch eine uralte Tonleiter, oder?
GN: Das ist eine sehr alte Tonleiter.
RW: Haben Sie den Herzog-Film über Chauvet gesehen? [Ja] Erinnern Sie sich an die kleine Knochenflöte?
GN: Ja. Ich hatte immer ein Foto dieser Flöte auf meinem iPhone dabei, um es den Leuten zu zeigen.
RW: Es heißt, es sei 30.000 Jahre alt, wissen Sie.
GN: Jetzt heißt es tatsächlich 40.000. Das ist die aus dem Flügelknochen eines Gänsegeiers gefertigte Flöte. Man hat ein bereits hohles Objekt, aber man muss die Physik verstehen, um Löcher hineinzuschneiden und die Größe zu erhalten, die nicht gerade klein ist. An derselben Fundstelle wurden auch Elfenbeinflöten gefunden – zwei aus Elfenbein geschnitzte Stücke, die zu einer Flöte zusammengefügt wurden. Vermutlich wurde viel experimentiert, aber die Technologie ist bereits hochentwickelt.
Die pentatonische Tonleiter gibt es überall auf der Welt, auch an Orten, die überhaupt nicht miteinander verbunden sein können. Wie konnte das also passieren? Es ist viel einfacher, in der pentatonischen Tonleiter zu singen. Sie hat keine Halbtöne, die schwierig – und schwer zu stimmen – sind. Viele Kinder- und Volkslieder sind in pentatonischen Tonleitern. Wir unterrichten zuerst die pentatonischen Tonleitern und dann die diatonische Tonleiter.
Es gibt einen zeitgenössischen estnischen Komponisten, der sich für Astronomie interessiert. Er analysierte die Bewegungen der Planeten und leitete daraus eine Tonleiter ab. Die Tonleiter, die er entwickelte, ist eine alte japanische Tonleiter, die er damals noch nicht kannte.
Was die Alten „Musik“ nannten, ähnelte eigentlich eher dem, was wir Physik nennen würden. Die sieben freien Künste, die die klassische Bildung bildeten, bestanden aus dem Trivium – Rhetorik, Logik und Grammatik – und dem Quadrivium – Mathematik, Geometrie, Astronomie und Musik. Und Musik bedeutete die Wissenschaft der Schwingungen. Die Physik der Musik, die Akustik der Musik und die Wissenschaft der Schwingungen galten als das Wahre. Das war die wahre Musik. Der menschliche Ausdruck dessen, den wir Musik nennen, war eher ein sekundäres Phänomen.
RW: Aufgrund Ihrer Ausführungen wird es etwas verständlicher, warum die Menschen in der Antike unterschiedliche Arten von Musik verstanden und diese für unterschiedliche Zwecke einsetzen wollten.
GN: Natürlich wissen wir nichts darüber, wie ihre Musik war.
RW: Wie schade.
GN: Wie schade. Ich wäre gern Mäuschen an Pythagoras' Wand. Und natürlich war es für Pythagoras die Entdeckung der mathematischen und physikalischen Prinzipien der Physik in der Musik. Und dann waren da noch die esoterischen Studien im alten Ägypten und die Heilkunde. Es war alles eins.
RW: Ich kann mir nicht helfen, mir vorzustellen, dass die Menschen zur Zeit des Pythagoras eher auf ihre eigenen Erfahrungen eingestellt waren.
GN: Nun, diese moderne Vorstellung vom Selbst – gewissermaßen als Monade, als in sich geschlossene, separate Einheit –, ich habe das Gefühl, dass die Beziehungen zwischen Menschen damals anders waren. Ich hörte von einem Mann, der mit einer Frau aus einem Stamm der Nordwestküste sprach. Er bat sie, ihm etwas über sich zu erzählen. Sie sagte: „Meine Mutter war die und die aus dem und dem Clan, und mein Vater war der und der.“ Dann hielt sie inne [Gelächter].
Und der Typ meinte: „Okay, nett, aber erzähl mir etwas über dich.“ Aber sie dachte, das hätte sie schon getan. Das war sie – kein eigenständiges Wesen. Das haben wir definitiv verloren. Und Musik, die gemeinschaftlichste aller menschlichen Aktivitäten oder Künste, wird zu diesen Werbetafeln mit der Person mit dem iPod, die zu Musik tanzt, die sonst niemand hören kann.
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“There are regions in the soul where only music can penetrate.” thank you for such a thoughtful interview. Loved the insights about how the active listening, playing and singing music can make such an impact. Here's to the hopeful continuation of music in schools, it is needed more than ever to connect us one to another!