Mas a sensibilidade que se desenvolve quando você percebe que algo é um pouco diferente a cada dia não é dissociada da verdadeira atitude científica. Meu irmão decidiu um dia — ele conseguia ver o pôr do sol da passarela do prédio onde trabalhava — e resolveu que, durante um ano, registraria a posição do sol no horizonte ao se pôr. E foi o que ele fez durante um ano. Esse é o impulso científico: tornar-se sensível a essas diferenças.
Portanto, a ideia de que algo deva ser sempre igual vai totalmente contra a ideia de investigação. Em termos musicais, você toca a mesma coisa, mas de uma maneira um pouco diferente a cada vez e, dessa forma, descobre algo sobre a música.
Uma vez, participei de um workshop com Alice Parker. Ela fazia toda a pesquisa e os arranjos para Robert Shaw. Ele era o grande maestro, mas era ela quem fazia a pesquisa e a composição. Ela ensinava uma música para um grupo de pessoas sem dizer uma palavra. O método dela era o seguinte: ela cantava um trecho e pedia para todos repetirem. Depois, ela cantava um pouco diferente — e depois um pouco diferente ainda. E quando as pessoas finalmente entendiam e conseguiam cantar de volta o que ela estava fazendo, ela sabia que estavam realmente prestando atenção. Então, ela cantava o trecho do jeito que queria.
Então, ela conseguiu que as pessoas a ouvissem fazendo pequenas variações e pedindo que cantassem junto com ela. Isso é uma grande lição de ensino. Foi inspirador vê-la trabalhar dessa maneira.
RW: Que maravilha.
GN: É preciso ter coragem para repetir algo. Depois de um tempo, os alunos começam a ouvir algo que não tinham percebido antes. Então podemos prosseguir juntos, explorando o que o compositor colocou na música ou, se for uma canção folclórica, o que uma série de intérpretes transmitiu oralmente, o que eles consideravam importante e o que foi passado de geração em geração. Porque, se não expressasse os sentimentos do povo, não seria transmitido. Certamente, a música folclórica tradicional tem um grande poder, justamente por isso. Ela carrega algo sobre nossa experiência comum.
RW: O que me faz pensar que, do jeito que as coisas estão hoje, a música folk provavelmente não tem a menor chance. Quer dizer, hoje em dia parece que as pessoas se alimentam de música o tempo todo, quase como uma forma de automedicação. Parece sintomático de que algo está fora de equilíbrio, esse consumo constante de música.
GN: É como comida de má qualidade. É como comer doces. Não nutre nada, senão você não precisaria comer isso o tempo todo. E, para continuar com a analogia da comida, se as pessoas só comem comida de má qualidade, elas realmente não sabem o que estão perdendo. Recentemente, saiu uma reportagem no jornal sobre um menino de cinco anos que chorou ao comer um pêssego porque nunca tinha provado uma fruta de verdade. E cinquenta anos atrás, nutricionistas diziam que não existia comida boa ou ruim. Então, talvez haja esperança de que essa ideia de que não existe música boa ou ruim também desapareça. Kodály disse que se as crianças fossem expostas à boa música desde cedo, isso as imunizaria contra a música ruim.
RW: Meus netos estudam na escola St. Paul's, que tem um programa de música excelente. Tenho certeza de que todos os professores são muito bons, mas alguns deles realmente se destacam. A música recebe muita importância, e essas crianças respondem muito bem a isso. É difícil explicar em palavras, mas só de assistir às apresentações, tenho uma intuição de como a música pode ser substancial e importante no desenvolvimento de uma criança. Gostaria de poder mostrar em detalhes o que vejo ali. Isso demonstraria por que precisamos de música nas escolas.
GN: Gostaria que mais pessoas pudessem ver isso. Fala por si só, como você disse.
RW: Sim. Mas precisa estar lá. Não se trata apenas de um grupo de crianças inquietas, algumas concentradas e outras distraídas. Isso foi muito além disso.
GN: Quando você vê algo assim ganhar vida em crianças pequenas, é inesquecível. E até mesmo com crianças mais velhas. Tivemos um festival de corais do ensino médio em certo momento, e havia um coral que veio de Hayward. Este é um distrito escolar onde talvez 120 idiomas sejam falados em casa. É o centro da multiculturalidade! E este era o coral de câmara deles, com cerca de 36 crianças de todas as origens étnicas possíveis. O homem, que era o diretor musical, conseguiu extrair algo dessas crianças. Tudo o que posso dizer para descrever é que elas cantavam com uma total unidade de intenção. Era inconfundível. Era extraordinário.
É inspirador ver algo assim, e há tantos motivos para não termos esperança hoje em dia. Em meio a toda a tecnologia, à depressão, às drogas e a todos os males, ainda existe algo na música que tem o poder de libertar a alma, de certa forma.
E outra coisa que considero muito importante é como a confiança na própria experiência é fundamental para a nossa vida em sociedade. Não se trata apenas de que aqueles que dependem da verificação da verdade por terceiros estejam sujeitos à demagogia, mas sim de que não se pode ter uma cultura participativa se ela for composta por pessoas que não confiam na própria experiência.
RW: Isso mesmo.
GN: Bernice Johnson Reagon é pesquisadora do Smithsonian e uma das fundadoras da Sweet Honey in the Rock. Ela estava falando sobre como essas pessoas do movimento pelos direitos civis, pessoas comuns, empregadas domésticas, balconistas, conseguiram se levantar e se tornar líderes. Ela atribuiu isso a dois fatores: um era a igreja negra, o senso de comunidade ali presente; e o outro era a infância brincando de jogos tradicionais de canto infantil, onde todos têm sua vez. Quando chega a sua vez de estar no centro, todos te apoiam. Depois você volta para o círculo e apoia a próxima pessoa. Crescer com isso permitiu que as pessoas se destacassem e assumissem a liderança por um momento, e que esse tipo de liderança surgisse.
Há um aspecto dessa cultura musical que é um ensaio para a democracia, um ensaio para a vida cívica, para a troca e para a relação do indivíduo com a comunidade como uma relação de apoio mútuo. De certa forma, aprende-se muita coisa brincando.
RW: Isso me lembra algumas coisas. Pelo que entendi, para muitos nativos americanos, uma parte crucial do seu desenvolvimento é encontrar a sua própria canção. Talvez isso aconteça durante uma cerimônia de purificação ou uma busca espiritual.
Jantei com alguns amigos e CK Ladzekpo estava lá, o mestre de percussão da África Ocidental. Consegui conversar um pouco com ele sobre percussão. E a amplitude e a profundidade do que acontece nesse universo são impressionantes. Percebi o quão ignorante eu era sobre isso. E só por ter visto um pouco através dessa pequena janela, tive uma noção de quão ignorantes nós, como cultura, somos sobre a música em outras culturas. Você tem alguma informação sobre música em outras culturas?
GN: Nós realmente não sabemos o que estamos perdendo. Passei alguns dias em uma reserva indígena em Montana durante a cerimônia da Dança do Sol, e você não precisa passar muito tempo com pessoas tradicionais para perceber o quão "branco" você é, sabe? É tão claro que essas pessoas, mesmo sendo pobres, têm algo. E elas têm algo em seus relacionamentos.
Eu estava com uma amiga. O pai dela tinha sido adotado por essa tribo. Tínhamos nossa barraca e acampamos em círculo. Assim que terminamos de montar a barraca, todos os adolescentes começaram a aparecer e a ficar lá dentro. Então fizemos o que aparentemente era a coisa certa a fazer: alimentamos eles. E aí, nos sentimos parte da tribo. [risos] Um dos garotos nos contou sobre sua jornada espiritual e cantou para nós a música que lhe fora dada.
RW: Isso parece muito comovente.
GN: Foi muito comovente. Um menino de dezesseis anos, e ele tinha algo que nós não temos.
Mas sua história sobre a bateria me lembrou da primeira vez que ouvi Hamza Al Din. Ele estava se apresentando na Universidade Estadual de São Francisco. Ele tinha um grande tambor de moldura e nos disse que o tambor produzia quatro sons diferentes. Um era o da terra. Um era o do ar. Um era o do fogo. E um era o da água. Então ele demonstrou cada um deles. Depois, começou a tocar.
Bem, a princípio foi como: "Nossa, existe toda uma cosmologia da relação entre terra, ar, fogo e água nos sons do tambor!" Então o tambor começou a criar reverberações na sala, de forma que se ouvia muito mais sons do que ele estava tocando. E percebi que ele era um músico magistral. E esse nem é o instrumento principal dele.
RW: Lembro-me dele num concerto. Ele estava tocando pandeiro e girava lentamente em círculos enquanto tocava. Lembro-me da sua presença. De certa forma, parece-me que tenho de estar preparado para receber o que alguém como Hamza Al Din traz. Não posso simplesmente entrar na sala e receber tudo. Acho que precisamos de uma espécie de iniciação para começarmos a ser capazes de receber isto. Não sabemos o que nos está a perder, como disseste.
GN: E não sabemos o que estamos recebendo. Talvez seja apenas uma fração. Bruno Nettl, um etnomusicólogo renomado, escreveu um artigo intitulado "Você Nunca Entenderá Esta Música". Ele estudou música clássica persa por muitos anos e, em certo momento, seu professor lhe disse: "Você nunca entenderá esta música". Portanto, fica aqui essa advertência.
Sim, agora temos acesso a diferentes tipos de música do mundo todo por meio de gravações e músicos que viajam. Mas será que realmente conseguimos recebê-la? Ou será que isso não passa de uma forma de colonialismo?
RW: Sim. E a forma como consumimos é algo meio grosseiro. Então talvez existam certas coisas que são protegidas do consumo porque estão escondidas de nós.
GN: Ou existe um certo tipo de atividade que é necessária. E estamos sendo treinados para a passividade. Isso é certo, como consumidores. Há coisas que você só consegue obter se estiver ativamente envolvido.
RW: Um participante. Sim. O que você acha dessa coisa de sempre ter esses pequenos interlúdios musicais? Por exemplo, em um programa de notícias, até mesmo na NPR. Você tem essas notícias rápidas: sessenta e sete pessoas foram mortas por um homem-bomba suicida… Aí você tem um pequeno interlúdio musical. O que você acha disso?
GN: Eu tenho uma teoria sobre isso. Tudo é pensado para te deixar confortável. Você sabe que a voz dessa pessoa será exatamente a mesma todos os dias. Depois que ele diz "Notícias o tempo todo", há um pequeno riff musical, que indica que a próxima coisa será a notícia do dia. E agora temos outro riff, o que significa…
RW: Trânsito. Clima.
GN: Então, é como se, nesse seu estado caótico de não ter vida interior e ser levado pelas circunstâncias externas, você pudesse ligar o rádio a caminho do trabalho e ter a sensação de "Eu sei o que vai acontecer em seguida".
Eu poderia começar a reclamar, mas acho que não adiantaria. Você já teve a experiência de estar em algum lugar muito silencioso e, de repente, ouvir uma flauta tocando à distância? Algo dentro de você se move em direção a essa coisa maravilhosa e parece uma função tão natural do ouvido. É como quando você está na floresta e atento a cada som. Você se conecta com o ambiente de uma forma muito orgânica, bem diferente do foco da visão.
Essa função do ouvido deve desenvolver o cérebro de uma certa maneira. E deve desenvolvê-lo de uma maneira diferente para que o ouvido tenha que filtrar constantemente o ruído e se concentrar naquilo que você quer ouvir — não que você não precise fazer isso. Essa é outra função do ouvido, ser capaz de distinguir um som do ruído de fundo. Mas ter que bloquear tudo o tempo todo, não consigo imaginar que isso não afete nossa capacidade de simplesmente estar no ambiente em que estamos, seja ele natural ou social.
RW: Antes de vir para cá esta manhã, levei meu cachorro para passear. E está um dia tão bonito hoje, parece primavera. Voltando para casa, havia um tentilhão no topo de uma árvore.
GN: Sim, os pássaros estavam cantando muito esta manhã.
RW: Meu Deus! Eu estava ouvindo aquele pássaro, e era simplesmente lindo. Acho que você escreveu algo descrevendo um momento em que percebeu que os pássaros se escutam mutuamente.
GN: Lembro-me exatamente de onde estava. Era na Ilha Hartstene, em Puget Sound. Normalmente, ouço um pássaro cantando e outro cantando. Mas, de repente, ouvi-os se chamando uns aos outros. Não era um chamado entre eles, porque não eram pássaros da mesma espécie. Era mais como se um pássaro emitisse um som e o outro emitisse o mesmo. Não era como se estivessem conversando. Eles estavam ocupando o mesmo espaço sonoro e dizendo "aqui estou eu", "aqui estou eu" e "aqui estou eu". Era como se todos estivessem dizendo "aqui estou eu".
Talvez isso seja antropomórfico demais. Mas eles estavam se ouvindo, mesmo que não respondessem diretamente. E eu estava ouvindo toda essa coisa autossuficiente. Era um mundo à parte.
RW: O que você está descrevendo é um momento difícil de descrever, mas uma experiência real. Essas coisas são difíceis de transmitir.
GN: São muito difíceis de transmitir. A gente tenta. Às vezes você fica pensando: as coisas que fizeram a diferença para mim foram as minhas próprias experiências, não as de outra pessoa. Então talvez eu não precise transmiti-las, de certa forma. Talvez não ajude. É como dar aulas. Quando você percebe que nunca aprendeu nada só porque alguém te contou, você para de se sentir compelido a contar coisas aos alunos.
RW: Bem, existe outra perspectiva possível. Conheci um homem muito interessante, Ron Nakasone. Ele usou a expressão "cartografia e as artes". Ele é um monge budista e uma espécie de mestre na caligrafia com pincel grande. O que ele quis dizer é que o artista, às vezes, é capaz de dar forma a uma experiência. Sem essa forma, ela permaneceria oculta aos outros. Então, idealmente, essa é uma coisa importante que o artista poderia fazer: mapear as experiências, dando-lhes forma, para que se tornassem acessíveis a outras pessoas.
GN: Mas é por isso que a arte não é apenas contar. Acho que é isso que estou dizendo. A arte serve para transformar a experiência de alguém, não apenas para descrevê-la.
RW: Sim. E se, de alguma forma, algo oculto for revelado a você, isso também poderá ser transformador.
GN: Pode ser. É verdade. E não quero dizer que não aprendi com outras pessoas. É só que, quando você está ensinando, existe esse desejo de compartilhar suas descobertas, mas você percebe que elas foram suas próprias descobertas. E todos precisam de suas próprias descobertas. Não apenas das suas. Então, como minha experiência pode ajudar? É uma questão em aberto. Parte da resposta pode ser tentar entender em que condições foi possível para mim receber algo.
RW: Sim. Você quer compartilhar sua experiência, mas será que é útil? Será que é possível? E aqui está outra pessoa que teve uma experiência semelhante à sua, mas nunca conseguiu se concentrar nela, nunca conseguiu abraçá-la ou trazê-la para o centro de sua atenção. Ela está lá, mas está nas sombras. Mas agora, graças à sua tentativa de dar forma à sua experiência, de repente a experiência dessa pessoa, escondida nas sombras, vem à luz que você está proporcionando. Agora ela pode assumir um status que nunca teve antes.
Posso imaginar. Aliás, essa é uma experiência que eu tive. Descobri a poesia dessa forma, através de um poema de Wallace Stevens, “Manhã de Domingo”. Foi uma experiência profundamente transformadora. Suas palavras me remeteram a experiências nas quais eu não conseguia me concentrar de alguma forma. O poema se tornou um ponto de encontro onde algo da minha própria experiência ganhou vida através da leitura das palavras que Stevens tanto se esforçou para escrever.
GN: Isso é realmente interessante porque acho que nos leva de volta àquela questão sobre os diferentes tipos de música, ou diferentes níveis, por assim dizer. Um certo tipo de música popular é popular porque as pessoas se sentem conectadas a algo naquilo que ela expressa. Mas não é necessariamente a parte mais nobre do ser humano com a qual ela se conecta. Talvez a razão pela qual ela se conecta seja porque permite que os ouvintes se afundem na autocomiseração. Entende o que eu quero dizer?
RW: Alguns tipos de música country, por exemplo.
GN: Enquanto algo como o canto gregoriano ressoa com algo mais profundo. Você nem precisa entender as palavras necessariamente. A forma fala diretamente. Ou a música de Bach, que é construída de forma a transmitir essa sensação de ordem, e podemos experimentar essa sensação de ordem diretamente.
Estávamos em Paris uma vez, e estava muito calor. Então, entramos numa igrejinha de pedra, pensando que nos refrescaríamos lá dentro. Assim que entramos, o organista — que estava lá praticando, eu acho — começou a tocar uma fuga de Bach, a fuga em Sol menor. Então, ficamos sentados lá, ouvindo a fuga. Começa com uma melodia muito forte e depois se desenvolve em diferentes vozes, e você fica meio que perdido num universo de planetas e estrelas girando. Aí o tema volta, BOOM! — o baixo, sabe, com bum, BAM, bum, bum, bum. É como se Deus tivesse falado. Quero dizer, naquela música existe uma visão incrível de ordem no universo. E essa é a visão de Bach. Essa é a percepção dele.
Desculpe, não é a mesma coisa que "Minha namorada me largou. Vou dar uma volta no bar." [risos] Quero dizer, existem diferentes níveis de experiência humana comum.
RW: Lembro-me de uma tarde em que estava sentado sozinho, ouvindo esta peça de Bach, e tive a sensação de estar presente em uma espécie de movimento calmo e eterno. É uma das minhas melhores lembranças musicais.
Bem, aqui vai algo que eu queria compartilhar com vocês, um pequeno trecho sobre música da pintora Agnes Martin. Ela era uma pessoa incomum. Ela chegou a um tipo de percepção espiritual que eu acho bastante surpreendente. Isso é de uma pequena entrevista que ela deu no final da vida. Ela disse ao entrevistador que a música era a forma de arte que tocava os sentimentos mais diretamente. E fez uma pausa, como se estivesse calculando algo. Então ela disse: "A música transmite cerca de doze vezes mais sentimento do que a pintura." [risos]
GN: [risos] Bem, suponho que eu poderia ser um espertinho e dizer que nossa escala musical tem doze tons, então talvez ela estivesse dizendo que uma pintura pura representa um único tom. Mas a música não representa uma pureza única. Ela representa relacionamento. Ela representa movimento. Há movimento na pintura também. Quando a pintura está terminada, o movimento acaba.
RW: Seu olhar precisa percorrer o ambiente.
GN: Sim, tudo isso. Mas não é o mesmo tipo de movimento em que você é carregado. Eu penso na música mais como escultura, na verdade. Com a escultura, você tem que se mover ao redor dela. Eu não sei nada sobre escultura, na verdade, exceto que tenho essa sensação de que a forma se comunica diretamente.
RW: E a música comunica diretamente.
GN: A música comunica diretamente nesse mesmo sentido, eu acho. Quando você diz que ela representa jornadas interiores, existem diferentes tipos de jornadas interiores. Há jornadas em direção à verdade e à beleza, e nem todos os músicos se interessam por isso.
Sempre há pessoas mais interessadas na mecânica das coisas — em qualquer área, eu acho. Mas a formação de músicos costumava ser algo mais ou menos privado. Você estudava com um professor e esse professor lhe transmitia o que sabia, quase como um aprendizado prático. Depois, a música começou a ser ensinada em aulas e, portanto, as coisas começaram a ser expressas mais em termos de regras, algo que se podia ensinar a um grupo de pessoas com diferentes formações. Agora temos conservatórios e escolas de música, e a competição é acirrada.
Muitas pessoas se orgulham da ideia de que o mundo lá fora é difícil e que é preciso ser forte para ter sucesso. Assim, o sistema é tendencioso contra pessoas mais sensíveis, que precisam de uma abordagem mais individualizada, algo que era comum na época de Mozart ou Bach. Por isso, cada vez mais, temos pessoas competitivas que sabem como tirar proveito do sistema. São elas que conseguem ter sucesso, mas muitas acabam se esgotando. Uma amiga nossa disse que era a única da turma dela na Juilliard que conseguia se sustentar como musicista. Como é que todos eles desistiram da música?
RW: Bem, você sabe que é a mesma coisa no mundo da arte.
GN: Sério?
RW: Ah, sim. Formam-se tantos mestres em belas artes por ano, e cinco anos depois, poucos continuam trabalhando com arte.
GN: Mas será que é porque eles se esgotam?
RW: Acho que é complicado. Mas não há muito espaço na cultura para acolher todas essas pessoas que querem ser artistas.
GN: Um lugar. Acho que o que estou querendo dizer é que você tem uma atividade que exige sensibilidade e cooperação, e o caminho para a profissão é recompensar a competitividade e a resiliência.
RW: Sim. Acho que existe algo parecido no mundo da arte também. Um dos principais motivos é que o mundo da arte também é um jogo de dinheiro. O dinheiro está sempre perto das pessoas que se tornam famosas. É uma questão de ovo e galinha. Mas artistas que podem ter um talento genuíno podem ser conhecidos apenas por um pequeno grupo. E esses grupos são isolados uns dos outros. Não sei se isso acontece na música.
GN: A música tem a vantagem de que a maioria das atividades musicais requer grupos de músicos. Então, acho que ela é um pouco menos suscetível a isso, porque hoje essa pessoa está tocando com um grupo e amanhã com outro. O que é ótimo. Acho que sempre foi assim. As influências musicais acompanham os músicos, e nesse sentido, acredito que a música se beneficia.
Mas esse outro aspecto da música é algo que você faz. A arte também é algo que você faz, e eu acho que provavelmente o mundo da arte está ainda mais distante da criação artística como uma atividade humana normal do que o mundo da música.
RW: Concordo. Há outra coisa sobre a qual eu queria te perguntar: a escala pentatônica. É uma escala antiga, não é?
GN: Essa é uma escala muito antiga.
RW: Você viu o filme do Herzog sobre Chauvet? [sim] Você se lembra daquela pequena flauta de osso?
GN: Sim. Eu costumava carregar uma foto daquela flauta no meu iPhone para mostrar às pessoas.
RW: Dizem que tem 30.000 anos, sabe?
GN: Agora estão falando em 40.000, na verdade. Essa é a feita com o osso da asa de um abutre-grifo. Você tem uma peça já oca, mas precisa entender de física para cortar os buracos e obter a escala, o que não é pouca coisa. E do mesmo sítio arqueológico também foram encontradas flautas de marfim — duas peças esculpidas em marfim e encaixadas para formar uma flauta. Presumivelmente houve muita experimentação, mas essa já era uma tecnologia altamente desenvolvida.
A escala pentatônica existe no mundo todo, inclusive em lugares que não poderiam ter nenhuma conexão entre si. Como isso é possível? É muito mais fácil cantar na escala pentatônica. Ela não tem semitons, que são difíceis — e difíceis de afinar. Muitas canções infantis e folclóricas são em escalas pentatônicas. Ensinamos primeiro as escalas pentatônicas e, a partir delas, a escala diatônica.
Existe um compositor estoniano contemporâneo interessado em astronomia. Ele fez um trabalho completo analisando os movimentos dos planetas e derivando uma escala a partir disso, e a escala que ele criou é uma antiga escala japonesa, que ele desconhecia na época.
O que os antigos chamavam de "música" está, na verdade, mais próximo do que chamaríamos de física. As sete artes liberais, que constituíam a educação clássica, consistiam no trivium — retórica, lógica e gramática — e no quadrivium — matemática, geometria, astronomia e música. E música significava a ciência das vibrações. A física da música, a acústica da música e a ciência das vibrações eram consideradas a verdadeira música. Essa era a verdadeira música. A expressão humana disso, que chamamos de música, era como um fenômeno secundário.
RW: Com base no que você está dizendo, fica um pouco mais compreensível como os antigos entendiam que a música era de diferentes tipos e servia para diferentes propósitos.
GN: É claro que não sabemos nada sobre como era a música deles.
RW: Que pena.
GN: Que pena. Eu adoraria ser uma mosca na parede de Pitágoras. E, claro, para Pitágoras, tratava-se da descoberta dos princípios matemáticos e físicos da física na música. E havia também o estudo esotérico no antigo Egito e a cura. Era tudo uma coisa só.
RW: Não consigo deixar de imaginar que as pessoas na época de Pitágoras estariam mais sintonizadas com a sua própria experiência.
GN: Bem, essa ideia moderna do eu — como uma mônada, de certa forma, uma unidade autossuficiente e separada — minha impressão é que o relacionamento entre as pessoas era diferente naquela época. Ouvi falar de um homem conversando com uma mulher de uma das tribos da costa noroeste. Ele pediu que ela lhe contasse algo sobre si mesma. Ela disse: “Minha mãe era fulana de tal, do clã tal, e meu pai era fulano de tal”. Então ela parou [risos].
E o cara disse: "Ok, legal, mas me fale sobre você." Mas ela achava que já tinha feito isso. Era quem ela era — não uma entidade separada. Então, com certeza, perdemos isso. E a música, a mais comunitária das atividades ou artes humanas, se torna aqueles outdoors com a pessoa com o iPod dançando ao som de uma música que ninguém mais consegue ouvir.
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“There are regions in the soul where only music can penetrate.” thank you for such a thoughtful interview. Loved the insights about how the active listening, playing and singing music can make such an impact. Here's to the hopeful continuation of music in schools, it is needed more than ever to connect us one to another!