Dar sensibilitatea care se dezvoltă atunci când percepi că ceva este puțin diferit în fiecare zi nu este străină de adevărata atitudine științifică. Fratele meu s-a hotărât într-o zi – a putut vedea apusul de pe aleea lui pe o clădire în care lucra – și a hotărât ca timp de un an să întocmească poziția soarelui când acesta va apune la orizont. Așa că a făcut asta timp de un an. Acesta este impulsul științific. Este să devii sensibil la aceste diferențe.
Deci ideea că ceva ar trebui să fie la fel de fiecare dată chiar este împotriva ideii de investigație. În ceea ce privește muzica, cânți același lucru, dar o faci puțin diferit de fiecare dată și, în acest fel, descoperi ceva despre muzică.
Am fost o dată la un atelier cu Alice Parker. Ea a făcut toate cercetările și aranjamentele pentru Robert Shaw. El era marele dirijor, dar ea era cea care făcea cercetările și compunerea. Ea a predat un cântec unui grup de oameni fără să spună un cuvânt. Felul ei de a face asta era să cânte o frază și să pună toată lumea să i-o cânte înapoi. Apoi ea o cânta puțin diferit – și apoi puțin diferit de asta. Și în momentul în care oamenii au prins și au putut de fapt să cânte ceea ce făcea ea, ea știa că o ascultau cu adevărat. Apoi a cântat fraza așa cum a vrut ea să fie.
Așa că a făcut ca oamenii să asculte făcând aceste mici variații și punându-i să i-o cânte înapoi. Aceasta este o astfel de lecție despre predare. A fost inspirațional să-i privesc lucrul în acest fel.
RW: Asta e minunat.
GN: Trebuie să găsești curajul să repeți ceva. După un timp, studenții încep să audă ceva ce nu auzeau înainte. Apoi putem trece la ceva împreună, la ce a pus compozitorul în muzică sau, dacă este un cântec popular, ce au transmis oral o serie de interpreți, ce au considerat ei important și ce a fost transmis de-a lungul generațiilor. Pentru că, dacă nu vorbește cu sentimentul oamenilor, nu avea să fie transmis mai departe. Cu siguranță, există o mare putere în muzica populară tradițională, tocmai din acest motiv. Are ceva despre experiența noastră comună.
RW: Ceea ce mă face să cred că, după cum stau lucrurile astăzi, muzica populară probabil nu are o rugăciune. Adică astăzi se pare că oamenii se hrănesc cu muzică tot timpul, aproape ca o formă de automedicație. Pare simptomatic că ceva este nepotrivit, acest tip de consum constant de muzică.
GN: Ca și mâncarea nedorită. E ca și cum ai mânca dulciuri. Ceva nu este hrănit cu el sau nu ar trebui să-l mănânci tot timpul. Și pentru a rămâne cu analogia alimentară, dacă oamenii au mâncat doar mâncare nedorită, de fapt nu știu ce le lipsește. A fost recent în ziar o poveste despre un băiat de cinci ani care a plâns când a mâncat o piersică pentru că nu gustase niciodată un fruct adevărat. Și acum cincizeci de ani, nutriționiștii spuneau că nu există alimente bune și alimente proaste. Așa că poate există speranță că ideea că nu există muzică bună și muzică proastă va dispărea. Kodály a spus că dacă copiii ar fi expuși devreme la muzica bună, i-ar inocula împotriva muzicii proaste.
RW: Nepoții mei merg la școala St. Paul și au un program muzical grozav acolo. Sunt sigur că toți profesorii sunt foarte buni, dar câțiva dintre ei chiar ies în evidență. Muzicii i se acordă cu adevărat importanță, iar acești copii doar răspund complet la asta. Este greu de exprimat în cuvinte, dar doar urmărind spectacolele lor am un sentiment intuitiv despre cât de substanțială și importantă ar putea fi muzica în dezvoltarea unui copil. Mi-aș dori să pot face vizibil ceea ce am putut vedea acolo. Ar arăta de ce avem nevoie de muzică în școli.
GN: Mi-aș dori ca mai mulți oameni să poată vedea asta. Vorbește de la sine, așa cum ai spus.
RW: Da. Dar trebuie să fie acolo. Aceasta nu este doar o grămadă de copii care se agită, iar unii dintre ei se concentrează, iar alții sunt distrași. Asta a trecut cu mult peste asta.
GN: Când ai văzut ceva care prind viață la copiii mici așa, este de neuitat. Și chiar și cu copiii mai mari. La un moment dat am avut un festival coral de liceu și a existat un singur cor care a venit din Hayward. Acesta este un district școlar care are poate 120 de limbi vorbite acasă. Este un centru multicultural! Și acesta a fost corul lor de cameră cu aproximativ 36 de copii de orice origine etnică posibilă. Acest om, care era directorul muzical acolo, a scos ceva din acești copii. Tot ce pot spune pentru a o descrie este că cântau cu o totală unitate de intenție. Era inconfundabil. A fost extraordinar.
Dă speranță când vezi astfel de lucruri și sunt atât de multe despre care să nu ai speranță acum. În mijlocul tehnologiei și al depresiei și al drogurilor și al tuturor lucrurilor greșite, mai există ceva despre muzică care are această putere de a elibera sufletul, într-un fel.
Și celălalt lucru care cred că este cu adevărat important este modul în care un sentiment de încredere în propria experiență este cu adevărat central pentru viața noastră ca societate. Nu doar că cei care se bazează pe verificarea adevărului de la alții sunt supuși demagogiei, ci că nu poți avea o cultură participativă dacă este compusă din oameni care nu au nicio încredere în propria experiență.
RW: Așa este.
GN: Bernice Johnson Reagon este un savant la Smithsonian și unul dintre fondatorii Sweet Honey in the Rock. Ea vorbea despre cum au fost acești oameni din mișcarea pentru drepturile civile, care erau oameni obișnuiți, servitoare, funcționari, cum au putut să se ridice și să devină lideri? Ea a atribuit-o două lucruri: unul era biserica neagră, simțul comunității de acolo; iar celălalt a crescut jucând aceste jocuri tradiționale cântând pentru copii, unde fiecare are rândul lui. Când e rândul tău să fii la mijloc, toată lumea te susține. Apoi te întorci și devii parte a cercului și o susții pe următoarea persoană. Creșterea cu asta le-a permis oamenilor să facă un pas înainte pentru a fi un lider pentru un moment și pentru ca acest tip de conducere să apară.
Există un aspect al acelei culturi muzicale care este o repetiție pentru democrație, o repetiție pentru viața civică, pentru a da și a lua și pentru relația individului cu comunitate ca una de sprijin reciproc. Se învață tot felul de lucruri, într-un fel, în joc.
RW: Îmi aduc aminte de câteva lucruri. Cu mulți nativi americani, înțeleg, o parte crucială a dezvoltării lor este găsirea propriului cântec. Poate s-ar întâmpla într-o transpirație sau într-o căutare de viziune.
Am luat cina cu niște prieteni și CK Ladzekpo era acolo, maestrul de tobe din Africa de Vest. Trebuie să-l întreb puțin despre tobe. Și amploarea și profunzimea a ceea ce se întâmplă în tobe este uimitoare. Am văzut cât de cu adevărat ignorant sunt în privința asta. Și doar după ce am văzut puțin prin această fereastră, mi-am dat seama cât de ignoranți suntem noi, ca cultură, despre muzica în alte culturi. Aveți vreo perspectivă asupra muzicii din alte culturi?
GN: Chiar nu știm ce ne lipsește. Am petrecut câteva zile într-o rezervație indiană din Montana în timpul ceremoniei de dans al soarelui și nu trebuie să petreci mult timp cu oameni tradiționali pentru a-ți da seama ce stăpân ești, știi? Este atât de clar că acești oameni, chiar dacă sunt săraci, au ceva. Și au ceva în relațiile lor.
Am fost cu acest prieten al meu. Tatăl ei fusese adoptat în acest trib. Aveam cortul și am tăbărât acolo în cerc și, de îndată ce ne-am așezat cortul, toți adolescenții au început să treacă și să stea în cortul nostru. Așa că am făcut ceea ce aparent era corect. Le-am hrănit. Așa că am intrat. [râde] Unul dintre băieți ne-a spus despre căutarea sa de viziune și ne-a cântat cântecul care i s-a dat.
RW: Sună foarte emoționant.
GN: A fost foarte emoționant. Un băiat de șaisprezece ani și a avut ceva ce noi nu avem.
Dar povestea ta cu tobe mi-a amintit de prima dată când l-am auzit pe Hamza Al Din. A jucat la Universitatea de Stat din San Francisco. Avea această tobă cu cadru mare și ne-a spus că au fost patru sunete diferite pe care le va scoate toba. Unul era pământul. Unul era aerul. Unul era foc. Și unul era apă. Apoi le-a demonstrat pe fiecare. Apoi a început să joace.
Ei bine, în primul rând a fost de genul: „Oh, există toată această cosmologie a relației dintre pământ, aer, foc și apă în sunetele tobei!” Apoi toba a început să creeze reverberații în cameră, astfel încât să auziți mult mai multe sunete decât cânta el. Și mi-am dat seama că acesta era un maestru muzician. Și nici măcar acesta nu este instrumentul lui principal.
RW: Îmi amintesc de el la un concert. Cânta la toba cadru și s-a întors încet într-un cerc în timp ce o cânta. Îmi amintesc de prezența lui. Într-un fel, mi se pare că trebuie să fiu pregătit să primesc ceea ce aduce cineva ca Hamza Al Din. Nu pot să intru pur și simplu în cameră și să o primesc. Cred că avem nevoie de ceva inițiere pentru a începe să putem primi asta. Nu știm ce ne lipsește, așa cum ai spus.
GN: Și nu știm ce primim. Poate este doar o fracțiune. Bruno Nettl, care este un cunoscut etnomuzicolog, a scris un articol numit „Nu vei înțelege niciodată această muzică”. A studiat muzica clasică persană nu știu câți ani și, la un moment dat, profesorul lui i-a spus: „Nu vei înțelege niciodată această muzică”. Deci există această notă de avertizare.
Da, acum avem acces la diferite tipuri de muzică din toată lumea prin înregistrări și muzicieni care călătoresc. Dar îl putem primi cu adevărat? Sau este ca un alt tip de colonialism?
RW: Da. Iar modalitatea de consum pe care o avem este un fel de grosolan. Deci, poate că există anumite lucruri care sunt protejate împotriva consumului, deoarece ne sunt ascunse.
GN: Sau există un anumit tip de activitate care este necesară. Și suntem antrenați în pasivitate. Asta e sigur, ca consumatori. Există unele lucruri pe care le poți primi doar dacă ești implicat activ.
RW: Un participant. Da. Ce părere ai despre chestia asta în care ai mereu aceste mici interludii muzicale? De exemplu, într-un program de știri, chiar și pe NPR. Aveți aceste știri: șaizeci și șapte de oameni au fost uciși de un atentator sinucigaș... Apoi aveți un mic interludiu muzical. Ce crezi despre asta?
GN: Am o teorie despre asta. Totul este conceput pentru a vă face confortabil. Știi că vocea acestei persoane va fi exact aceeași în fiecare zi. După ce va spune „Toate știrile, tot timpul” va fi acest mic riff muzical și asta vă spune că următorul lucru va fi știrea zilei. Și acum avem un alt mic riff și asta înseamnă...
RW: Trafic. Vreme.
GN: Așadar, este ca și cum în starea ta haotică de a nu avea o viață interioară și de a fi atras de circumstanțe externe, poți să-ți pornești radioul în drum spre serviciu și să ai un sentiment de „Știu ce va urma”.
Aș putea începe să mă plâng, dar nu cred că este util. Ai avut vreodată experiența de a fi undeva și este foarte liniște și deodată auzi un flaut cântând în depărtare? Ceva în tine se mișcă către acest lucru minunat și se simte ca o funcție atât de naturală a urechii. Este ca atunci când ești în pădure și ești atent la fiecare sunet. Vă mutați în mediul vostru în acest mod foarte organic, care este foarte diferit de focalizarea ochilor.
Această funcție a urechii trebuie să dezvolte creierul într-un anumit fel. Și trebuie să dezvolte creierul într-un mod diferit pentru ca urechea să fie nevoită să filtreze în mod constant zgomotul și să se concentreze pe singurul lucru pe care vrei să-l asculți – nu că nu trebuie să faci asta. Aceasta este o altă funcție a urechii pentru a putea detecta un sunet din fundal. Dar pentru a trebui să închidem lucrurile tot timpul, nu îmi pot imagina că asta nu afectează capacitatea noastră de a fi doar în mediul în care ne aflăm, fie el natural sau social.
RW: Înainte de a veni azi dimineață, mi-am plimbat câinele. Și este o zi atât de frumoasă astăzi, ca primăvara. Revenind la casa mea, era un cintez în vârful unui copac.
GN: Da, păsările chiar cântau în dimineața asta.
RW: Doamne! Ascultam acea pasăre și era pur și simplu frumoasă. Cred că ai scris ceva care descrie un moment în care ai realizat că păsările se ascultă între ele.
GN: Îmi amintesc exact unde eram. Era pe insula Hartstene din Puget Sound. De obicei, aud această pasăre cântând și aud acea pasăre cântând. Dar deodată i-am auzit strigând înainte și înapoi. Nu era înainte și înapoi unul față de celălalt, pentru că nu erau același fel de păsări. Acesta era mai degrabă, această pasăre scoate un sunet și apoi cealaltă pasăre scoate un sunet. Nu era ca și cum vorbeau între ei. Ocupau același spațiu sonor și spuneau aici, și aici sunt și iată-mă. Parcă toți spuneau aici sunt.
Poate că e prea antropomorf. Dar se ascultau unul pe celălalt, dacă nu răspundeau direct. Și ascultam tot acest lucru, autosuficient. Era o lume.
RW: Ceea ce descrii este un moment greu de descris, dar o experiență reală. Aceste lucruri sunt greu de transmis.
GN: Sunt foarte greu de transmis. Unul încearcă. Uneori te întrebi că lucrurile care au făcut diferența pentru mine sunt propriile mele experiențe, nu ale altcuiva. Deci poate că nu trebuie să le transmit, într-un fel. Poate că nu ajută. E ca și cum ai preda. Odată ce realizezi că nu ai învățat niciodată nimic spunându-ți cineva, nu te mai simți atât de obligat să le spui lucruri studenților.
RW: Ei bine, există o altă viziune posibilă. L-am cunoscut pe acest om foarte interesant, Ron Nakasone. A folosit o expresie „cartografie și arte”. Este un preot budist și un fel de maestru cu caligrafie cu pensula mare. Ceea ce a vrut să spună este că artistul uneori este capabil să dea formă unei experiențe. Fără să i se dea formă, ar rămâne ascunsă altora. Deci, în mod ideal, acesta este un lucru important pe care artistul l-ar putea face - un fel de experiențe pe hărți în formă, astfel încât acestea să devină disponibile pentru alții.
GN: Dar de aceea arta nu este doar grăitoare. Bănuiesc că asta spun. Arta înseamnă a-ți transforma experiența, nu doar a o descrie.
RW: Da. Și dacă ți se pune cumva la dispoziție ceva ascuns, și asta ar putea fi transformator.
GN: S-ar putea. Este adevărat. Și nu vreau să spun că nu am învățat de la alți oameni. Doar că atunci când predai, există această dorință de a împărtăși descoperirile tale, dar realizezi că acestea au fost propriile tale descoperiri. Și fiecare are nevoie de propriile descoperiri. Nu a ta. Deci, cum poate ajuta experiența mea? Este o întrebare deschisă. Unele ar putea fi să încerc să înțeleg în ce condiții mi-a fost posibil să primesc ceva.
RW: Da. Vrei să împărtășești experiența ta, dar este utilă? Este posibil? Și iată altcineva care a avut o experiență asemănătoare cu a ta, dar nu s-a putut concentra niciodată asupra ei, nu a putut să o îmbrățișeze sau să o aducă în centrul atenției. E acolo, dar e în umbră. Dar acum, datorită încercării tale de a da formă experienței tale, dintr-o dată experiența acelei persoane ascunsă în umbră vine în lumina pe care o oferiți. Acum poate căpăta o poziție pe care nu a mai avut-o până acum.
Îmi pot imagina asta. De fapt, aceasta este o experiență pe care am trăit-o. Am descoperit poezia în acest fel printr-un poem de Wallace Stevens, „Sunday Morning”. A fost o experiență profund transformatoare. Cuvintele lui m-au chemat înapoi la experiențe pe care nu am putut să mă concentrez într-adevăr cumva. Poezia a devenit o intersecție în care ceva din propria mea experiență a luat viață prin citirea cuvintelor pe care Stevens se chinuise să le scrie.
GN: Acest lucru este foarte interesant pentru că cred că se întoarce la această întrebare despre diferite tipuri de muzică sau diferite niveluri, dacă vrei. Un anumit tip de cântec popular este popular deoarece oamenii se simt conectați la ceva despre ceea ce exprimă. Dar nu este neapărat partea cea mai nobilă a ființei umane la care se conectează. Poate motivul pentru care se conectează este că îi permite ascultătorilor să se plimbe în autocompătimire. Vezi ce spun?
RW: Unele tipuri de muzică country, de exemplu.
GN: În timp ce ceva de genul cântecului gregorian rezonează cu ceva mai profund. Nici măcar nu trebuie să înțelegi cuvintele, neapărat. Formularul vorbește direct. Sau muzica lui Bach, care este construită astfel încât să dea acest sentiment al ordinii și se poate experimenta simțul ordinii în mod direct.
Am fost o dată la Paris și era foarte cald. Așa că ne-am afundat în această mică biserică de piatră, gândindu-ne că ne vom simți cool înăuntru. Tocmai când am pășit, organistul – care era acolo exersând, cred – a început să cânte o fugă Bach, fuga în sol minor. Așa că doar stăm acolo, ascultând această fugă. Începe cu această melodie foarte puternică și apoi se dezvoltă în voci diferite și ești oarecum pierdut în, nu știi ce - un univers de planete și stele care se rotesc. Apoi revine tema, BOOM!—basul, știi, cu boom, BAAAM, boom bom bom. Parcă a vorbit Dumnezeu. Adică în acea muzică există această viziune incredibilă a ordinii în univers. Și aceasta este viziunea lui Bach. Asta e percepția lui.
Îmi pare rău, nu este același lucru cu „Fata mea m-a părăsit. Mă duc să stau în bar.” [râde] Vreau să spun că există diferite niveluri de experiență umană comună.
RW: Îmi amintesc că într-o după-amiază am stat singur ascultând această piesă de Bach și am avut senzația că eram prezent la un fel de mișcare calmă și eternă. Este una dintre cele mai bune amintiri muzicale ale mele.
Acum iată ceva ce am vrut să încerc pe tine, un mic fragment despre muzică de la pictorița Agnes Martin. Era neobișnuită. Ea a ajuns la un fel de perspectivă spirituală pe care o găsesc destul de uluitoare. Acesta este dintr-un mic interviu târziu în viața ei. Ea a spus intervievatorului că muzica este forma de artă care a atins cel mai direct sentimentele. Și ea făcu o pauză de parcă ar fi calculat ceva. Apoi a spus: „Muzica dă de douăsprezece ori mai mult sentiment decât pictura”. [râde]
GN: [râde] Ei bine, presupun că aș putea fi un inteligent și să spun că, scara noastră muzicală are douăsprezece tonuri, așa că poate spunea că o pictură pură reprezintă un singur ton. Dar muzica nu reprezintă o singură puritate. Reprezintă relația. Reprezintă mișcarea. Există mișcare și în pictură. Când pictura este terminată, mișcarea s-a încheiat.
RW: Ochiul tău trebuie să călătorească în jur.
GN: Da, toate astea. Dar nu este același tip de mișcare în care ești purtat. Cred că muzica este mai mult ca sculptură, de fapt. Cu sculptura trebuie să te miști în jurul ei. Nu știu nimic despre sculptură, într-adevăr, cu excepția faptului că am acest sentiment de comunicare directă a formei.
RW: Și muzica comunică direct.
GN: Muzica comunică direct în același sens, cred. Când spui că modelează călătoriile interioare, există diferite tipuri de călătorii interioare. Există călătorii către adevăr și frumos și nu toți muzicienii sunt interesați de asta.
Întotdeauna există oameni care sunt mai interesați de mecanica lucrurilor — în orice domeniu, cred. Dar pregătirea muzicienilor era mai mult sau mai puțin o chestiune privată. Ai lucrat cu un profesor și acel profesor a lucrat cu tine pentru a-i transmite ceea ce știau ei, aproape ca o ucenicie. Apoi muzica a început să fie predată la cursuri și, prin urmare, lucrurile au început să fie exprimate mai mult în termeni de reguli, ceva ce puteai să înveți unui grup de oameni disparați. Acum aveți conservatoare și școli de muzică și este foarte competitiv.
Mulți oameni se mândresc cu abordarea că este o lume grea acolo și trebuie să fii dur pentru a o reuși. Deci sistemul este părtinitor împotriva oamenilor care sunt mai sensibili și au nevoie de o abordare mai individuală, ceea ce a fost adaptat în vremea lui Mozart sau Bach. Deci din ce în ce mai ai oameni competitivi care știu să joace sistemul. Ei sunt cei care pot reuși, dar mulți dintre ei se epuizează. O prietenă de-a noastră a spus că era singura persoană din clasa ei de la Juilliard care își câștiga existența ca muzician. Cum de au renunțat toți la muzică?
RW: Ei bine, știi că este la fel și în lumea artei.
GN: Serios?
RW: Da. Primiți toate aceste MAE pe un an, iar cinci ani mai târziu nu mulți mai fac artă.
GN: Dar pentru că se epuizează?
RW: Cred că este complicat. Dar nu prea există un loc în cultură pentru a primi pe toți acești oameni care doresc să fie artiști.
GN: Un loc. Bănuiesc că despre ce vorbesc este că ai o activitate care necesită sensibilitate și cooperare, iar pâlnia pentru profesie este recompensarea competitivității și a pielii groasă.
RW: Da. Cred că există așa ceva și în lumea artei. Un motiv important este că lumea artei este și un joc de bani. Banii sunt întotdeauna aproape de oamenii care devin bine cunoscuți. Este o chestie de pui și ouă. Dar artiștii care pot avea magie reală pot fi cunoscuți doar de un grup mic. Și aceste grupuri sunt izolate unele de altele. Nu știu dacă asta se întâmplă în muzică.
GN: Muzica are avantajul că majoritatea activităților muzicale necesită grupuri de muzicieni. Așa că cred că este probabil un pic mai puțin supus la asta, deoarece astăzi această persoană se joacă cu acest grup și mâine se joacă cu un alt grup. Ceea ce este un lucru frumos. Cred că așa a fost întotdeauna. Influențele muzicale călătoresc cu muzicieni, așa că cred că muzica este probabil mai bună în acest sens.
Dar acest alt aspect al muzicii este ceva ce faci. Arta este, de asemenea, ceva ce faci și cred că, probabil, lumea artei este și mai divorțată de creația artistică ca activitate umană normală decât este lumea muzicii.
RW: Sunt de acord. Iată un alt lucru despre care voiam să vă întreb — scara pentatonică. Este o scară străveche, nu-i așa?
GN: Aceasta este o scară foarte veche.
RW: Ai văzut filmul lui Herzog despre Chauvet? [da] Îți amintești acel mic flaut de os?
GN: Da. Obișnuiam să purtam o poză cu acel flaut pe iPhone pentru a o arăta oamenilor.
RW: Se spune că are 30.000 de ani, știi.
GN: Acum spun 40.000, de fapt. Acesta este cel făcut din osul aripii unui vultur grifon. Ai un lucru deja gol, dar trebuie să înțelegi fizica pentru a tăia găurile în el pentru a obține scara, ceea ce nu este puțin lucru. Și din același loc erau și flaute de fildeș — două bucăți sculptate din fildeș și îmbinate împreună pentru a face un flaut. Probabil că au fost multe experimente, dar aceasta este deja o tehnologie foarte dezvoltată.
Scara pentatonică există în toată lumea și în locuri care nu ar fi putut avea nicio legătură între ele. Deci, cum s-ar putea întâmpla asta? Este mult mai ușor să cânți la scara pentatonică. Nu are nicio jumătate de pași, care sunt dificile și greu de reglat. Atâtea, multe cântece pentru copii și cântece populare sunt pe scări pentatonice. Învățăm mai întâi scalele pentatonice și apoi scala diatonica de la asta.
Există un compozitor eston contemporan care este interesat de astronomie. El a făcut o întreagă treabă analizând mișcările planetelor și a obținut o scară din asta, iar scara cu care a venit este o scară japoneză antică, pe care nu o cunoștea la acea vreme.
Ceea ce anticii numeau „muzică” este într-adevăr mai aproape de ceea ce am numi fizică. Cele șapte arte liberale, care erau educația clasică, constau din trivium, care erau retorica, logică și gramatică - și quadrivium, care erau matematică, geometrie, astronomie și muzică. Iar muzica însemna știința vibrațiilor. Fizica muzicii, acustica muzicii și știința vibrațiilor au fost considerate a fi reale. Asta a fost muzica adevărată. Apoi, expresia umană a aceia, pe care o numim muzică, a fost ca un fenomen secundar.
RW: Pe baza a ceea ce spui, devine puțin mai de înțeles modul în care vechii ar înțelege că muzica era de diferite tipuri și trebuia folosită în scopuri diferite.
GN: Bineînțeles că nu știm nimic despre cum era muzica lor.
RW: Ce păcat.
GN: Ce păcat. Adică mi-ar plăcea să fiu o muscă pe zidul lui Pitagora. Și, desigur, pentru Pitagora a fost descoperirea principiilor matematice și fizice ale fizicii în muzică. Și a existat și studiul ezoteric în Egiptul antic și vindecarea. Totul era un singur lucru.
RW: Nu mă pot abține să-mi imaginez că oamenii din vremea lui Pitagora ar fi fost mai adaptați la propria experiență.
GN: Ei bine, această idee modernă a sinelui – ca monada, într-un fel, o unitate independentă, separată – sentimentul meu este că relația dintre oameni era diferită atunci. Am auzit despre un bărbat care vorbea cu o femeie dintr-unul dintre triburile de pe coasta de nord-vest. El a rugat-o să-i spună ceva despre ea însăși. Ea a spus: „Mama mea era așa și așa din clanul așa și așa, iar tatăl meu era așa și așa”. Apoi s-a oprit [râsete].
Iar tipul a spus: „Bine, e frumos, dar spune-mi despre tine.” Dar ea a crezut că a făcut asta. Asta era ea – nu o entitate separată. Deci cu siguranță am pierdut asta. Iar muzica, cea mai comună dintre activitățile umane sau artele, devine acele panouri publicitare cu persoana cu iPod-ul dansând pe o muzică pe care nimeni altcineva nu o poate auzi.
COMMUNITY REFLECTIONS
SHARE YOUR REFLECTION
1 PAST RESPONSES
“There are regions in the soul where only music can penetrate.” thank you for such a thoughtful interview. Loved the insights about how the active listening, playing and singing music can make such an impact. Here's to the hopeful continuation of music in schools, it is needed more than ever to connect us one to another!